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15 septembre 2026

36 Fillette de Catherine Breillat - 1988

S'il sortait aujourd'hui, 36 Fillette vaudrait à coup sûr à Catherine Breillat opprobre, prison et pal. Ces provocations insensées n'ont que l'excuse d'avoir été fabriquées dans les temps où les hommes pouvaient être des porcs à loisir, et celle d'avoir été inventées par une femme, ce qui les exonère de tout soupçon de perversion. En tout cas, en 2026, on reste sidéré par l'audace du film, par son côté frontal et punk, par son absence totale de filtre pour raconter l'adolescence et la découverte du sexe : Breillat a toujours su manier le scandale en esthète, et ce film-là est l'un de ses plus radicaux dans cette veine. Elle ramène ce qu'elle a appris chez Pialat (dont elle a été la scénariste) dans son univers à elle, encore plus raide, encore plus austère. Il en résulte une sorte de Pialat 2.0, qui a le même goût pour la naturalisme mais pousse plus loin le dégoût franc de la vie. 

Lili est une adolescente comme on en voit partout : coincée dans une famille de beaufs pas folichons (le père brutal et con, la mère soumise, le grand frère moqueur et niais), elle ne rêve que d'une chose : se libérer, trouver un mec qui la déniaisera, faire quelque chose de sa vie qu'elle sent partie sur des rails bien ternes ; et peu importe si elle n'a pas l'âge de s'émanciper vraiment, d'allumer les hommes, de sortir toute la nuit. A l'occasion de vacances en famille, la belle enfant parvient enfin à s'évader, et tombe sur le connard dépressif de service : Maurice (l'excellent et gonflé Etienne Chicot), dandy désabusé, revenu de tout, qui tombe raide dingue de désir pour cette gamine qui le fait tourner en bourrique. Commence alors un jeu de chat et de souris où chacun teste les limites de l'autre : elle est insupportable, capricieuse et bipolaire ; il est dégueulasse, sarcastique et il a le triple de son âge. 

L'anti-Boum : Breillat n'a que faire du romantisme et des fleurs bleues. Son truc à elle, c'est la vie, dans sa plus crasseuse expression, et tenter de la rendre comme elle est : désespérante et terrible. Elle place sa jeune fille dans ce monde d'hommes en rut, en fait une véritable héroïne sacrificielle de leurs regards salaces, et renvoie la société à sa culpabilité : parents démissionnaires et complices, hommes uniquement guidés par leurs désirs, femmes pleines de duplicité, société patriarcale qui ne peut qu'étouffer cette enfant. Avec une véracité assez sidérante, elle montre une jeunesse qui a fini par ne plus croire en grand-chose, qui accepte de servir de proie ; mais elle montre aussi la part d'innocence que Lili contient encore en elle : elle allume, elle vocifère, elle insulte, elle humilie, elle change d'humeur comme de chemise, mais c'est parce qu'elle a peur, qu'elle ne sait pas encore s'adapter à ce monde d'adultes. Elle ne cesse jamais d'être une adolescente, et Breillat, moitié-empathique moitié-critique, la filme plein cadre dans toutes ses faiblesses. Bien aidée par la photo glauquissime de Laurent Dailland et par son écriture très "cut", rapide et impressionniste, elle filme un portrait dénué de tout affect de cette jeune fille, froidement, presque objectivement. Le personnage de Chicot, de son côté, répond lui aussi aux modèles masculins de son époque, et le film porte aussi bien sur le désarroi de la jeunesse, que sur le vieillissement, la hantise de ne plus plaire, la norme des sexes. En contrepoint de ces scènes crues, crapoteuses, sales, on a bienheureusement quelques échappées : une scène avec Jean-Pierre Léaud notamment où le personnage, lunaire comme sait si bien l'être le bougre, écoute enfin les petites histoires et les grands espoirs de cette môme, magnifique moment suspendu au milieu d'un film éprouvant, parfois hystérique  (Stévenin dans le rôle du père qui s'assène de grandes baffes) et difficile à regarder. Important, parfois génial, mais je ne le conseille à personne. 

 

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15 septembre 2026

LIVRE : Jean et Romain de Myriam Anissimov - 2026

Seberg et Gary ne constituaient-ils pas, en leur temps, le couple le plus glamour du monde ? Bon, jetez vos petites idées reçues aux orties et lisez cet livre d'Anissimov pour remplacer le mot "glamour" par "sordide"... Est-ce une lecture vraiment utile ? Je me pose encore la question, vous avouerai-je, au moment même où j'écris cette chronique... Je reconnais avoir lu tant et plus sur Gary, ses livres, ses bios (et j'ai toujours celle de Bona curieusement en attente), ses histoires d'amour... Etait-ce bien raisonnable ? En commençant la lecture ce livre, en me tapant pour la douzième fois les rapports tendus qu'il y eut, lors de deux tournages successifs, entre Seberg et Preminger, je pensai : c'est reparti, rien de bien nouveau sous le soleil, du réchauffé. Et puis Anissimov, comme l'annonçait honnêtement la quatrième de couverture, nous sort des témoignages inédits (les anecdotes d'Anissimov elle-même - qui fréquenta Gary - sont loin d'être les plus pertinentes, soit dit en passant), des extraits de journaux intimes, des faits avérés qui permettent, par le menu, de raconter cette liaison, si belle dans un premier temps (très court), si triste dans un second (trop long), si terrible dans un troisième... On sort totalement de la littérature (d'où mon questionnement : à quoi bon ? puisque cela reste ce qui m'intéresse surtout chez Gary) pour se taper des avis guère à l'avantage du gars Romain (on le savait plus beau en livre qu'en vrai, certes, mais les témoignages s'accumulent ici pour le montrer sous un angle terriblement veule pour ne pas dire franchement dégueulasse dans sa relation tendue avec Seberg, une fois passés les beaux jours) ; le type en prend pour son grade et on a presque l'impression qu'Anissimov se délecte un peu de ce portrait à charge : Gary, romantique ? Jaloux et dominateur, point. Ok.

 

Mais le pire est à venir avec le chemin de croix de Seberg une fois cette relation conjugale rompue (Gary gardant malgré tout des liens avec elle pour lui fournir de quoi vivre dans les moments les plus difficiles et "s'occuper" de leur fils - dont l'éducation fut confiée d'ailleurs quasi-exclusivement à une personne tiers, mais passons) ; on savait qu'elle avait entretenu des liens avec le mouvement des Black Panther (et ses membres), avec les Indiens, avec les Algériens (...), qu'elle avait eu des démêlés avec le FBI qui la serrait de près voire avait cherché à la salir, mais on n'imaginait pas l'ampleur de ses déconvenues et de ses errances... Exploitée plus souvent à son tour par ceux qu'elle voulait aider, cherchant une sorte de réconfort en multipliant les aventures, dépendante entièrement de la consommation de "calmants" en tout genre, la pauvre alla de Charybde en Scylla, d'hôpitaux psy en maisons de repos, de tournage de navet en tournage de navet, de relation torve en relation violente. Ce n'est pas un parcours désenchanté, c'est une décadence, une chute jusqu'à cette mort ignoble (elle fut retrouvée morte, le corps à moitié décomposée, dans sa voiture) où les conditions de ce fameux "suicide" demeurent extrêmement troubles, absolument sordides (preuves à l'appui) ; le suicide de Gary auquel on revient en vitesse paraîtrait à côté presque anecdotique. Cassage en règle d'un pseudo mythe, d'une image d'Epinal qui s'affichait sur les couvertures des magazines (Paris-Match, le choc du chiqué), flingage en règle d'une égérie au visage un peu trop lisse : une enquête certes fouillée (jusque dans les dessous de l'enquête sur sa mort) qui lorgne finalement plus sur l'aspect poubelle-people (pour le lecteur-voyeur, du nanan, oups) que sur l'analyse réelle de la trajectoire d'une star mort-née ou sur le travail d'un grand écrivain. Utile ? Mouarf. Mais définitivement trash.  

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Tags: Anissimov,  Gary

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15 septembre 2026

Les Éléphants dans la Brume (Tiniharu) (2026) de Abinash Bikram Shah

Mais comment font-ils, comment font-ils pour aligner trois fois le mot "éléphant" dans le titre du film ? C'est toute la magie Shangols (!) et vous allez voir que vous n'êtes pas au bout de vos surprises en terme de gros mammifères... Des éléphants, dans ce film népalais, il en sera question aussi bien physiquement que métaphoriquement. Mais revenons au sujet central du film : Pirati est l'une des membres les plus actives de cette communauté kinnar et queer (!) au sein de ce petit village. Responsable de trois et de bientôt quatre "filles" (personnes queer qui, à la suite d'une cérémonie, considèrent la personne qui les accueille comme étant leur mère), elle tente de gérer au mieux ces enfants qui parfois partent un peu en vrille (en se donnant en spectacle, notamment, lors de fiesta). Pirati, qui en rentrant dans cette communauté a accepté de ne plus avoir de relations sexuelles, est amoureuse d'un petit moustachu qui aime à la prendre de temps en temps sur son vélo. Cet amour pour cet homme risque de remettre en cause son attachement et son rôle dans cette petite société qui vit en marge du village... La disparition soudaine et mystérieuse d'une de ses filles (qui fricotait avec un jeune type marié) va faire monter d'un cran la tension et mettre Pirati dans une situation délicate...

Dès le titre, on craint un peu de mettre les pieds dans ce putain de piège des fameux "films du monde" que défend corps et âme Télérama et ses vieux lecteurs en manque d'exotisme... Une belle image (dans la brume), une culture rigolote et originale (ah oui, tiens, le Népal), une communauté qu'on attendait pas forcément sous cette latitude (mais le trans est porteur, actuellement), on sert des fesses plus souvent qu'à son tour tout au long du film devant cet écueil, d'autant que les cadres sont très classiques, le rythme à la coule et les lumières délicatement soignées. Heureusement, heureusement, il y a ce personnage de Pirati qui doit mener de front plusieurs combats : elle aimerait s'accrocher à cet amour pour cet homme, qui la placerait automatiquement en dehors des siens, et mener ce combat farouche (elle parvient à faire intervenir la police pour participer aux recherches dans la forêt alors même que la plupart des flics et des habitants alentour s'opposent à cette battue) pour que la vérité éclate, pour que l'on considère les membres de sa communauté à égal avec le reste de la population. Femme forte, qui porte véritablement le film sur ses épaules, elle marche tout du long sur un fil : peut-elle vivre sa vie (en risquant le rejet définitif de ses proches) ou se sacrifier entièrement pour les autres (elle mène son enquête jusqu'au bout, ne reculant devant aucune limite...). Elle donne très joliment corps à son personnage de femme combattive et constitue l'un des forces du film... Et nos éléphants sinon ? Les éléphants sauvages, tout comme finalement cette communauté queer, ont une double image : des animaux craints mais nimbés d'une certaine aura (on organise de véritables processions, relativement bruyantes, pour les éloigner du village) ; si ces trans sont souvent vus d'un sale œil par les villageois et les (jalouses) villageoise, elles sont aussi respectées pour leur soi-disant pouvoir magique (notamment en cas de stérilité). Briser ce respect (envers ces trans) ne risque-t-il de faire basculer l'équilibre de ce monde ? Hum, hum. Il faut bien reconnaître qu'on finit ce film un peu sur deux pattes (arrière) : si l'on a accroché à cette incroyable Pirati (très dignement interprétée) menant son enquête (policière) contre vents et marées et malgré ses intérêts personnels, on demeure un peu en dedans devant ce filmage un peu trop attendu et cette métaphore finale un peu lourde (c'est décidément jamais facile de jouer sur la finesse avec des éléphants). Népamal, quoi, sans barrissement. 

 

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15 septembre 2026

Ghost Elephants (2025) de Werner Herzog

Bien sûr qu'on attendait avec impatience cette nouvelle œuvre d'Herzog (112 ans au compteur) d'autant qu'on se situe là dans l'une de ses veines les plus prolifiques et passionnantes : le documentaire philosophico-aventurier en des terres sauvages... Voilà longtemps que le gars Werner avait en tête cette expédition en quête de ces fameux éléphants gigantesques dont l'un des spécimens est exposé au Smithsonian Museum de Washington : monter une équipe, trouver des types à la marge, tomber sur un spécimen hors-du-commun, prélever des tests ADN, voilà un programme solide pour Herzog et un bon prétexte pour explorer ces hauts-plateaux angolais déserts.

On sent que notre cinéaste allemand préféré met ici tous les ingrédients qui ont fait ses succès et sa grandeur : un aventurier qui rêve depuis des décennies de mettre la main sur cet éléphant blanc (mais, le fantasme n'est-il pas toujours mieux que la réalité ? ; d'autant qu'une fois le rêve réalisé, à quoi s'accrocher - voilà pour la dose de réflexion dans les hautes sphères) : Herzog met justement la main sur un type au regard halluciné, au verbe haut, possédé par sa quête - la case est cochée ; des autochtones forcément envoutants : ces traqueurs qui cliquent de la langue et aiment à mimer poétiquement les mouvements des animaux sauvages feront l'affaire ; une scientifique qui connaît sa branche et ses gadgets (une bonne flèche pacifiste dans le flanc de l'animal devrait permettre, lorsqu'elle se détachera, d'extraire un peu de chair de l'animal) : nickel ; des paysages de rivières et de brume magiques, no problem ; une expédition en bagnole, puis en moto, puis à pied d'anthologie... On saupoudre le tout en évoquant la fin programmée de l'humanité... Allez hop, emballé c'est pesé, c'est gagné d'avance... Et donc ? Ben je dirais Bof moi.

Herzog est toujours le meilleur pour tirer parti de l'inattendu, dans le doc comme dans la fiction (un pingouin qui se barre, un ours grognon qui lorgne sur un saumon puis sur un blondinet, un volcan qui s'éveille, un type hypnotisé, un bateau qui traverse une colline lors d'un tournage rempli de merdouilles...), pour philosopher sur les aléas de l'existence, son aspect absurde et transcendantal. Là, il est bon, il est chaud, il est franchement le meilleur. Lorsqu'il tend de manière un peu forcée à vouloir créer lui-même cet aspect bizarre, étrange, surnaturel... c'est souvent un peu plus laborieux... On sent bien ici, à voir dès le départ sa caméra filmer en gros plan ces bushmen ou cet aventurier un peu shooté ou, plus tard, ces fameux "rois africains" perdus dans leur royaume, que cela manque un peu de spontanéité, de réel trouble... Herzog est bon quand lui-même est envouté par ce qu'il découvre, ce qu'il provoque, voire même ce qu'il manipule avec art... Quand il force un peu trop la louche dans une de ces quelconques directions, le doc ou la fiction manquent de relief, d'intérêt, d'aspérités... L'aventure ici est plutôt belle, possède son lot de jolies images, de personnages rigolos, mais on est vite las de cette quête d'éléphants et cette marche en avant définitivement un peu trop "forcée" et à l'issue... bref... comment dire... bon, disons rien, tiens... On se laisse toujours autant bercer par la voix caverneuse de notre homme mais l'illusion de la caverne ne fonctionne guère ici, est un peu plate... Dommage.

 

___________________________________

 

Une semaine définitivement placée sous le signe de l'éléphant sur Shangols. Mon camarade a dit vraiment l'essentiel de ce film de Herzog, qualités et défauts. Difficile de savoir quelle part de film est vraiment due au cinéaste allemand : il a désormais plus de 80 ans, et on l'imagine mal cavaler à moto sur les petites pistes ensablées ou faire des rando de centaines de kilomètres aux confins du monde. Toujours aussi malin, le gars brouille les pistes, racontant à la première personne du pluriel son histoire. Il a tort : on se moque de savoir quelles images sont de lui et quelles d'une équipe d’assistants plus jeunes. L’important est que ce film porte tellement la marque de Herzog qu'on ne peut que le considérer comme sien. Bien sûr, il y a tous les éléments relevés par Shang, qui sont tellement brandis ici qu'on dirait presque que le gars a voulu faire une compil de son cinéma : l'aventurier rêveur et fêlé, les peuplades lointaines et fêlées, les animaux affreux (j'ai rêvé de cette araignée portant ses œufs sur elle et de ce lézard à moitié dans les choux tirant une langue de 8 mètres de long), le but inaccessible, et toujours cette voix off inimitable, cette façon de densifier chaque image, jusqu'à cette musique new-age qui semble apparaître dans tous les Herzog depuis 1964. Mais surtout on reconnait le maître dans le fond-même de ce qu'il nous donne à voir : une réalité qui s'accorde à ses rêves, et non pas l'inverse. La réalité n'a que peu d'importance ici. Un gars rêve de rencontrer des "ghost elephants", dont le concept est assez flou (les descendants d'un énorme éléphant, bon). Peu importe s'il finit par les trouver (une vague image d'un éléphant pris dans les bois, et c'est plié : la voix off nous clame que c'est un miracle), peu importe que sa quête soit un peu discutable, peu importe si les aventures du trajet sont extraordinaires ou non. Après tout, Herzog n'a pas beaucoup d'images sensationnelles à monter, et cette aventure semble bien prendre un peu l'eau à maints endroits. Tout ce qu'on voit à l'écran, à part une ou deux pantomimes de bushman ou un roi fatigué filmé dans une grange, est un brin banal. Ce qui remporte la mise, c'est le regard posé sur ces images, le commentaire, textuel, musical et cinématographique. Comme dans ses autres documentaires, c'est "le point de vue du poète" qui fabrique la réalité, c'est la façon de regarder les choses. La vérité est subjective, c'est ce que nous dit une énième fois Herzog avec ce film qui transforme des images un peu privées de spectacle en grande fresque métaphysique. Sacré Werner... 

Le film est trop long, se perd dans des scènes inutiles (la recherche de l'ADN du fameux éléphant, dont on n'aura jamais les résultats... et on s'en fout !), un brin vieillot dans sa vision très solennelle de la nature (cette musique, cette musique...), et il est évident qu'on n'est pas dans les grandes réussites documentaires du cinéaste. Mais rien que pour sa fidélité à lui-même pour ce qui est du sens à donner au monde, de sa façon de le regarder, de ce style reconnaissable entre tous, on pardonne aisément à Herzog d'avoir tenté une nouvelle, fois le coup du "film ramené de la folie que personne n'a jamais vu". Immanquable, bien entendu.  (Gols - 15/09/26)

Vénérons Werner

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14 septembre 2026

Ceux qui ont mangé un éléphant (Zo o kutta renchu) (1947) de Kōzaburō Yoshimura

Voilà un titre pour le moins surprenant et un film qui ne l'est pas moins par sa propension à se tenir tout du long entre comédie et drame. L'unique éléphant du Japon est au plus mal et son propriétaire (le toujours excellent Chishû Ryû) est au désespoir : une brochette de médecins (ils sont quatre) tentent de le soigner mais finissent par abandonner... L'éléphant meurt. Tristesse de Chishû. Nos médecins, eux, ne se laissent pas abattre et deux d'entre eux décident, en bons scientifiques qui ne reculent devant aucune expérience, de goûter l'animal... Ils préparent les steaks et font la surprise aux deux autres puis à Chishû lui-même. Chacun mange d'un bon appétit avant la révélation sur l'origine de la viande : Chishû s'étrangle et goûte guère cette blague de très mauvais goût. Nos médecins, ces cons, rient mais pas longtemps : l'éléphant était infesté par une bacille et le diagnostic est formel : il ne leur reste à chacun que trente heures à vivre ; il existerait bien un sérum mais aucun ne semble être disponible sur le territoire japonais. Un rebondissement inattendu, ce n'est pas le dernier...

Les ascenseurs émotionnels seront multiples puisque l'on passera pratiquement d'une scène à l'autre d'un gros rire libérateur (il y aura de bonnes nouvelles par la suite) à un ton des plus maussades voire des plus désespérés (la bonne nouvelle ne fait généralement pas long feu). Yoshimura, lui, outre le fait de jouer sur cette constante variation des genres, livre une galerie de portraits plus ou moins truculents, plus ou moins pathétiques. Après avoir appris la triste nouvelle, chacun s'en va se saouler à grands godets de sake (c'est ce qu'on apprécie sans doute le plus dans la culture japonaise - avec évidemment le fait qu'ils célèbrent les bonnes nouvelles de la même façon) puis va rentrer chez bobonne, ou papa-maman, ou se morfond... On sort un peu les violons entre celui qui, dans un ultime élan de ferveur, regrette de ne pas avoir passé plus du temps avec sa promise, celui qui fait tout pour ne pas décevoir les gosses et part avec eux en rando (alors que madame ne peut s'empêcher d'être très caustique sur les "expériences" de son mari) ou encore celui qui s'en va rejoindre ses parents à la campagne pour pleurnicher... L'un des médecins, tout de même, profite de la situation pour avouer son amour à sa voisine et même si les circonstances sont un peu glauques la déclaration n'est pas exempte d'un certain romantisme... Chishû demeure le plus expressif, déprimant sur son sort ou laissant exploser sa joie à chaque nouvelle salvatrice... Yoshimura nous gratifie de très beaux travellings exécutés en pleine rue (lorsque Chishû, affolé, va prévenir les médecins ou que l'un des docteurs, plein d'espoir suite à un appel téléphonique, court comme un dingue pour prévenir ses collègues) et continue de s'amuser de ces ambiances "cyclothymiques" (on passe de la drôlerie d'une scène de prières entre athées (personne n'y croit... et pourtant...) à la séquence définitivement plus morne où l'un d'eux s'apprête à mourir dans la seconde). "Drôle d'ambiance", décidément, dans cet après-guerre (si le parfum de la mort demeure, la fin du carnage est sans aucun doute libératrice) que capte finalement avec une certaine justesse l'ami Yoshimura.

 

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13 septembre 2026

Adieu Monde cruel (2026) de Félix de Givry

Il est des petits films français qui, malgré leur image proprement dégueulasse (retour aux eighties ? bon, je n'y reviendrai pas), parviennent à vous toucher, en cours de route comme au final. Adieu Monde cruel fait indéniablement partie de ceux-ci, partant sur une trame ultra-minimaliste, mais gagnant centimètre par centimètre votre petit cœur pas encore complétement éteint, ni  totalement insensibilisé à la fragilité de la jeunesse. Otto (Milo Machado-Graner qui a pris des muscles dans le dos depuis Anatomie d'une Chute mais demeure toujours aussi juste) est harcelé dans son collège et décide d'en finir. Le grand plongeon... mais la mort apparemment ne voulait pas encore de lui... Il se réfugie dans un squat où va le rejoindre Léna (Jane Beaver, plus rousse qu'un castor mais quelque chose d'éminemment gracile). Elle s'occupe de lui en lui trouvant une chambre inoccupée et isolée dans l'hôtel de sa mère. Les deux jeunes gens vont faire plus ample connaissance.

Comme la voix off (de Françoise Lebrun - utilisée de façon aussi parcimonieuse et délicate que dans un Truffaut - et si certains plans vous font penser au jeune Léaud, ce n'est sûrement pas un hasard - on referme la parenthèse) le suggère à un moment de l'histoire, nos deux ados vivent dans leur bulle, dans la chambre d'Otto ou parfois sur le toit de l'hôtel, et la "réalité", dès lors que Léna sort de ce cocon, semble en comparaison avoir perdu de ses couleurs. On sent parfaitement que nos deux jeunes se créent un monde : ils sont sérieux comme deux ados qui, tout ouïe l'un pour l'autre, apprennent à s'écouter, tout en semblant nager dans une certaine utopie quand ils évoquent leur projet futur ; le monde extérieur, la vie quotidienne, semblent forcément à côté de ces intenses moments partagés, plus ternes, presque irréels. Il ne nous reste plus pour nous spectateurs qu'à partager cette intimité entre deux êtres maladroits, fébriles, débutants ; force est alors de constater que les faiblesses, les hésitations de l'un donne de la force, du courage à l'autre - et vice versa. C'est assez joli ce lien qui se développe entre eux et que de Givry filme au plus près, sans jamais chercher à nous noyer sous les dialogues. Il faut le dire, il faut le clamer, autant l'image fait peine, autant la musique d'Arnaud Toulon (et de Givry ne s'y trompe pas en le citant quasiment au début du générique de fin) est somptueuse ; elle vient doucement caresser chaque scène, oscillant entre des notes assez sombres, mystérieuses (à tout moment quelqu'un peut faire irruption et découvrir le refuge d'Otto) et des accents plus calmes, plus doux qui flirtent avec un certain degré de romantisme. Cette musique accompagne cette histoire jusqu'au bout, parvenant à souligner magnifiquement les aspects les plus sombres et les espoirs les plus vifs de notre jeune personnage principal. Et on sort de la salle intimement touché, oubliant volontairement au passage les éventuelles scories (il dormait le mec à la lumière ?) et les faiblesses de ce premier film. Bienvenue (ce qui fera plaisir à Ugo, l'un des producteurs du film) dans le monde des cinéastes, Félix ! 

 

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13 septembre 2026

KPop Demon Hunters (2025) de Chris Appelhans & Maggie Kang

"Fumier de lapin" avait l'habitude de lancer mon grand-père à tout vent, et c'est un peu la première chose qui me vient à l'esprit suite à la vision de ce film d'animation ; les coupables désignés, Criterion, qui ont donc la maudite idée de sortir cette chose récompensée cette année par deux oscars et niquant Argo par la même occasion. J'ai fait un pacte avec le diable en décidant de voir tous les titres édités par Criterion, je le savais dès le départ que ce serait une gageure, mais là c'est quand même un coup sacrément bas. On en parle ? Allez chiche : un girl's band ultra populaire a la lourde responsabilité de combattre les démons, chacune de leur chanson renforçant un peu plus le champ magnétique (?) de protection anti-démon (le premier qui rit, il se mange une baffe) ; un boy's band démoniaque se crée pour leur piquer leurs fans et faire échouer leur mission. Le noeud cornelien s'articule autour de la romance entre une des girls et un des boys : saura-t-elle passer outre sa malédiction familiale, saura-t-il combattre son passé démoniaque ? C'est con comme une huître chaude. Voilà, c'est fait, c'est dit, le monde bat de l'aile, la décadence de notre civilisation est désormais bien visible.

Qu'est-ce que vous voulez que je retire de la chose à part dire des connerie ? Les trois gonzesse ont une mentor, elle s'appelle Céline... M'est avis que ce n'est pas en référence à l'écrivain tant cette dernière transpire par tous les pores la bienveillance... Je n'irai pas plus loin. Il est dit, à propos de cette œuvre, que l'animation, justement, est fantastique (elle turbine, certes) et permet d'associer culture coréenne ancienne (les monstres) et moderne (ces groupements de jeunes qui n'ont de woke que la coiffure (ça va de la coiffure en balai de chiotte à celle en balai de serpillère) - les obèses, par exemple, devraient avoir plus de mal à s'identifier aux divers chanteurs). Patrick Sébastien est également un king de l'animation (pour vieilles non baisées du Cap d'Agde, certes, c'est une niche), on en fait pas tout un plat. Car sur le fond, franchement, on a quoi sur le fond à part cette pseudo référence à la culture traditionnelle des monstres (qui sont aussi hideux que ridicules d'ailleurs) : il faut que les jeunes gens surmontent leur "peur" pour avancer dans la vie ? Putain, merci pour le conseil de développement personnel... Cette jeunesse est vraiment fébrile pour se raccrocher à de tels fanions et croire en une telle soupe... Car tiens, parlons-en aussi, de l'aspect "musical" : si l'usage du voice coder rendrait fou de joie Gols (qui passe à côté des meilleurs morceaux du dernier album de Julian Casablanca, povere), je dirai, en faisant usage de modération, que trop c'est parfois trop. Ces morceaux utilisent qui plus est une fucking boîte à rythme démentielle et pourraient presque finir par faire passer pour mélodieux le dernier album de Muse. Voilà, je suis en colère. J'ai régressé de deux siècles à la vision de ce bazar. KK popo.

 

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12 septembre 2026

LIVRE : Rue Castellana Bandiera (Via Castellana Bandiera) de Emma Dante - 2008

Il suffit parfois d'un sombrero qui tombe du ciel pour provoquer une catastrophe. Dante, moins diabolique, se contentera d'une rue étroite et de deux voitures se faisant face pour développer autour de cette situation un affrontement pour le moins dantesque. Une rue, deux femmes au volant têtues comme des mules et surtout autour, Palerme, et cette famille autochtone, les Palafiore, totalement azimutée, mettant de l'huile sur le feu pour tenter de profiter au maximum de ce face-à-face absurde. Dante, en mettant en scène ces deux femmes, ne cherche en rien à les ridiculiser. Au contraire, en s'arrêtant longuement sur le portrait de chacune d'entre elles, en racontant leur histoire, leur passé, leur misère, elle leur donne une certaine densité, voire une certaine dignité. Tout ce petit peuple des Palafiore qui tente de tirer profit de la situation (des paris sont engagés sur les deux femmes pour permettre de toucher un petit pactole) est quant à lui, pour une grande partie de ces membres, lâche, veule, tourné en dérision. Soit donc d'un côté, une émigrée vieillissante, d'origine albanaise, qui a certes réussi à quitter son pays, à trouver en quelque sorte refuge au sein même de cette famille Palafiore, mais qui n'est désormais plus que l'ombre d'elle-même. Depuis la mort de sa fille, elle n'y est plus ; céder dans sa propre rue, à quelques mètres de sa maison, le passage reviendrait à rendre définitivement les armes. De l'autre, Rosa, accompagnée de sa petite amie Clara, n'a pas eu toujours la vie facile ; lesbienne, répudiée par son père, elle n'ose encore afficher devant les autres son amour pour sa compagne ; ce retour à Palerme pour assister à un mariage (elle vit désormais à Milan) constitue une source de tension extrême ; alors même que sa relation avec Clara semble justement dans une "impasse" (cette dernière menace de la quitter), elle semble bien décidée à ne pas céder une once de terrain dans cette ville qui lui rappelle les pires souvenirs. Deux femmes, deux murs, qui ne veulent plus reculer, revenir dans leur triste passé.

 

La tension est forte, dès le départ, les noms d'oiseaux fusent, mais l'ensemble baigne, malgré la montée de la violence (une type recevra même un coup de poignard alors qu'une foule se rassemble autour des deux bagnoles qui bloquent le passage), dans une atmosphère assez folklorique. Les Palafiore parlent haut et fort dans leur patois local (véritable gageure à rendre pour la traductrice... elle réussit un véritable tour de force littéraire en piochant dans le vocabulaire occitan... on perd forcément un poil de fluidité à la lecture mais comme on ne maîtrise ni l'italien ni le sicilien, on restera coi sur ce sujet) et trament en sous-main leur petit business ignoble ; les multiples membres de cette grande famille sont tous plus pathétiques les uns que les autres (les hommes en particulier), chacun, à l'exception d'une ou deux personnes plus équilibrées, plus civilisées, faisant preuve d'un état d'esprit des plus torves pour ne pas dire patriarcal à mort. Les deux femmes, elles, campent sur leur position, doivent serrer des fesses plus souvent qu'à leur tour, mais finalement ne font preuve que d'un petit excès de fierté - celle-ci ayant déjà été fortement égratignée par le passé. L'épisode monte en tension mais fait aussi monter la température (les aventures homosexuelles de l'un dans le dos de sa femme, les bouffées de désir de Clara envers les hommes ou les femmes rendent l'atmosphère encore plus poisseuse...) ; on voit bien que l'on file tout droit, malgré le côté souvent absurde, comique ou érotique de la situation, vers la tragédie et tragédie il y aura. Dante, finement, en mettant en scène cette situation, fait en creux le portrait de deux femmes fortes dans un monde où la plupart des mâles, par leur volonté de dominer et de contrôler leurs proches, se révèlent terriblement pitoyables. Bien vu et joliment écrit tant ce patois qui tourne parfois presque aux borborygmes possède un petit côté animal... 

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12 septembre 2026

LIVRE : Une Eclaircie de Jean-Baptiste Del Amo - 2026

"Et ce soir-là, à l’ermitage, tandis que le sommeil t’emporte, une forme apparaît dont tu voudrais pouvoir te souvenir. Celle du texte que tu pourrais écrire,
une autopathographie fractale te conduisant à réfléchir à ta propre écriture en même temps qu’elle s’accomplit."

 

Un pas de côté de la part de Jean-Baptiste Del Amo. Il délaisse la fiction pour inscrire son glorieux nom dans la collection "Ma Nuit au Musée", et se frotte à cette occasion à un genre dont il s'est toujours méfié : le récit autobiographique. Quand il reçoit cette commande des éditions Stock (pour rappel : passer la nuit dans un musée et raconter l'expérience), il est au plus mal : une pancréatite inguérissable lui ronge le corps et l'esprit, l'empêchant d'écrire, de voyager, de s'intéresser à autre chose qu'à sa douleur. Après quelques refus de sa part, il finit par dire oui et il entreprend alors un véritable travail de réflexion sur lui-même, accepte de s'intéresser à Goya et au musée du Prado, et se lance. Il en résulte ce texte douloureux et plaintif, qui se présente sous une forme morcelée, ménageant des allers-retours incessants entre les œuvres du peintre espagnol (en particulier ses Peintures noires) et sa propre vie. Du côté du premier axe, il assume une méconnaissance de cet artiste et de son travail, voire un peu de la peinture tout court : il ne se sert de Goya que pour revenir à sa maladie, le peintre ayant lui aussi subi moult avanies physiques. C'est une partie qui a du mal à convaincre réellement : peu fouillé, ressemblant même parfois à une page Wikipedia, le reportage de Del Amo au Prado et sur la tombe de Goya accuse avec trop d'évidence le but caché du livre : tenter de voir ce qu'il reste du désir d'écriture de l'écrivain, peut-être même trouver une rémission, voire un nouvel élan vers un autre livre. 

 

La partie où il se raconte lui-même est bien meilleure. Écrit à la deuxième personne pour tenter de mettre une distance avec l'intimité crue qu'il déploie, le texte montre une sincérité, un souci d'authenticité qui éclate à chaque page. Jamais larmoyant, jamais complaisant mais toujours très direct, il décrit les heures de souffrance à l’hôpital, l'amour envers son (patient) compagnon qui s'épuise, l'inspiration qui s'en va, le goût de la littérature même qui disparait, les traitements, les faux espoirs, enfin toute la panoplie des affres d'un homme qui s'enfonce dans la maladie et la dépression. Il nous fait part également de son expérience des hallucinogènes mexicains pour guérir son mal et offre quelques pages fascinantes de rêve éveillé. On a du mal à reconnaître dans ces lignes l'auteur de Règne animal ou du Fils de l'Homme, et pourtant : il y a le même goût pour le mot direct, celui qui frappe, qui émeut, mais sans se vautrer dans le style ou les acrobaties d'écriture, les mêmes images très nettes (quand il décrit le fameux Saturne dévorant son fils, notamment, ou la maison qu'il habite), un souci constant de rendre la phrase la plus belle possible, une réelle attention au style, même dans un livre de commande comme celui-ci.  C'est peut-être un livre-thérapie, qui restera plus mémorable pour son auteur que pour ses lecteurs ; mais si ça peut lui servir de tremplin pour écrire un nouveau chef-d’œuvre, je dis amen. 

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12 septembre 2026

Le Labyrinthe des Passions (Laberinto de pasiones) (1982) de Pedro Almodovar

La première chose hallucinante dont je me rends compte, c'est que je n'avais peut-être pas vu tous les premiers films d'Almodovar (ou alors c'est Alzheimer qui commence son travail de sape, ce qui ne m'étonnerait pas non plus outre-mesure). La seconde, moins surprenante, c'est que le gars Almo, qui multipliait alors dans les histoires qu'il écrivait les personnages, les trames, n'était pas du genre à céder le pas au moindre tabou : l'inceste, notamment ici, se taille un peu la part du lion... De quoi s'agit-il sinon ? D'individus de tout bord, de toute classe, nympho, homo, trans, hétéro même, qui se retrouvent tous (sauf ce trio de malfrats qui veut mettre la main sur le fils d'un empereur d'un pays "tyrannique") à la recherche d'une chose : l'amarrrr !!! La galerie de personnages mis en scène par le cinéaste espagnol en dit déjà beaucoup sur l'atmosphère électrique et érotique de cette œuvre : Cecilia Roth as Sexilia (tout est dit), franchement resplendissante, tente d'oublier un lointain trauma (Almo jouera les petits Freud de poche en remontant à un épisode traumatisant de son enfance - qui vaut d'ailleurs également pour ce fameux fils de Prince) en collectionnant les aventures (avec au minimum deux hommes à chaque fois, dix constituant une bonne moyenne), le fils de l'empereur, Riza, fréquente les milieux homo avec lui aussi un appétit certain, une psychologue très ouverte d'esprit harcèle de son côté le père de Sexilia un rien inhibé, une petite blanchisseuse vit une relation des plus torves avec son propre père depuis que sa mère s'est fait la malle, etc... On ajoute une petite pincée d'apparitions piquantes (Antonio Banderas, encore plus jeune et frêle que dans La Loi du Désir, logique, en homo doté d'un odorat surdéveloppé (!), Almodovar himself en chanteur punk déjanté ("Suck it to me", le titre de la chanson qu'il interprète (et qu'il a écrite), parle de lui-même, n'est il ?) et on peut déjà avoir une idée des relations explosives qui se nouent dans ce film.

Des personnages à la sexualité débridée, certes, mais ne sont-elles paradoxalement, pour la plupart, également frustrés par rapport à leur attente de l'amour, le vrai, le pur ? Derrière cette petite comédie vaudevillesque assez tordue et drôle, se cache déjà le petit cœur romantique d'Almodovar qui va démontrer que chacun est loin d'avoir trouvé le bon couvercle à son pot... Certes, cela prend souvent un chemin tortueux (l'homo Riza, véritable hétéro qui s'ignore (oui, c'est pas courant dans ce sens), la nympho qui finit par prôner (au moins pour un temps) l'amour platonique, le père frustré qui reconquit sa libido en couchant avec... (mouais c'est pas franchement très sain ni avouable, heureusement qu'il y a cette histoire de "double" (la blanchisseuse devient le sosie de Sexilia suite à une opération...) qui sauve la morale, au moins pour la galerie)) mais chacun semble finir par s'épanouir, trouver enfin sa petite dose de plaisir, pour ne pas dire de pure jouissance... Almodovar, déjà soucieux de mettre un soupçon de suspense dans sa trame, ajoute à cette comédie de mœurs la traque d'un homme ce qui finit par prendre des allures, il faut bien le reconnaître, plus d'un épisode de Benny Hill que d'un film d'Hitchcock - tout le monde finit aux trousses d'un groupe d'individus : c'est plus fun que véritablement tendu, hein. Une œuvre donc qui part un peu dans tous les sens, dans toutes les formes de sexualité mais qui possède une vigueur, loin des tabous, quels qu'ils soient, assez rafraichissante. On en attendait pas moins (et guère plus) de ces premières armes almodovariennes.

 

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12 septembre 2026

LIVRE : La Solitude des Professeurs est infinie de Yannick Haenel - 2026

"Si nous vacillons, nous les anxieux, c'est parce que nos pensées sont tournées vers les autres ; nous préférons être fragiles plutôt que durs ; et ainsi perdons-nous chaque année, un peu de nos forces. Je ne sais pas vous, mais moi, je préfère la vulnérabilité au pouvoir. L'autorité me répugne : elle ne s'adapte pas au cœur des hommes."

 

A quelques jours d'une rentrée scolaire qui s'annonce sportive dans notre chère académie de Toulouse (cette petite cyber-attaque fin juillet a décidément laissé des traces, tout est actuellement verrouillé - non, je ne ris point), quoi de mieux pour se remettre dans le grand bain que de lire un auteur qui pendant plus de dix ans a essuyé les plâtres de ces jolis collèges de banlieue parisienne. Premier constat : l'homme sait indéniablement de quoi il parle (quand tant d'autres ne parlent que par ouï-dire et accumulent les conneries, les clichés) et il le fait avec un entrain fort plaisant. Oui, toutes les turpitudes du métier d'enseignement seront certes évoquées (des responsables hiérarchiques abrutis à la dépression, la parano qui nous guette tous...) mais il le fait toujours sans se répandre en de longues plaintes pénibles (même quand il fit face lui-même à de sévères coups de mou) et tente toujours de revenir sur les choses positives du taff - une heure mémorable, des élèves captés, des répétitions magiques d'une pièce de théâtre (En attendant Godot)... Des réflexions, me direz-vous, qui paraissent à première vue des plus classiques mais qu'Haenel parvient toujours à tourner sur un petit ton personnel qui transpire l'expérience et avec un humour du meilleur goût. 

 

Prof, un sacerdoce, une mission, une plaie, blablabla... Haenel parvient à livrer une métaphore du métier d'enseignant en décrivant une scène incontournable d'un célèbre film de Tarkovski (il ne cite d'ailleurs ni le titre, ni l'auteur, ne cherchant jamais à jouer les snobs) et touche du doigt ce qu'il y a sans doute de plus précieux dans ce job de transmission... Il a souffert comme tout un chacun d'un inspecteur pointilleux (soyez plus "rigoureux"... merde, ils disent en fait tous la même chose), d'élèves désintéressés, de situations tendues, mais il essaie constamment de faire fi et d'en remettre une couche sur le plaisir qu'il a également pu prendre à enseigner. Et c'est tout à fait louable. Heureusement, on ne reste pas tout du long entre quatre murs, pas plus qu'il ne s'agit ici de s’appesantir sur les discussions entre collègues à la con (expression pouvant porter sur l'un des deux noms précédents, au choix) : les échappées sont nombreuses, qu'il s'agisse d'évoquer les balades routinières et apaisantes autour d'un lac ou de raconter comment l'auteur tomba subitement amoureux. Il évoque ces moments de calme ou d'euphorie sur le même ton badin, ce qui permet de multiples respirations des plus plaisantes au sein de cette lecture. Il évoque également avec une vraie drôlerie les moments de sa vie qu'il foira le plus royalement, qu'il fut ivre-mort lors d'une fête de fin d'année ou simplement tout au fond du trou moralement parlant. On aurait pu s'attendre à un long pamphlet un peu chiant réservé uniquement aux initiés, il n'en est rien ; il s'agit au contraire d'un récit plein de verve, d'une acuité évidente sur le métier de prof (ces "héros" de notre société décadente qu'il est de bon ton d'appeler dorénavant feignasses), un récit qui porte un regard lucide sur les hauts et les bas de ce chien de taff comme de cette chienne de vie - une seule leçon à retenir : toujours garder un œil sur les signes que nous envoie ce diable de destin. Vivement la rentrée, trop dommage qu'il y ait ce bug...  (Shang - 25/08/26)

 

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Bien partagé tout le long de ce livre entre intérêt et moue dubitative, et je dois avouer que le sentiment qui m'en reste à la fin tient plutôt de la deuxième que du premier. Vu le titre (un brin emphatique), on imagine que Haenel va nous raconter ses années de prof, le désarroi qui accompagne cet emploi, le rapport à la hiérarchie, aux élèves, les aberrations des programmes et des emplois du temps, les joies et les difficultés de cette noble tâche ; bref, un récit peut-être pas nouveau, mais au moins personnel, que la poésie habituelle de Haenel peut même rehausser d'un aspect littéraire. Une bonne partie du livre, c'est vrai, c'est ça : Haenel y décrit donc le quotidien d'un prof de français débutant en collège "difficile", et c'est intéressant. Surtout dans la dichotomie entre les rêves de ce jeune enseignant (apprendre le Beau, toucher les mômes, en faire des gens capables de penser et d'éprouver la littérature) et la réalité pathétique : les heurts avec les collègues, les mépris des supérieurs, l'hostilité de certains élèves, que le narrateur doit d'ailleurs combattre tout en traitant sa propre dépression latente, sa capacité à la rêverie un peu handicapante et une posture de rebelle à l'autorité qui lui pose bien des problèmes. On se désole de voir ce pauvre personnage franchir des murs de ronces pour arriver jusqu'à son préfabriqué sans chauffage pour donner des cours pénibles, comme on aime comme lui assister à ces séquences où la magie opère, où au contact d'un texte de Delbo ou d'un poème de Baudelaire, les élèves s'allument d'un coup et passent une heure à éprouver vraiment la littérature. Un tiers du livre est assez intéressant, donc, puisque le regard de Haenel est relativement singulier sur le métier, qu'il raconte avec mesure et sans oublier de s'égratigner lui-même, et que par la grâce de son style on éprouve concrètement les tourments de cette profession. 

 

Malheureusement notre homme ne tient pas ce cap tout du long. Très vite même, il délaisse le sujet pour s'intéresser à un autre qui le captive beaucoup plus : lui-même. Lui-même, son indépendance, son originalité, son appartement, ses femmes , son bon goût, sa supériorité indéniable par rapport à ses collègues, son mépris des lois, son regard si singulier sur les livres, la peinture ou la musique, bref son nombril qu"il a proéminent. Il avait déjà eu cette tendance dans d'autres livres (qu'il cite d'ailleurs discrètement dans son texte), mais cette fois, il y tombe avec délice. L'essentiel du livre est consacré à raconter comme il est sensible et inattendu, irrésistible et pertinent, de bon goût et singulier, et le fait est qu'on s'en fout. Ce livre, qui s'annonçait comme une vision du métier de prof, vire au nombrilisme pur et dur, à l'autofiction complaisante et vaniteuse. Se plaçant toujours en surplomb des autres (supérieurs hiérarchiques, collègues, amours, élèves, et finalement lecteurs eux-mêmes; qui ont bien honte de ne pas connaître aussi bien Pompei, la beauté des arbres ou le Zohar), il agace méchamment par son auto-satisfaction. Si bien que même la partie "collège" finit par en souffrir : on tique devant ces cours parfaits où les élèves le regardent avec des yeux émerveillés devant le regard sévère d'un inspecteur forcément détestable, ou devant les postures de cet homme seul contre tous car il est le seul à comprendre la jeunesse, la poésie et la nature. Intéressant, mais trop de vanité et de prétention.  (Gols - 12/09/26)

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11 septembre 2026

Back to the Family de Šarūnas Bartas - 2026

Voilà longtemps qu'on n'avait pas pris de nouvelles du précieux (et exigeant, certes) Šarūnas Bartas, faisons-le avec ce film discret et secret, qui n'a même pas eu l'heur d'une sortie au cinéma, ni même en VOD : direct à la télé, punition ultime. Et punition gravement injuste : le film est certes très petit, mais d'une humanité à la cheville de laquelle tous les films récents qui la brandissent en étendard en ce moment (...) n'arrivent même pas. Une humanité rêche, âpre, qui rappelle celle que Pialat a su si bien filmer jadis : comme dans La Gueule ouverte ou Van Gogh, deux films auxquels j'ai pensé souvent, Back to the Family regarde l'humanité dans les yeux, et une fois qu'elle l'a bien mise en cause, qu'elle en a bien extrait toutes les horreurs, lui pardonne tout avec un amour infini. C'est l'histoire hyper balisée et déjà vue d'une jeune nana qui rentre, à l'occasion de l'agonie de sa grand-mère qui va passer l'arme à gauche, dans le giron familial qu'elle a quitté depuis longtemps : elle y retrouve une mère alcoolique et apathique et un beau-père alcoolique et incestueux, bonjour les retrouvailles. Il n'y aura rien de plus que ça. On assiste pendant 1h30 aux confrontations des uns et des autres, qui s'engueulent, pleurent, se battent, s'insultent, sont pris de subits élans d'amour  : la jeune Simona les confronte avec ce passé soigneusement enfoui sous les non-dits, les parents nient et se rejettent la faute, et la grand-mère meurt. 

Rien de plus mais tout est là : avec un réalisme poétique bien soutenu par la belle campagne lituanienne, Bartas cadre de l'humanité brute, nue, et c'est magnifique. La longue scène de l'enterrement, très simple, respire l'authenticité : les esprits s'échauffent sous l'alcool, les comptes se règlent dans la violence, et puis chacun retourne à sa pathétique existence. Le film enregistre merveilleusement ces vies éteintes, ces pauvres gens de la campagne qui ne se supportent plus mais vivent pourtant ensemble, qui ont mille choses à se reprocher mais attendent d'être fins souls pour les régler. Surtout, ces gens sont regardés sans aucun surplomb, d'égal à égal, par un cinéaste qui partage la même tristesse, le même malheur... et les mêmes joies. Car le film n'est pas glauque, ne se complait pas dans la misère : il sait lever la tête, enregistrer la beauté d'un coin de campagne, l'amour d'une fille pour sa grand-mère, et même le lent phénomène de compréhension et de pardon d'une fille malheureuse à ses parents. Les gros plans, qui sont de véritables tableaux, donnent un rythme et une ampleur toute de solennité ; ils prennent tout leur temps, et ils font bien : c'est le temps qu'il faut pour que notre regard sur les personnages changent, qu'on passe du jugement dégouté à l'empathie. Bartas ne nous dit pas quoi penser de cette triste humanité : il la montre et nous laisse le loisir de la juger ou de l'accepter. Quand le film se termine par les mêmes mouvements que ceux du début, comme si une parenthèse se refermait, on peut avoir l'impression de n'avoir pas avancé ; mais il y a  eu entre les deux cet élan vers les autres, cette tentative de retour au pays, tout cet amour de l'humanité qui est passé dans les fabuleux cadres de Bartas. Entre la rugosité de Giono et le profond ancrage dans l'humain de Pialat : magnifique.

 

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11 septembre 2026

Le Pays natal (Fujiwara Yoshie no furusato) (1930) de Kenji Mizoguchi

Cela fait toujours plaisir de découvrir un film de Mizoguchi que l'on pensait perdu ; surtout quand celui-ci est entier, joliment rénové et diablement bien traduit (KG, the team, il est bon parfois de saluer ces traducteurs de l'ombre !). Alors oui, on ne tient pas là le chef-d’œuvre inconnu du grand cinéaste nippon. Mais le film est intéressant en terme de film "hybride" : cela ne vous aura pas échappé que le film date de 1930, ce qui permet à Mizoguchi, en particulier pour les (trop nombreuses) chansons mais également pour la plupart des dialogues, de tester le parlant - noter toutefois que des parties restent "muettes" et s'appuient encore sur des intertitres ; il réalise en quelque sorte (attention : blague) son Chanteur de Japs. Mais rentrons dans le vif du sujet au lieu de rire : il est donc question d'un chanteur Yoshie Fujiwara (interprété par lui-même : il a le charisme et du coffre) qui revient au Japon ; il vit dans la misère mais peut s'assurer du soutien sans faille de celle qui fut sa femme de ménage puis sa femme tout court, Ayako. Par l'entremise d'une certaine pimprenelle, Natsue Omura, Yoshie rencontre un agent qui, après une audition (Yoshie chante un morceau de Schubert comme une truite (l'enregistrement grésille fortement sur la ligne...) laissant notre agent dubitatif mais il parvient pleinement à le convaincre avec une chanson entonnée en japonais) lui donne sa chance et va le propulser vers les sphères. Joie de Yoshie qui s'encanaille, côtoie de plus en plus étroitement Omura, et oublie quelque peu Ayako... Il est alors victime d'un sérieux accident de voiture, un événement qui va rebattre les cartes...

Des auditions, des enregistrements, des concerts, si vous aimez les chansons japs vintage, vous allez jouir ; les autres aussi, plus ironiquement. Oui, bon, on connaît la chanson : l'ascension qui nous fait oublier nos bases, notre promise qui tente de nous rendre jaloux, nous boude, nous quitte et l'incident terrible qui nous ramène les pieds sur terre : qui aime-je vraiment, en fait, que fais-je ?... C'est souvent longuet (la partie à l'hôpital m'a donné l'impression que j'étais moi-même alité) alors on essaie de piocher ici ou là quelques petites tentatives audacieuses au niveau de la mise en scène ou d'expérimentation technique (même si l'on sent bien que l'attention principale est portée au son) ; on relève ainsi quelques plans, notamment pour filmer certains raouts auxquels participe notre star et ses fans, tournés avec une caméra que l'on pense posée sur des roulettes (?) - l'image tressaute tellement qu'on a l'impression qu'elle est portée par un Lelouch victime de Parkinson : mais on va peut-être un peu loin -, des essais également sur des sortes de ralentis, essais un peu plus probants pour capter notamment les pas poétiques d'une donzelle en goguette, ou encore, un petit jeu fugace au détour d'un plan ou deux sur la profondeur de champ : cela traduirait-il la volonté de donner une nouvelle "dimension" à l'image avec l'arrivée du son ? Bon, il faut bien reconnaître que l'on achoppe sur ces quelques aspects techniques tant l'on s'ennuie devant cette trame un peu trop attendue et interprétée de façon un poil convenue (seul le pote un peu porcinet d'Ayako, qui faut tout pour l'aider à récupérer son homme, nous a tiré par ses mines deux-trois rictus). C'est maigre, sans doute, mais cela ne nous empêche point de nous réjouir pleinement d'avoir découvert ce film "transitoire" s'il en est dans la filmo de Mizoguchi ! Le Pays natal, on le sait, ça a son importance dans une odyssée.

jamais soupé de Mizo

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10 septembre 2026

Adèle n'a pas encore dîné (Adéla jeste nevecerela) (1978) de Oldřich Lipský

C'est étrange de voir à quel point nos commentateurs les plus affutés nous conseillent des films totalement starbés. A croire qu'ils pensent qu'on ne prend pas la vie (et pire, le cinéma !) au sérieux ! Bon, bingo, j'avoue, cela fait longtemps que je ne crois plus à la grandeur de l'existence ni d'ailleurs à la nécessité absolue de l’Éducation Nationale ; les ministres se suivent et font preuve à chaque fois d'une connerie encore plus profonde que leur médiocre prédécesseur. J'ai quand même inscrit mes spermatozoïdes à la pré-crèche pour ne pas être pris de court. Bon, c'est quoi le rapport ? Une certaine absurdité dans la vision du monde ? Bien vu ! Soit donc le célèbre détective Nick Carter débarquant à Prague pour résoudre une affaires des plus importantes : le dogue allemand d'une princesse à deux balles a soudainement disparu ; la piste la plus sérieuse serait qu'il se soit fait bouffer par une plante carnivore (j'allais écrire par Blanquer, c'est kif-kif). Mais que faisait là cette plante carnivore (perfide Adèle - c'est son nom !), qui l'aurait donc introduite en ces murs ? Ne serait-ce pas le fameux malfrat que l'on surnomme "le Jardinier", un escroc que Carter lui-même avait pourtant vu mourir de ses propres yeux ? L'enquête s'avère particulièrement épineuse.

Nick Carter nous est immédiatement sympathique : que fait-il dès qu'il a pris contact avec les flics locaux et qu'il se retrouve avec un gros moustachu débonnaire chargé de l'ouvrir à la culture locale ? Ils écument ensemble tous les pubs de la ville (et dieu sait qu'il y en a) pour se gaver de pilsner : la bière coule à flot tout au long de la nuit, Nick est bourré comme une cantine et son acolyte n'est guère dans un meilleur état malgré toutes les saucisses qu'il s'enfile au petit matin (c'est un gros mangeur avant d'être un fin enquêteur). Bon, dès le lendemain, Nick décide de reprendre la main : rien de mieux pour retrouver sa forme légendaire que de plier d'un coup de main tranchant tout le mobilier de sa chambre. C'est très con, je suis plié. Alors bon, certes, même si la partie animation (concernant notamment les actions de cette fameuse plante carnivore) est assurée par le grand Jan Švankmajer, si les rebondissements et les gags visuels à la con sont nombreux, si les jeunes femmes à la cuisse légère foisonnent au milieu de ces plantes grimpantes un poil phalliques, si les décors praguois sont toujours un parfait écrin, on atteint jamais le délire total d'un Vorlíček ou le fou rire de nos douze ans (après, j'ai arrêté) ; toutefois, comme le soulignait d'ailleurs ce bon Henri conseiller occulte de ce film, on retrouve un peu notre âme d'enfant devant cet enchaînement de situations loufoques et ces personnages, comme le suggère d'ailleurs le générique d'ouverture, qui semblent tout droit sortis d'une BD : un suspense trépidant (une plante peut-elle vraiment engloutir un dogue ?) mené par un détective craquant (Nick ne se départ jamais de son sérieux, même quand les situations partent grave en quenouille) dans la plus belle ville du monde ? Est-on encore en droit de faire la fine bouche ? Le vice d'Adèle, chapitre 3, le meilleur.

 

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10 septembre 2026

Crime de Vincent Ostria - 2010

Bien, mais alors bien allumé, ce film du critique de cinéma Vincent Ostria. Dans une atmosphère lynchienne, mais qui peut aussi évoquer le Buñuel des débuts, le garçon se livre à une sorte de variation autour des grands motifs du film noir, pour mieux s'en éloigner ensuite et laisser s'exprimer son surréalisme et son étrangeté. Difficile de résumer un film aussi expérimental, qui fait de la surprise et de la mise en porte-à-faux du spectateur son cahier des charges. Disons qu'il s'agit (peut-être) d'un dealer qui décide d'arrêter le trafic, de se se retirer du business, au grand dam de ses fournisseurs légèrement menaçants. Il reçoit une nouvelle drogue, qu'il teste du bout des doigts ; c'est alors que le film plonge avec délice dans le délire, délaissant toute trame pour passer à un mode de narration tenu mais anarchique, où les faux cadavres et les soirées atones se répondent. Il faudra se contenter de ça. Ce qui compte, c'est le très singulier univers, qui n'appartient vraiment qu'à lui, qu'Ostria parvient à mettre en place. Malgré les motifs repérés du film noir, il travaille sur un territoire unique, difficile à relier à quoi que ce soit : depuis la première scène, qui semble une porte d'explication à l'ensemble du film et en fait non (une voyante en transe, filmée dans une sale image crasseuse), jusqu'à ces sombres images urbaines au noir et blanc granuleux, on est transporté, pour le pire et le meilleur, dans un monde parallèle, peut-être induit par la prise de drogue du protagoniste. Quelques images fortes subsistent : celle de cette gelée qui renferme la fameuse drogue, dans laquelle il faut plonger les mains pour en retirer la poudre ; celle très lynchienne de cet homme (F.J. Ossang, parenté évidente) qui parle à l'envers ; celle de cette femme fatale (Eva Ionesco) vénéneuse et dangereuse ; celle de ce remplaçant du dealer hélant timidement les clients potentiels dans la rue ; celle de ce mort-vivant se traînant dans l'appartement. Quand Ostria en fait trop, il est un peu énervant, c'est vrai : il brandit parfois son goût pour l'étrange avec un peu trop d'ostentation, et clame son besoin de ne ressembler à personne avec un peu trop de force (d'autant que, on l'a vu, ce film peut se rattacher à d'autres, de Twin Peaks à L'Age d'or). Mais il sait aussi, quand il le faut, faire montre d'une sincérité totale, d'un ton frondeur et personnel qui marque des points, d'un humour précieux. A défaut d'avoir tout compris, j'en aurai au moins retiré ça.

 

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10 septembre 2026

LIVRE : Le Vide et le Plein de Nicolas Bouvier - 2004

"On ne voyage pas pour confirmer un système, mais pour en trouver un meilleur, auquel on fera bien d'ailleurs de ne pas se conformer trop longtemps. Ce qui importe, c'est le passage. Mon livre est celui d'un homme qui, à force de manquer de méthode (et ce n'est pas un parti pris : je cherche à être méthodique mais sans y parvenir), trouve tantôt mieux tantôt pire que tout ce à quoi ses ambitions raisonnées auraient pu le conduire. Une médiocrité désordonnée, toute trouée de fenêtres, parcourue de courants d'air : on a des chances d'en guérir. Organisée, elle vous enferme."

 

"Le voyage ne vous apprendra rien si vous ne lui laissez pas le droit aussi de vous détruire. C'est une règle vieille comme le monde. Un voyage est comme un naufrage, et ceux dont le bateau n'a pas coulé ne sauront jamais rien de la mer. Le reste, c'est du patinage ou du tourisme".

 

Petit supplément au voyage de Bouvier (ah si, c'est drôle) au Japon (nos commentateurs sont toujours sur la brèche : qu'ils ne s'inquiètent point trop, j'avais dès le départ cette lecture en tête) avec ces carnets nippons (édités post-mortem) du sieur Bouvier. Des annotations, donc, sur le Japon, sur Kyoto, la campagne, Tokyo, la vie quotidienne, sa vie personnelle, les rituels, les arts (architecture, littérature ou cinoche) ou encore tout simplement sur sa petite philosophie concernant l'intérêt (ou pas) des voyages. C'est un Bouvier qui ne cherche pas à s'épancher, à faire une thèse, à produire de la copie, mais qui, en de courts paragraphes, dresse un portrait précis des êtres qui l'entourent, des faits dont il est directement le témoin et qui se plaît à livrer quelques réflexions muries. Le moins qu'on puisse dire, c'est qu'il est sans filtre : il ne prend point de gant pour dire ce qui, dans ce Japon-là, à vite tendance à lui taper sur les nerfs : les courbettes, cette fameuse face que l'on se doit de garder, cet esprit tortueux de réseautage très particulier qu'il faut respecter pour obtenir finalement ce que l'on veut (la visite d'un simple temple peut devenir un véritable parcours du combattant), les problèmes de communication (que l'on soit maître ou point du japonais), toutes ces petites manières affables du Japon sont passées au crible ; bienheureusement, on le connaît, le bougre, il le fait sans jamais chercher à juger son interlocuteur, sans charger la mule pour le plaisir de se plaindre, de se sentir supérieur : c'est une culture ilienne qu'il regarde avec distance, avec lucidité, avec justesse. Il essaie d'ailleurs aussi, la plupart du temps, de relever la petite chose qui va toujours finir par rendre touchante ou singulière une situation. Même si l'on sent bien qu'il a plus de sympathie immédiate pour le monde paysan, pour ces personnes qui se révèlent bien souvent moins chichiteuses (lorsqu'il voyage dans la cambrousse, ils l'invitent de façon relativement spontanée), s'il ne cache pas une certaine préférence pour les femmes nipponnes (qui tiennent malgré les apparences bien souvent la baraque), il ne dénigre jamais de façon excessive cette "population urbaine ultra collectiviste" un peu trop engoncée dans ses manières, dans ses automatismes, dans une certaine froideur. Il en relève les faiblesses, admet son impatience vis-à-vis de telle ou telle attitude chronophage, mais il replace toujours dans l'Histoire du pays, dans une tradition plus ou moins oubliée, les raisons de tel ou tel geste. Il croque ce Japon des sixties avec mordant, ne se distingue guère, personnellement, par une totale zénitude de l'esprit (ce fameux zen que l'on commence d'évoquer à toutes les sauces et sur lequel il revient en détail), continuant d'user des expressions, des mots les plus justes pour rendre au mieux une saynète, une idée, un commentaire. Bouvier, THE guide.

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10 septembre 2026

LIVRE : De l'autre Côté du Lac de Sylvain Prudhomme - 2026

Ben dis donc, on lit à tour de bras en cette rentrée, nous qui chaque année faisons la moue plus souvent qu'à notre tour devant cette gabegie de productions littéraires moyennes... Après, c'est le métier de Gols ; cela aurait pu être le mien si les plus jeunes lisaient encore (petite causticité du prof désabusé, qui ne cite plus, après le titre du livre à lire chez soi, le nom de l'auteur, mais le nombre de pages). Bref, tout à fait emporté comme par une légère avalanche par ce récit distillé par notre gars Prudhomme. Des chapitres aussi courts que des hivers en période de réchauffement climatique, des annotations précises sur la nature alpestre aussi précieuses que des flocons de neige, et une histoire d'amour platonique ou disons plus simplement hypothétique qui fait chaud au cœur. Un homme, un jour, sur un parking, croise une femme, chargée de valises, qui s'en va rejoindre son Berlingo (la voiture mythique des stars) ; il l'aide, elle est photographe (paysagiste, en noir et blanc, à l'ancienne, sur des plaques de verre), il flashe. Il aimerait tant, maintenant qu'il y repense, partir dans les alpages avec elle, voir ce lac qu'elle a photographié et qui jouxte une réserve totalement fermée aux hommes. Mais la jeune femme Paola, repart toute seule en expédition durant l'hiver... et disparaît. Consternation de notre narrateur qui va enquêter sur les derniers jours qu'elle vécut au bord de lac. Il espère (ou imagine, c'est pareil) remonter sa trace...

 

Il imagine, donc, au plus près des indices qu'elle a laissés, le parcours de cette photographe qui était persuadée qu'une autre personne hantait le site ; la découverte du corps d'un blogueur sur les lieux de la réserve (désespoir chez ses fans, joie des vautours) l'encourageant sur cette piste : la mort du jeune homme, alpiniste expérimenté, ne semble en effet en rien accidentelle. Le narrateur imagine donc cette femme partir à la recherche de cette présence humaine mystérieuse, tout en profitant, aussi, bien sûr, pleinement, quelques jours durant, de ce cadre de vie magiquement préservé, quasiment vierge. Et c'est très beau, tant Prudhomme parvient à trouver un subtil équilibre entre cette partie poétique - faisant la part belle à la description des paysages, ces montagnes à pic, ce lac gelé, des paysages constamment animés d'animaux libres comme l'air (oiseaux, chamois, marmottes...) - et cet aspect plus énigmatique, suspenseful, d'une présence qui rôderait en ces lieux, l'observerait - un danger éventuel ou une sorte d'appel (de la forêt) ? On est suspendu à ce récit comme un alpiniste à son piolet, savourant chaque micro-avancée du récit, tentant dans chaque micro-photo (l'ouvrage en contient quelques-unes) de percer nous-même le mystère de cette ombre en les scrutant d'un œil expert. On regrette que Mauvignier ait tué le game l'an dernier pour Les Éditions de Minuit tant l'on aimerait que cet ouvrage gagne en reconnaissance et repose tranquillement au chevet de tout individu croyant encore en la nécessité de se perdre dans la nature (et dans un livre). Revigorant comme une petite brise à l'aube.  (Shang - 04/09/26)

 

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Ne cherchons plus : tout comme le compère Shang, j'ai trouvé mon Goncourt. Ça faisait des années que Prudhomme tournait autour du chef-d’œuvre, cette fois il y est. Son récit vous apporte à la fois le grand bol d'air pur nécessaire en ces temps difficiles, la poésie vibrante dont les livres manquent de plus en plus cruellement, l'humanisme qui change du nombrilisme ambiant... bref, c'est grand, et peut-être beaucoup plus grand que ce que son récit raconte. En décrivant avec une telle sensibilité son paysage sauvage de haute montagne, Prudhomme atteint une puissance qu'on peut qualifier de métaphysique : par-delà ce coin perdu se trouve un vrai territoire inexploré, où la nature a repris ses droits, où la sauvagerie est de mise, dans lequel tous les humains à s'y être engagés ont disparu ou sont morts brutalement. C'est dans le face-à-face avec ce pays si proche mais inatteignable que se tient la beauté du roman qui, sous couvert de livre d'aventure ou de documentaire, cache une attirance vers la sauvagerie, un appel au retour à la forêt (l'allusion à Jack London est bien vue). L'héroïne, spectatrice tout d'abord de cette nature puisqu'elle est photographe, se change peu à peu en actrice de sa propre vie, dont elle se rend compte qu'elle peut la modifier pour rentrer en osmose avec le paysage. Son lent cheminement est autant géographique que mental, et sa force réside dans l’irrémédiable : quand elle aura franchi ces falaises, ces passages impossibles, elle appartiendra vraiment à la montagne. Il y a une sorte de duel implicite entre visible et invisible, entre ce qui se cache et ce qui se laisse voir (de loin, presque pas, en s'armant de patience...) : les deux ont la même importance, s'équilibrent merveilleusement dans De l'autre Côté du lac.

 

Solennel mais pas grandiloquent, Prudhomme raconte cette aventure intérieure avec un sens de la narration qui va de paire avec la magnifique poésie de ses mots. On est soufflé par la force des images (un pêcheur isolé sur un lac, la tâche orange d'un cadavre, un troupeau de bouquetins), par la précision sans snobisme du vocabulaire, par la modestie du style démentie par sa puissance, et aussi par le rythme qu'il confère à ses événements, à sa trame très prenante. C'est un polar, dirait-on, qui prend d'abord des allures de véritable enquête : le narrateur rencontre les témoins de la vie de Paola, retrace son caractère et son passé à travers ces témoignages ; puis il se met à faire œuvre de romancier, fantasmant les détails des derniers jours de sa muse, se donnant toute licence pour imaginer une histoire inspirée par un maigre journal de bord et par les photos laissées par la belle (elles sont assez mal reproduites dans le livre, trop petites, comme si leurs contour, leur idée importaient plus que la netteté, à l'image de l'écriture de Prudhomme, elle aussi porté sur l'émotion plus que sur la précision des détails). Deux axes (le roman d'imagination et le récit naturaliste) qui forment un tout. Ce tout est magnifique : mon sommet (pour l'instant !) de cette rentrée.   (Gols - 10/09/26)

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10 septembre 2026

LIVRE : La Hantise de Jean-Philippe Toussaint - 2026

Jean-Philippe Toussaint fait peu ou prou toujours le même livre, qui tombe avec une régularité de métronome, c'est peut-être ce qu'on appelle la rigueur. En tout cas, cette livraison 2026 ne démérite pas, et sans rien apporter non plus à la gloire de l'auteur, se lit avec un certain plaisir. A vrai dire, on reste un peu perplexe devant cette sombre histoire d'espionnage relativement classique : qu'a voulu faire Toussaint, pourquoi un tel livre ? Moins captivant qu'un bon vieux John Le Carré, moins stylisé qu'un Tanguy Viel ou qu'un Yves Ravey, La Hantise est très correct, mais semble ne rien apporter du tout, ni à la carrière de son auteur, ni au genre, traité, comme il se doit aux éditions de Minuit, avec une certaine neutralité qui commence à accuser quelques marques d'usure au coude. Un livre n'est pas censé servir à quelque chose, je sais bien, mais tout de même : on se dit que Toussaint aurait pu passer son tour sur cette rentrée littéraire et attendre de trouver un sujet plus nouveau, moins pantouflard. Bon, assez : les qualités de ce roman sont suffisamment nombreuses pour qu'on cesse de rechigner devant les défauts.

 

Un petit industriel met par hasard la main sur un clé USB qui lui dévoile l'existence d'un vaste réseau de corruption à l'échelle internationale. Pliera-t-il face aux menaces larvées de sa hiérarchie et fermera-t-il son clapet ? Ou, fidèle à une certaine tradition familiale, se dressera-t-il contre l'injustice et se transformera-t-il en lanceur d'alerte ? C'est la deuxième option qu'il choisit, et dès lors il va se retrouver mêlé à un monde qui reste quotidien et paisible en surface, mais dont tous les signes accusent une sourde menace en profondeur, un peu comme cette piscine que le héros aime à fréquenter. Toussaint fabrique un véritable univers paranoïaque autour de son petit héros ordinaire, montrant un être comme vous et moi face à un événement qui le dépasse et pourrait s'avérer très dangereux. C'est fort bien tenu, et on parcourt ces lignes dynamiques, bien rythmées, d'une traite sans ennui. L'écriture décrit factuellement les choses, dans un style blanc qui a fait la marque de cet auteur ; mais on sent derrière tout un faisceau d'émotions, de sensations, que Toussaint n'occulte pas pour autant. C'est la magie de cette écriture : on a l'impression qu'on reste dans le factuel, mais on éprouve avec le héros la peur, la joie, l'angoisse, le danger qui le meuvent. Un climat de suspicion permanente règne sur ce récit à la fois très respectueux du genre et presque pastiché par le prisme de la minuscule vie quotidienne : les rencontres avec un journaliste de Mediapart ou différentes femmes, les réunions avec ses supérieurs, portent toutes en elles un potentiel danger, un possible doute sur la vérité des choses. Le tout se terminera en bonne et due forme dans un style presque hitchcockien, filatures, twists et espions confondus compris. Un livre sympathique et assez palpitant, pour retrouver encore quelques jours l'ambiance de la lecture de plage. 

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Tags: Toussaint

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9 septembre 2026

Soudain (2026) de Ryūsuke Hamaguchi

Peut-on franchement donner une véritable cinégénie à un livre de correspondances entre une anthropologue et une philosophe qui évoqueraient entre elles les problème de dégradation soudaine de l'état de santé ? On aurait envie, avec un petit haussement d'épaule hautain et un petit rire grinçant, de répondre bien sûr que non. C'est la gageure à laquelle pourtant s'attaque Hamaguchi avec ses deux formidables actrices (Virginie Effira et Tao Okamoto, inconue de nos services) sur une durée de plus trois heures. Il tend le bâton pour, et pourtant, ça fonctionne miraculeusement. Deux actrices très complices, en état de grâce, des dialogues plus solides que les poignets de Macron au volant de son scooter des mers et Hamaguchi de réussir l'exploit de nous passionner pour un film qui se déroule en grande partie dans un Ehpad - et qui évoque également, au passage, la condition des déficients mentaux dans une pièce de théâtre des plus austères ou encore le cancer en phase terminale (youpi)... Ce n'est plus un miracle, c'est du génie, de la vraie cinégénie.

Quand certains cinéastes évoquent le thème de la compassion au bulldozer (je lis directement dans ton esprit, je te parle de toi, tu m'écoutes ! Ouah !!!), Hamaguchi prend tout le temps pour nous montrer deux êtres qui se rencontrent presque au hasard et qui vont, l'une pour l'autre, le temps de quelques heures, quelques jours, quelques semaines, se parler et s'écouter (les êtres qui ne parlent que d'eux-mêmes sans jamais prêter une oreille à leur vis-à-vis, ne pourront pas comprendre, passeront forcément à côté). Mon dieu, mais de quoi parlent-elles ? De ce que l'on peut justement simplement apporter aux autres, avec un peu d'attention, avec un peu d'affection, quelques paroles sages, quelques gestes doux, en ne présumant en rien de la sénilité des personnes âgées ou de la débilité des déficients, en faisant montre, oui, disait-on, de pure compassion. Hamaguchi ne cherche aucun raccourci, prend le temps d'user au besoin d'un tableau blanc, évoque même le cas échéant les limites du tout-puissant capitalisme (le besoin de prendre conscience du problème et de s'y adapter plutôt que de le combattre inutilement... waoou) et tout ce qui, théoriquement, pourrait se révéler, à l'usage, diaboliquement plombant semble ici aussi fluide qu'une simple petite tape amicale d'un quidam sur votre avant-bras. Ne baissons jamais les bras, tendons-les plutôt en direction de notre prochain. Il en fallait du courage pour s'attaquer à un film aussi verbeux, il en fallait du talent pour nous le rendre si limpide et bourré d'émotion (l'association des deux actrices, pleine d'humilité et de sobriété - et justement récompensée ensemble à Cannes -, fait franchement merveille). On ressort de cette incroyable salle du Rex de Brive-la-Gaillarde (oui, j'ai fait une tournée des salles mythiques cet été...) sous une canicule plombante infernale mais avec dans la tête une incroyable foi renouvelée en l'humanité et en l'art du cinéma. Soudain, on se sent comme plus léger, frais comme un gardon. Une expérience non point exigeante (enfin sans doute un peu pour les HPI) mais purement libératrice, d'un bel et pur optimisme. Trop rare pour s'en priver par les temps qui courent.  (Shang - 18/08/26)

 

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Je vais me positionner pile à l'autre bout du ressenti par rapport à Shang et à l'ensemble de la critique, dont je ne m’explique pas l'engouement pour ce film. Pendant la première demi-heure, ne sachant rien du film, je me suis réjoui. Une série de scènes en Ehpad où des infirmières et des soignants tout en sourire et en voix douce susurrent à des vieux qu'ils sont beaux, prennent trois heures pour les doucher, et les font participer à des ateliers de connaissance de soi : les séquences ressemblent à une sorte de 1984 feutré, et je me suis dit qu'on était là dans une sorte de dystopie flippante sur les limites de la bienveillance, sur l'humanisme qui peut se transformer en fascisme quand il est poussé au bout. Une sorte d'Ulrich Seidl en mieux fait, quoi. En fait non : Hamaguchi croit dur comme fer à cette sorte d'ersatz de méthode Montessori adaptée aux vieux, et on frémit. Sucré jusqu'à la nausée, les deux dernières heures du film, enfermées dans l'institution, montrent une succession de vignettes sur la bienveillance, un exemple de vision new-age complètement à côté de ses pompes. Entre les séquences (bienveillantes) de massage de pieds et celles (bienveillantes) de présentation du personnel soignant, on est submergé par cet humanisme forcé, par cet appel du pied au bulldozer à la compassion du spectateur, par cette vison catho de l'amour de l'autre. Je n'y ai vu que déshumanisation, égocentrisme de la part des gérants du centre et fausses grimaces. Je n'enfermerai pas mon père dans un Ehpad tenu par Effira, j'aime autant vous le dire.

Pourtant il y a de belles choses dans Soudain, je ne dis pas : la rencontre en forme de coup de foudre entre la Française et la Japonaise, une amitié immédiate qui est crédible, à laquelle on a même envie de croire tant elle est juste et forte. Les errances dans Paris des deux femmes, qui deviennent inséparables en quelques heures, sont filmées sur un beau rythme alangui, attentif aux paysages, au temps qui passe. Le film se serait arrêté à ça, j'aurais adoré : filmer le fameux "parce que c'était [elle], parce que c'était moi"  de Montaigne et La Boétie, filmer l'amitié comme l'amour... Mais tel n'est malheureusement pas le propos principal d'Hamaguchi : il se replie bien vite sur son fameux centre expérimental, et tente de justifier son approche par de longues scènes théoriques peu intéressantes, dans lesquelles Effira est d'ailleurs assez mal à l'aise  : quand elle s'exprime en français, langue visiblement incompréhensible à Hamaguchi, elle récite, et ses monologues sont trop plats, trop écrits pour pouvoir être dits avec naturel. Sa camarade japonaise est bien plus convaincante. De plus, comble du comble, Hamaguchi fait de grosses erreurs de cadrage : on peut voir par exemple sur la fin Effira faire un monologue qui se veut décisif sur le fond de sa méthode, scène qui se veut émouvante et belle... mais qui est gâchée par un cadrage catastrophique de l'actrice devant une porte à hublots qui l'affuble de deux magnifiques oreilles de Mickey, et ce pendant 10 minutes. Ce n'est qu'un exemple parmi moult plans qui gênent l’œil, quand ce n'est pas l'oreille qui déguste avec cette post-synchro un peu amateure lors de la fameuse longue promenade à Paris. Enfin la vision du capitalisme selon Hamaguchi fait presque aussi froid dans le dos que sa vision de la bienveillance : une sorte d'injonction à accepter le régime capitaliste, Marx a dû se retourner dans sa tombe. Bref, trop de sucre, une mauvaise maîtrise formelle due sûrement au choc des cultures, une actrice principale pas toujours au taquet, une ambiance qui peut évoquer les meilleurs manuels de développement personnel : pas d’osmose cette fois-ci avec mon éminent camarade.  (Gols - 09/09/26)

 

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9 septembre 2026

SERIE : 24 Heures chrono (24) de Joel Surnow et Robert Cochran - saison 2 - 2002

Pas de répit pour Jack Bauer : alors qu'il se remet péniblement des péripéties de la saison 1 (il est à moitié clochardisé et porte la barbe, c'est dire), le voilà rappelé en urgence par la CTU. Il y a une bombe nucléaire à Los Angeles qui devrait exploser dans les heures qui viennent, autant vous dire qu'on a besoin de notre agent spécial de toute urgence. Au début, il fait bien un peu la gueule, mais très vite, il reprend goût à l’action et aux tip-tip-tip du générique, et le voilà reparti pour une journée proprement infernale sur les traces de la fameuse bombe ; bombe qui ne constitue finalement pas la pire épreuve de la journée : il lui faudra aussi endurer les conneries de sa fille qui s'est mis en tête de sauver une fillette dont elle a la garde, les complexités d'une hiérarchie qui ne supporte pas ses méthodes, la rivalité amoureuse ou professionnelle des agents de la CTU, les décisions inflexibles du président Palmer qui se heurte à son équipe, la félonie de Sherry Palmer, le retour de l'immonde ennemie de la première saison, une torture en bonne et due forme, la menace d'une troisième guerre mondiale, les tergiversations sentimentales d'une femme qui découvre que sa sœur est une salafiste, des flics trop zélés, des fuites d'information incontrôlables, un crash d'avion, moult fusillades et tout un tas d'événements insoutenables qui ont la fâcheuse tendance à tomber systématiquement 3 secondes avant le générique de fin. Bref, une journée normale dans le vie de ce super-héros urbain et taiseux, sympathique comme une porte de pénitencier mais compétent en diable, capable de désobéir à ses supérieurs, de piloter un avion pour courir au suicide ou de subir la mort et de se relever 3 minutes plus tard frais comme une rose. 

Rien à dire : la série continue sur sa lancée, hyper spectaculaire et tendue. On ne prend pas une seule seconde pour réfléchir, on est entrainé dans un mouvement irrésistible avec toujours le même plaisir. Cette deuxième saison recopie exactement le schéma du succès de la première, et on accepte d'en reprendre pour un tour sans aucun problème. Elle fait rentrer quelques nouveaux personnages pas piqués des hannetons (la série est dispendieuse en acteurs, il y a 40 cadavres par épisode), côté femmes surtout : la rivalité entre la valeureuse Michelle Dessler et sa félonne collègue marque des points pour tout amateur de catch féminin, et le duel entre la blonde et intègre Kate et sa sœur terroriste (qui fait super bien le regard en-dessous qui fout les miquettes) promet bien des émotions aussi. Les méchants sont parfaits et d'autant plus attachants qu'ils ne durent en général qu'un épisode ou deux avant d'être remplacés par encore plus méchant qu'eux. C'est aussi crédible que Ruffin président, mais on s'en fout : tout est question d'atmosphère. Celle-ci est bien morbide et catastrophiste, on sent clairement l'influence du 11 septembre dans  l'aspect très noir de la série : politiques, agents fédéraux et flics sont tous plus ou moins corrompus ou mus par des mobiles bien peu nobles, le terrorisme est partout et peut tomber à tout moment, le monde est au bord du chaos, des monstres se cachent derrière le masque de vos voisins, et si on est encore vivants, c'est in extremis. La matrice des séries paranoïaques du XXIème siècle.  

 

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8 septembre 2026

Sasameyuki (1959) de Kōji Shima

Il est où, hein, le yuki ? Traduction littérale du titre ? Ne commencez pas à déconner, c'est déjà assez compliqué comme cela par rapport aux différentes adaptations ciné des Sœurs Makioka de Tanizaki. Il y eut donc la version de Yutaka Abe en 1950, puis celle, donc, en 1959, de Kôji Shima (auteur prolifique mais qui ne fait son entrée que maintenant en nos colonnes) et enfin (je sais bien que je simplifie mais sinon on en a pour la nuit) celle de Kon Ishikawa en 1983 que je n'avais d'ailleurs que moyennement apprécié. D'ailleurs avant même d'aller plus loin, avouons que je n'ai guère été beaucoup plus transporté par cette version certes plus courte, plus concentrée mais qui n'est pas non plus parvenu à particulièrement m'émouvoir... L'histoire, sans trop tomber dans les redites par rapport à Ishikawa, se concentre une nouvelle fois sur les deux dernières sœurs non mariées : l'aînée (mariée et partie à Tokyo) et la cadette no 1 (mariée et toujours à Osaka) espèrent bien d'abord mariée la cadette no 2 (qui est veuve) puis (c'est la tradition) Taeko, la benjamine. Cette cadette no 2 (incarnée par la délicieuse Fujiko Yamamoto) est aussi sage et réservée que la benjamine est expansive et collectionneuse : plusieurs hommes (un fils de famille dépensier, un photographe qui lui sauve la vie, un barman) lui tournent en effet autour... mais ne peuvent espérer toucher la pactole tant que la cadette no 2 n'est pas mariée. Cette dernière, à laquelle on présente des responsables d'entreprise cons comme des cadres du MEDEF se gaussant d'une éventuelle augmentation du SMIC (entre le type qui parle tout seul et le mec qui ne pense qu'à sa réputation, une belle brochette de connards en costume), se morfond un peu ; elle prend cependant son mal en patience, espérant que la benjamine n'accumule point trop les écarts et trouve enfin son bonheur ; Taeko a quand même le chic pour mettre le grappin sur des gaziers aussi crédibles qu'un syndicaliste de la CFDT. Quatre sœurs et autant (pour ne pas dire plus) de possibilités d'erreurs de casting masculin... 

Shima est loin de réaliser une purge : les discussions entre les sœurs (en particulier les trois dernières) sont pleines de vivacité et donnent dès le départ, même, un peu le tournis (toujours cette peur de confondre tout le monde) ; elles ne le sont d'ailleurs pas moins lorsque la benjamine, Taeko, lie langue avec les hommes - on passe en un tour de main de l'euphorie à la dispute, Taeko ayant en plus la capacité de passer des bras de l'un aux bras de l'autre dans l'heure... Elle flashe notamment sur ce photographe pas très sexy (je répète deux fois dans la même semaine un mauvais jeu de mots, la fatigue) juste après que ce dernier l'a sorti d'un très mauvais pas (une tempête s'abat sur Osaka, le fleuve se transforme en une coulée de boue à deux pas du lieu occupé par Taeko, la scène résolument la plus impressionnante du film). Une jeune femme un rien dévergondée mais qui met aussi un peu de piment au milieu des autres sœurs un peu plan-plan. Faut dire également que la cadette no 2 n'a pas de bol, certains de ses rendez-vous en vue d'un mariage arrangé tournant franchement au fiasco comique (ce paimpol qui se parle à voix haute, une sacré courge). C'est malgré tout sur elle que le cinéaste fait souvent tomber les plus belles lumières, en intérieur comme à l'extérieur. Shima livre d'ailleurs à ce propos une photographie de goût, qui frôle certes parfois la chromo, mais qui donne tout de même un vrai charme à cette atmosphère pastel de la fin des fifties. Malgré tout, malgré certains rebondissements inattendus (des hommes qui tombent...), on peine à vraiment pénétrer cette famille, à pleinement compatir avec les états d'âme des unes et des autres : le spectacle est beau, bien mené, mais un peu trop lissé. Honnête version.

 

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8 septembre 2026

L'Inconnue d'Arthur Harari - 2026

Ah j'ai lutté pour aimer ce film, j'ai lutté jusqu'au bout de ses interminables 140 minutes. Mais je dois bien me résoudre à la triste vérité : Harari rate complètement son film, et ne fait que nous donner à voir une purge franchement morbide, moche et ennuyeuse. Etonnant d'ailleurs de comparer l'ambition du cinéaste, qui se croit vraiment très malin, et le peu d'envergure du résultat : c'est ce qu'on est en droit d'appeler de la prétention. A vrai dire, on se demande ce que notre gars a bien pu avoir envie de dire avec cette histoire d'échange de corps. On assiste' à la chose, bon, on suit le déroulé d'une étrange histoire fantastique sans trop de problème, mais on passe son temps à penser : et alors ? qu'est-ce que ça raconte ? Je n'ai pas réussi à me faire une opinion claire ; c'est peut-être parce qu'on sent que le cinéaste non plus n'a pas trop su ce qu'il avait envie de dire. 

Dans un écrin franchement moche (photo, décors et costumes sont à l'unisson pour donner aux plans un aspect grisâtre, blême), on assiste donc à la mésaventure de David Zimmerman, garçon presque autiste, photographe de son état. Un soir de fête, il croise Eva Hilsinger, a une relation sexuelle fulgurante avec elle, et le lendemain... se réveille dans le corps de la jeune femme. Commence alors une longue quête pour tenter de recouvrer son identité, son corps, qui le fera passer par mille tourments, dont le moindre ne sera pas de faire l'amour avec son ancien moi, dans un vertigineux jeu d'inversion du masculin/féminin, ou de tomber enceinte et de devenir de ce fait à la fois le père et la mère de cet enfant. Ces deux passages sont les seules réussites du film : on sent là le trouble que Harari a de toute évidence cherché pour la globalité de  son film, une sorte de mélange si sophistiqué des identités sexuelles qu'elles en finissent par devenir accessoires. Comme Ducournau (avec Titane) ou Cronenberg (avec Crash), L'Inconnue cherche peut-être à créer une sexualité 2.0, qui ne serait plus sexuelle justement mais identitaire, un juste milieu entre les deux sexes. C'est vers ça que sont dirigés les deux acteurs : Léa Seydoux, la seule qui semble bosser là-dedans, est enlaidie, voutée, fringuée comme l'as de pique, complètement dé-glamourisée, pour mieux marquer sa masculinité ; Niels Schneider, très mauvais, travaille sur sa fragilité, sa finesse, pour mieux exprimer sa féminité. Bon, c'est un peu binaire comme travail, et on se dit que si c'est pour seulement raconter ça, c'était pas la peine.

Mais le film continue à s'enfoncer dans une sorte de dépression chronique, molle, grisoune. Le rythme trop lent, le jeu geignard des comédiens, les scènes répétitives où tout le monde pleure avec un bel essor, l'accumulation des scènes errantes, sans rythme, sans sèvre, sans muscle, tout ça vous file un sacré cafard, alors que rien ne le justifie dans le scénario. Mille fois trop long, le film se perd dans des scènes inutiles (la rencontre avec la schizophrène qui pense être atteinte de la même malédiction que David, ou avec son frère potentiellement pervers ; la lourde symbolique des photos censées représenter et remplacer d'autres photos plus anciennes ; une scène où Seydoux fait la comédienne dans un court-métrage...), et rallonge à l'excès celles qui sont utiles. Les acteurs, qui passent leur temps à pleurer ou à dormir, sont dirigés vers un jeu atone ; mollasson, les décors, d'une tristesse absolue, sont filmés comme un film de la RDA des années 70 ; et l'histoire se perd dans des événements qui ne nous intéressent plus tellement depuis la première demi-heure. On termine la chose dans un état proche de la neurasthénie, persuadé qu'on est passé à côté du truc... tout comme Harari.

 

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8 septembre 2026

Memory of Princess Mumbi (2025) de Damien Hauser

Voilà une œuvre qui nous vient tout droit du Kenya, résolument foutraque mais assez rafraichissante dans le concept. Suite à la disparition de la Princess Mumbi en cette toute fin du XXIème siècle (un film de science fiction africain il y en a environ un tous les deux cents ans), un ami, un amant, un mari, un acteur, un cinéaste (c'est le même homme qui a occupé ces cinq rôles) décide de retracer sa vie ; usant de moult effets générés (ou soi-disant générés) par l'IA, notre homme qui possède nombre de documents vidéo sur ladite princesse retrace la vie d'icelle : il part de sa rencontre avec la toute jeune femme, lorsqu'avec l'un de ses potes apprenti réalisateur il organisait des castings, pour achever, forcément, par sa mort précoce (alors même qu'elle était mariée avec un Prince gouvernant une bonne moitié de l'Afrique) ; il reprend tous les épisodes de sa vie romanesque, toutes les mésaventures qu'il partagea avec la donzelle (le flirt, le mariage, la fuite, la parenthèse européenne, les tournages de film, la séparation, les retrouvailles), les fous rires comme les moments déprimants. Un film haut en couleur qui, dans des décors des plus extravagants (des constructions du futur qui feraient penser à plusieurs maisons d'un dessin-animé de Miyazaki mises les unes sur les autres), tente de rallumer la flamme de cette histoire d'amour avortée...

Au rayon, disons-le, des satisfactions, il y a, au-delà de ce barnum de fonds d'écran plus ou moins délirant, pour ne pas dire grandiloquent, qui sert de décor à l'histoire, une volonté de revenir à la base (pour tout fan de la Nouvelle Vague, pour le moins...) : filmer une histoire d'amour, des premiers balbutiements maladroits au malaise de la discorde. On sent que le cinéaste, dès qu'il a son héroïne dans le cadre, frétille, et qu'il se fait un devoir de faire tourner le film autour d'elle, ses gestes, ses attitudes, ses réflexions... C'est cadré par un manchot (il tient la caméra avec son pied gauche, non ?), ça part dans tous les sens, ça donne un peu le mal de mer, mais cela traduit également la volonté de ne pas trop se prendre au sérieux, de jouer volontiers aux amateurs. De même, si on cite l'IA à tout va, si on ne cesse de s'en servir pour triturer ces images, c'est comme pour mieux démontrer que l'essentiel est et restera ailleurs : qu'importe l'écrin, ce n'est jamais que la vitalité, l'énergie de cette femme disparue que l'on veut exposer ici, sur lequel on veut insister. On ne peut guère aller plus loin pour défendre l'originalité et le petit vent d'ingénuité du truc... Voilà. Car oui, bon, ça reste quand même terriblement foutraque, plein de trous d'air, c'est joué avec une maladresse terrible (même quand ils font semblant de "mal jouer", on ne voit pas trop la différence... oups), c'est d'une innocence qui flirte plus souvent à son tour avec le mièvre. Bref, c'est un peu court en bouche et on est bien loin d'aller jusqu'au bout du souffle. Mais bon, ça sort du lot des pensums cinématographiques qui vous donnent envie de vous suicider en mangeant la pellicule, ça nous vient d'un continent qui ne se fait que trop rarement une place sur grand écran, c'est résolument vivifiant. Déjà pas mal.

 

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8 septembre 2026

LIVRE : Retour au Goudron - Dernière livraison d'Infernus Iohannes (alias Antoine Volodine) - 2026

Vaste projet dont j'avoue que je n'ai pas bien compris les tenants et aboutissants que celui de Infernus Iohannes, collectif ou pseudonyme de Volodine : grouper tout un tas de textes aussi différents dans le style que dans le fond, afin de constituer une "œuvre" constituée de "brochures bardiques"... Mmmm, m'est avis que le dealer de Volodine doit rouler en Porsche. Je vous propose donc d'aborder ce grand œuvre avec les yeux du candide innocent sans vous renseigner outre mesure sur les motivations de ce mystérieux collectif : parmi les 11 livres (!) qui sortent signés par lui en cette rentrée, arrêtons-nous donc sur celui qui nous a le plus attiré l’œil par son titre et sa couverture : Retour au Goudron - Dernière livraison aux éditions La Marelle. On découvre d'ailleurs que c'est le dernier livre de la longue série, mais baste : candide innocent, on a dit.

 

A l'image du projet global, ce livre échappe en grande partie à la compréhension, mais n'en est pas moins doté d'une étrangeté assez marquante. On a là 7 bribes de livres, a priori indépendants les uns des autres, mais reliés par ce qu'ils racontent : d'abord une couverture au titre thiéfainesque ; puis un conte légèrement zen, qui nous narre l'errance d'un voyageur et de sa compagne dans les limbes : sont-ils morts ou vivants ? trouveront-ils le but de leur voyage ? qui sont ces étranges créatures qu'ils croisent sur leur route (un représentant en projecteur de cinéma, un être tricéphale, un dangereux assassin ) ? Que signifie réellement leur quête, eux qui sont à la recherche d'un pays soviétique qui semble inaccessible ? On continue ensuite avec une série de photos "urbex" montrant un lieu déserté par les humains, qu'on dirait envahi par une sorte de jungle urbaine (on apprend en quatrième qu'il s'agit du port de Macao abandonné). Ensuite une série de rêves décrit dans leur plus simple appareil ; enfin, une liste fantaisiste et assez drôle des autres œuvres des auteurs. La perte, l'effacement, l'oubli, la disparition sont les thèmes qui semblent irradier ces parties disparates : que ce soient les deux voyageurs qui, à force d'errer sans jamais trouver de repos finissent par fusionner et ne faire qu'un, abandonnant leur humanité pour devenir une chose abstraite à l'orée de la mort ; ou ces photos évoquant des paysages abandonnés par l'homme qui les a conçus ; ou ces rêves, d'où le narrateur s'extrait pour les décrire, à la fois dedans et dehors ; ou encore dans la délégation de ces écrits à d'autres auteurs, inventés, l'écrivain semble se soustraire de ce qu'il écrit, comme s'il était déjà absent de son livre. Il convient d'aborder cet objet bizarre comme on aborde un recueil de poésie, une installation au musée ou une expérimentation artistique : on hausse les sourcils plus souvent qu'à notre tour, mais on avoue aussi que la chose est tellement autre qu'elle a son charme, et que ça fait du bien d'être trimballé sur des routes qu'on n'a pas l'habitude d'emprunter. On passe de l'ennui à l'émerveillement, c'est le risque avec ce genre de bidule expérimental, mais l'émerveillement prend le dessus. On se laisse porter par la singularité de cette écriture, par le hiatus qu'elle forme avec les images, par l'indéfinissable que le texte trimballe : un puissant parfum de fin, de mort, de perte, sans que ça ne rende jamais les choses morbides ou tristes. Je ne lirai peut-être pas les 10 autres, mais j'y reviendrai, sans aucun doute...

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Tags: Infernus Iohannes,  Volodine

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7 septembre 2026

LIVRE : La Couronne verte (Feathered) de Laura Kasischke - 2008

1089573_gfAprès l'essai quelque peu hésitant de A moi pour toujours, qui pointait les limites du style un peu estudiantin de Kasischke, la belle revient à ce qu'elle sait faire de mieux : la description du passage de l'âge adolescent à l'âge adulte à travers la sauvagerie et la violence. C'était la grande force de Rêves de garçons, c'est à nouveau celle de La Couronne verte. Relevons tout de suite la réserve que je sens poindre sur vos lèvres : oui, c'est un peu une redite, et, oui, c'est un peu moins bien. Rêves de garçons gérait avec maîtrise la balance entre effroi et littérature pour jeune fille, celui-ci s'y enfonce parfois avec trop de transparence, et perd en subtilité. Ceci dit, on passe encore un moment haletant avec ce roman-là. Ca raconte une petite virée de trois bachelières au Mexique, avec au menu garçons bronzés, tequilas à gogo, bronzage intensif et nuits blanches loin de maman ; sauf que, justement, elles auraient dû mieux écouter maman : l'escapade va vite virer au cauchemar, les hommes étant ce qu'ils sont, et les jeunes filles servant plus souvent qu'à leur tour de victimes sacrificielles de ceux-ci.

 

C'est pas nouveau : Kasischke sait merveilleusement faire entrer la terreur dans ses trames rose bonbon. Le décor du Mexique est ici idéal pour faire se côtoyer la fiesta et la jungle impénétrable, la sauvagerie animale et l'hystérie de la jeunesse, le goût du sacrifice rituel hérité des Mayas et celui induit par la marchandisation contemporaine des corps. Doucement, les motifs morbides, terrifiants, imprègnent cette histoire a priori innocente, et la tension monte de façon très tenue par l'auteur, décidément bien sadique avec son lecteur et ses personnages. Le plus troublant, c'est que ce n'est pas vraiment l'évènement principal qui est l'axe de la trame (un viol, une disparition), mais plutôt tout ce qui le précède, tout ce qui l'annonce : une visite de temple où sensualité érotique et attirance vers la mort vont de paire, une ballade dans une partouze superbement glauque, des micro-détails de personnages qui créent immédiatement la peur. Kasischke gère ça en magicienne, jamais trop (quoique, allez, parfois, une cuillère), jamais trop peu. Un cri d'animal, une ombre sur un vélo, un simple mot qui fuse dans la nuit (ce "non" prononcé par la victime future, je vous jure qu'on l'entend) sont plus impressionnants que l'acte lui-même. Toujours juste psychologiquement, toujours tourmentée, toujours au bon endroit (cette jonglerie artificielle entre les deux personnages principaux donne pourtant une merveilleuse et complexe construction, entre première et troisième personne), Kasischke nous offre une autre variation sur le Mal, et n'a aucun mal à nous tenir par les cojones. Respect. (Gols 18/11/10)

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"Soudain, elle comprit ce qu'elles avaient cherché : quelque chose qui se charge de leur âme, une raison d'être en vie et, au bout du compte, une cause pour laquelle il vaille la peine de mourir."

 

Histoire de me remettre dans le bain des œuvres de Kasischke (got it ?), je décidai au préalable de me pencher sur cet ancien ouvrage de ladite auteure qui bénéficie d'une nouvelle traduction. Mon binôme a dit l'essentiel sur cette ambiance à la fois très lumineuse, pleine de promesses et d'aventures exaltantes, et ces menaces, ces ombres, qui planent constamment sur notre trio de jeunes filles, trio réduit rapidement à un duo (l'une des filles préférant rester sagement à l'hôtel pour se torpiller la tête et "ne pas tenter le diable" comme disait ma grand-mère). Se baigner, picoler, draguer, n'est-ce pas un peu court quand on a dix-huit ans et des envies de liberté totale ? Suite à la rencontre d'une type entre deux âges, une sorte d'aventurier en son genre versé dans la culture locale, deux de nos jeunes filles décident d'aller en sa compagnie visiter l'une des pyramides phares de la région... Michelle voit rapidement en cet homme aux yeux bleus le succédané d'un père protecteur ; Anne perçoit rapidement en cet homme un peu trop obséquieux pour être honnête un danger potentiel ; sur le site de la pyramide, elles rencontrent trois jeunes gens qui viennent de leur Illinois natale, trois jeunes gens qui aimeraient bien les embarquer dans un délire plus festif... D'où viendra véritablement le danger, tout le suspense est là... Nos deux jeunes filles, avant de partir, durent se taper nombre de mises en garde de leurs parents sur les danger de ce genre de voyage en terre inconnue, en présence d'inconnus... Seulement voilà, comment vivre cette première émancipation véritable sans se méfier outre-mesure de tout (ce qui reviendrait à ne jamais vraiment vivre sa propre vie... un peu finalement comme leurs parents respectifs ?)... On sent que situation périlleuse il y aura sans que l'on sache, tout comme nos deux jeunes filles d'ailleurs, d'où viendra exactement le blême... De cet ersatz d'aventurier, de ces trois jeunes gens en maraude, de la faune locale ? L'adolescence, ère des doutes, des suspicions, des expérimentations, des conneries, des envies, des coups de cœur, de la confiance vite trahie, ce sont tous ces thèmes qui passionnent ici, thèmes que brasse assez subtilement Kasischke "en amont" de la chute. Une plongée dans un monde illusoire, superficielle (Cancun, l’échappatoire fêtard des Américains) qui vire au cauchemar... Reste à savoir si les rêves, les miracles, les illusions justement, sont malgré tout encore possibles chez Kasischke... A vous d'en faire l'expérience... Palpitant, comme un petit cœur d'ado. (Shang 07/09/26)

 

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Tags: Kasischke

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6 septembre 2026

LIVRE : Choses que je croyais perdues de Clémentine Mélois - 2026

J'ai toujours eu plus d'affinités avec les objets qu'avec les êtres humains. J'exagère à peine, je les trouve souvent plus touchants, plus fidèles. Une des scènes d'ailleurs qui m'arrachera toujours le cœur (littéralement, et avec des ongles sales comme ceux d'Indiana Jones et le Temple maudit), c'est celle de ce film de WKW où le héros s'inquiète pour son savon qui a tant maigri. Rien que de penser à un tube de dentifrice en fin de vie qui se tord de douleur dans un poubelle, j'en ai parfois la larme à l’œil. Je suis sensible. Différemment oui. Mais sensible. Bref, si je parle de cela, des objets, de la valeur affective qu'ils peuvent véhiculer, c'est qu'ils sont un peu le point de départ de ce livre : notre héroïne a été lourdée, elle déménage, et se retrouve forcément confrontée à toutes ces petites preuves matérielles du passé : d'une verre à moutarde collector à des habits à fanfreluches ignobles, tout est susceptible de faire remonter un souvenir plus ou moins étincelant, plus ou moins pathétique, et de provoquer, forcément, dans les deux cas d'ailleurs, une réaction nostalgique à la con... Clémentine Mélois use de ce procédé qui n'est pas forcément très nouveau en soi ("je me souviens" et tout le toutim), mais elle le fait (et c'est déjà plus rare) avec un humour qui fait bien souvent mouche : qu'elle se lance soudainement dans des digressions historiques qui semblent au départ ne pas avoir forcément un grand rapport avec sa propre vie, dans le récit détaillé de grands moments de solitude (la première visite chez les beaux-parents - et toutes celles qui suivent), dans des comparaisons saugrenues, etc, elle le fait toujours avec une certaine mise à distance et une ironie du meilleur goût. Rapidement, bien sûr, elle passe des objets à l'objet de sa misère, de son courroux, cette histoire d'amour avortée, en repassant le film de la rencontre (merveilleuse, forcément), de la suite (ces silences pesants lorsqu'on se balade avec un être aimé des plus taiseux, non mais franchement pesants, mais dis quelque chose putain !), ou encore de cette fin médiocre (quand il suffit d'un simple "écart" pour faire écrouler tout le château de cartes affectif...). Mélois, sans avoir l'air d'y toucher, sans forcer son talent, nous conte cette mascarade amoureuse (la sienne ou celle de toute histoire achevée ?) avec un petit ton caustique absolument croquignolet. Femmes des années 80, femmes... merde où je m'embarque ? Euh. O femme, il est si bon de rire en ta compagnie ! Mon Goncourt émoticône sourire 😁. 

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Tags: Mélois

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6 septembre 2026

Highlander (1986) de Russell Mulcahy

Attention les mirettes, attention les esgourdes, là on est dans du lourd, dans le genre de film des années 80 qui a rendu daltonien toute une génération. Oui Highlander est culte (oups) ne serait-ce que grâce à la présence, de l'indestructible, du ténébreux, du demi-dieu Christophe Lambert (ouh là), capable à cette époque d'aller de liane en liane sans ciller, de manier l'épée comme d'Artagnan, de passer à travers tout obstacle sans une égratignure (c'est sûr qu'il a connu depuis une certain décadence, se blessant récemment, pardon ayant un malaise lors d'une simple dédicace (que pouvait-il d'ailleurs dédicacer ? le mystère reste entier)). Quand certains mettent tout leur jeu dans la mâchoire (Gilles Lellouche dans Moulin, un régal de bande-annonce), d'autres mettaient tout dans leur regard : Lambert et son regard de myope, perdu, flou... sa meilleure arme avec son rire de guignol qu'il nous ressortait alors à chaque scène, ne perdez pas de temps avec le cours Florent... Non mais sérieux, sinon ? Je ne vous cacherai pas, mes amis, que le film, a vieilli : ces ralentis multiples, ces filtres violets en fin de journée, ces travelling-avant effectués à toute blinde sur des rails savamment graissés à l'huile d'olive, ces explosions inutiles de tout le décor à chaque mort décapité, ces bruitages sonores à deux boules, ces fonds musicaux typiquement eighties ignobles (on sauvera, of course, la musique de Queen, on ne touche pas à Freddie Mercury et à Zanzibar, merci !), ce serait juste pathétique si cela n'était pas en même temps un peu drôle. Mais oui, mais oui, on savait qu'on se repenchant sur ce "trésor" des eighties, on grincerait des dents plus souvent que les gonds de la porte de la cave. On avait bien sûr conscience qu'on allait se poiler avec une légère pointe de moquerie acerbe tout du long... Mais voilà, le film, en son temps, eut aussi ses adeptes, ses fans féroces, et même sa série... Ça mérite un peu de respect, non ? Que peut-on encore sauver ? Ces bien belles images d’Écosse et de châteaux en ruines ? La présence truculente de Sean Connery seul acteur possédant un minimum de bagages de comédien par rapport l'ensemble du casting ? Les efforts fournis par le décorateur et les accessoiristes dans le loft un poil m'as-tu-vu de Lambert décoré avec dix mille reliques ? Je sais bien, c'est maigre, c'est futile, mais on ne va pas non plus passer douze strophes à tirer sur l'ambulance, à souligner le grotesque de la chose, plus remplie de testostérones que les testicules d'un sanglier des Ardennes (et que dire à propos de ces petites remarques misogynes ? : "vous savez cuisiner ?", demande-t-il ; "pourquoi ?", répond-elle ingénument ; "on pourrait dîner ensemble", suggère-t-il - du nanan !) . Il ne peut en rester qu'un. Bon, ben même parmi les films "cultes et à la con" des années 80, ce ne sera pas celui-là. High high high.

 

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5 septembre 2026

Le Pornographe (Jinruigaku nyumon: Erogotshi yori) (1966) de Shohei Imamura

3

En terme de sexualité, on ne peut pas dire qu'Imamura s'embarrasse vraiment de quelconques tabous : il y a dans Le Pornographe au moins 342 idées qui seraient censurées dans un film américain de nos jours ; bon certes il pousse le bouchon un peu loin et il y a de quoi faire perdre le sommeil à tout bon vieux puritain.

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Subu vit chez une veuve que surveille d’un œil hagard une carpe qui serait la réincarnation de son feu-mari (rien que ça déjà, c’est bon, d’autant que plusieurs scènes sont filmés de son point de vue – quand la carpe s’oppose à un truc, elle saute de son bocal) ; son beau-fils Koichi souffre d’un petit problème Oedipien, venant de temps en temps rejoindre sa mère au lit - à 20 ans ça déconne ; sa belle-fille, elle, n’a que 15 ans mais c’est justement là où le bât blesse parce que notre ami pornographe se laisse entraîner avec elle sur une pente très savonneuse. Bon. Et pourtant Dieu sait que Subu ne pense pas à mal : il considère ces différents petits trafics pornographiques (il est dans tout : des films sur commande, des aphrodisiaques, des enregistrements, des photos, la totale) comme des bouées de sauvetage pour tous les pauvres quadra et quinqua en manque ; c’est vrai que le fait de tourner un film porno avec une jeune fille de 15 ans, mentalement retardée, avec dans le rôle du héros-violeur son vrai père, je comprends que cela fasse grincer des dents – mais Imamura traite son sujet avec un tel humour ultra-caustique qu’il parvient à faire passer la pilule (oui je sais c’est po moral, bonnes âmes). Tout comme cet homme qui lui commande une vierge car il en a marre depuis 40 ans d’être toujours le second – j’imagine bien un remake avec Poulidor.

5

Le fait que le film soit en fait, dès le départ, la projection d’un film rend le spectateur à la fois complice du voyeurisme du pornographe mais aussi doublement spectateur-voyeur de ce « spectacle ». Chez Subu la perversion n’a que de peu de limite : son projet final, qu’il décide dans un éclat, est de fabriquer une femme robot, un projet qui va l’emmener aux confins du délire… Si le film a tendance à perdre beaucoup de son rythme dans la dernière demi-heure, on assiste malgré tout avant cela (en 66 qui plus est), à un véritable pavé dans la mare japonaise.  (Shang - 10/11/07)

 

______________________________

 

Ah oui, il dépote, le brave Shohei, dans ce film qui ne s'interdit rien pour pointer les pathétiques désirs masculins, et pointer surtout leur impuissance à les satisfaire. Le désir pour les femmes et la descente vers la perversion, le tabou, l'interdit, semblent épouser la montée économique du pays. Tous les rapports au féminin sont asservis à l'argent, au commerce : qu'est-ce que je peux acheter avec telle somme, combien coûte tel acte, cette femme acceptera-t-elle mes perversions si je lui fais des cadeaux ? La femme est devenue une marchandise comme une autre, au service d'hommes frustrés qui continuent à fantasmer sur elle. Autant dire que le tableau de la société nippone confectionné ici par Imamura fait froid dans le dos. Pour l’illustrer, il fabrique une symphonie de plans éloignés, souvent filmés à travers une petite ouverture qui occulte presque tout l'écran, ou à travers l'eau d'un aquarium ou la vitre d'un bar. Il faut voir comment il montre en un seul plan l'asservissement de la femme aux hommes : d'abord une femme derrière une vitre dans un lieu public, puis une horde d'hommes qui l'encerclent de plus en plus avant de la faire disparaître complètement. Des loups. Ces plans larges alternent avec des plans très rapprochés, où les visages des hommes sont souvent monstrueux, réduits à leur rapacité, à leurs obsession. Le pire est que tout ça est loin d'être horrible : Imamura charge tout d'un humour complètement saugrenu, d'un rythme parfois proche d'un bon vieux splastick. Le Pornographe n'est pas un film qui s'apitoie, c'est un film qui montre, crûment, et montre comme si ce qu'on voyait était normal, convenu, admis, dans une société moderne complètement vérolée. Le ton juste est trouvé pour parler de la "démocratie" brandie à chaque nouvelle perversion pour la justifier. Politique et punk, drôle et dérangeant, libéré et amer, voilà à mon avis le film idéal pour avoir une idée du Japon interlope des années 60.  (Gols - 05/09/26)

 

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5 septembre 2026

Le Fauteuil hanté de Claude Chabrol - 2009

Crimes sordides à l'Académie Française : un fauteuil laissé vacant par un glorieux Immortel décédé, les candidats se précipitent pour rentrer dans la noble institution. Mais le jour de leur intronisation, ils meurent subitement de façon étrange et soudaine. Le fameux fauteuil gagne vite la réputation d'être hanté. Un petit notable sans envergure décide de narguer la malédiction, de mener l'enquête, de défaire l'assassin et de se hisser jusqu'à la place convoitée. Chabrol est comme un poisson dans l'eau, bien sûr : en filmant ces vieillards prétentieux et érudits, ringards et ridicules, il est dans ce qu'il maîtrise le mieux, ironiser sur les petites vanités de nos amis les nantis. Il s'en donne à cœur joie et trousse, adaptant un feuilleton de Gaston Leroux, un scénario rocambolesque et improbable, mais qui lui permet de tranquillement se livrer à un jeu de massacre de nos chères institutions sacrées. L'énergie n'y est plus vraiment, on sent Chabrol diminué et en fin de vie, mais l'esprit y est indéniablement. Le film a quelque chose de crépusculaire d'ailleurs : il s'entoure de comédiens tous cacochymes (Duchaussoy, Vernier, Lonsdale, Bertin, Laudenbach, toutes ces figures connues et aimées du cinéma des années 70-80) et déroule pépère son film, sans en faire trop, sans précipitation, dans une atmosphère parfois à deux doigts du fantastique. Demeure mystérieuse gardée par des chiens de l'enfer, mystérieux homme à tout faire creusant des tombes dans le parc, demeures vides, laboratoires secrets plein d'éprouvettes fumantes, modus operandi des crimes s’approchant du surnaturel, on n'est pas dans le réalisme le plus pur. On sent que tout ça n'est pas très sérieux, et s'apparente plus à des retrouvailles entre vieux potes qu'à une œuvre désireuse de rester dans les mémoires. Et dans ce sens, c'est réussi : les acteurs, délicieux, s'amusent beaucoup à jouer des situations idiotes, Chabrol rigole aussi de pouvoir une dernière fois se payer la tête des notables, tout le monde fait le job dans la joie. Ce qui fait que Le Fauteuil hanté est assez plaisant, finalement, assumant totalement son côté mineur, mais constituant somme toute un dernier tour de piste chabrolien, avec tous ses motifs défilant pour la parade.

Fébriles de Chabrol : l'intégrale

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4 septembre 2026

Romería (2025) de Carla Simón

Oui, il y a quelque chose qui n'est jamais déplaisant dans les films de Carla Simón, une certaine fraîcheur, une certaine capacité à faire vivre ses personnages, à illustrer les liens qui les unissent. Mais reconnaissons qu'on peine aussi également un peu à vraiment plonger totalement dans la chose : on suit les aventures de Marina avec une certaine compassion envers elle, mais on s'en détache avec la même facilité sitôt le générique tombé... Il est donc ici question d'une situation qui serait en bonne partie autobiographique pour l'auteure du film : Marina, à la recherche d'une bourse universitaire, doit prouver qui fut son vrai père... Ses parents étant morts jeunes, elle fut recueillie dans une famille d'adoption ; mais vingt ans plus tard, là voilà qui débarque dans sa famille "de sang" pour faire valider un papier administratif... Seulement voilà, comme on le comprend assez vite, son père, accroc à l'héro, étant mort du SIDA, les grands-parents paternels ont adopté une certaine politique de l'autruche : ils ne veulent pas revenir sur le décès du fils et reconnaître officiellement cette fille - comme s'ils pouvaient ainsi définitivement enterrer le passé...

Marina débarque donc dans cette "nouvelle famille", faisant la connaissant de cousins et d'oncles plus ou moins amicaux ; le cadre galicien est magnifique, les sorties en bateau plaisantes, certains cousins ou oncles plutôt accueillants, seulement voilà, il va vite falloir se taper les grands-parents, deux vieux cons sectaires qui préfèrent filer un paquet de pognon sous enveloppe à la nouvelle venue plutôt que de reconnaître ce passé "compromettant" à leurs yeux, honteux... La chtite laisse dire, laisse faire, mais ne veut pas non plus repartir sans ce papier ; elle se plonge dans le journal de sa mère de ces années-là, fait des découvertes : ce passé, l'existence et la mort de ses parents - et de son père en particulier -, doivent absolument être enfin "exhumés" et assumés par ces deux vieux cons : c'est sa mission. Au rayon des choses guère captivantes, on pourrait noter que le portrait de ces grands-parents est fait sans guère de nuances, tout comme celui de ces cousins et oncles, parfois souriants, souvent un peu lâches mais finalement surtout un peu inconsistants. Le film prend enfin son envol lorsque Marina se "hisse" à la hauteur de ce passé et rejoue les scènes un peu folles, telles que les ont vécues ses parents : entre aventureuses escapades en mer, amour sauvage et pur, rencontres amicales d'une vie et brûlage d'ailes au contact de la drogue. Marina renoue avec son passé et tente d'y puiser une force nouvelle. C'est un peu attendu, peu de scènes sont franchement captivantes et les dialogues un peu plats... Mais la Marina-Carla, caméra dv à la main, se refait le film de ce passé et y trouve une évidente force d'inspiration personnelle, une force - on voit aisément la parabole. Mais au-delà de ça, ça ne dépasse guère le tout venant. Plaisant pour le moins, comme une balade au bord d'une mer une peu fraîche, sans plus.  (Shang - 28/04/26)

 

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D'accord avec mon gars Shang : voilà un film lumineux, réconfortant, très joli, mais qui manque un poil d'envergure et de puissance. Le souci à mon avis, c'est qu'il est partagé entre deux directions, dont l'une est super et l'autre moins. La partie documentaire est en effet très marquante : Carla Simón aime de toute évidence passionnément ce petit coin secret de l'Espagne, et au vu des splendides plans qu'elle en ramène, on ne peut qu'être d'accord avec elle. Elle filme avec sentiments la mer, les grands rochers, les petites ruelles, la population, avec un sens presque rossellinien du cadre. Le film pourrait s’arrête là, dans la simple considération que la vie peut être rendue belle grâce aux paysages. Le voyage entrepris par l'héroïne pour retrouver ses aïeux est avant tout un voyage géographique, et l'altérité de ce qu'elle découvre dans cette minuscule communauté ilienne est tout aussi importante que la familiarité qu'elle recherche dans sa famille éclatée. Contemplatif, lent mais nimbé de lumière et d'amour, Romería regarde par ailleurs ses jeunes acteurs avec la même passion. Si les vieux sont en effet un peu sacrifiés et écrits à la va-vite, les jeunes, tous beaux, amènent une esthétique adolescente au film. Filmer des gens heureux dans un beau paysage : ça peut paraître court, comme projet, mais pourtant c'est là ce que Simón réussit le mieux.

Car, deuxième direction : la trame. Là, c'est beaucoup moins bien. On en a très vite assez de voir Marina cavaler derrière les membres de sa nombreuse famille à la recherche d'on ne sait trop quoi, et Simón y va trop fort de la psychologie binaire. Répétitives, trop longues, souvent à la limite du ringard tant elles sont stéréotypées, les scènes de rencontres avec son clan fatiguent, et font oublier la beauté de la mise en scène. Il faudra ce magnifique moment de décrochage fantastique, où Marina, telle Alice, se faufile physiquement dans le passé par la grâce d'une échelle de corde, pour qu'on sente que les auteurs du scénario ont réellement réfléchi. On voit peu à peu la part d'autobiographie portée par cette histoire, et on termine avec satisfaction ce petit film souvent touchant, très joliment filmé et apaisant comme un rayon de soleil.  (Gols - 04/09/26)

 

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4 septembre 2026

LIVRE : Baignade surveillée (The Lifeguard) de Laura Kasischke - 2026

Alléluia, c'est le retour de la grande Laura Kasischke au roman, et quand on se souvient des émotions qu'avaient su déclencher Rêves de Garçon ou Esprit d'hiver, on ne peut que bloquer sa soirée et son téléphone pour plonger dans ce nouvel opus. The Lifeguard commence comme toujours chez Kasischke : petite banlieue pavillonnaire, petit milieu bourgeois et installé, petite société américaine confite dans son confort, petit milieu familial de pub Ricoré... et puis le grain de sable, la mouche sur la Chantilly : un enfant de 6 ans se noie dans une piscine, sous les yeux de la maître-nageuse et de toute la communauté. Un événement que le roman va scruter sous tous ses angles, avant lui, après lui, plusieurs années après lui, appréhendé par les parents du petit, par la maître-nageuse, par d'autres enfants, depuis plusieurs endroits, de la maison du bambin à la fameuse piscine maléfique, des rues adjacentes jusqu'à... la Maison Blanche, pour tenter de mesurer l'onde de choc que ce drame a sur la vie de tous ces gens, de toute cette communauté. Le point central (la noyade) ne sera enfin abordé qu'à la toute fin, comme si le centre de l'intrigue était déplacé, repoussé : la structure du roman, très habile, suspend en effet cet instant fatal en construisant une sorte de spirale, de zooms-dézooms autour de lui. On ne cesse de s'approcher du cœur du livre et de s'en éloigner, par la numérotation même des chapitres (à l'envers puis à l'endroit, en alternance), par leur structure très mathématique, et aussi par le contexte fort en arrière-plan : cette histoire se déroule en 1969, dans ce moment suspendu entre le décollage de la fusée Apollo 11 et l'alunissage d'Armstrong : le temps s'arrête cet été-là, et c'est magnifiquement rendu par l'écriture de Kasischke, qui nous trousse une série de moments pointillistes comme en suspension dans l'air. On imaginerait bien Sofia Coppola réaliser l'adaptation.

 

C'est un peu un roman-monde qu'on a là. La dame parvient avec éclat à constituer un micro-univers fermé sur lui-même, archétype de ces petits endroits sécurisés, WASP et bien-pensants de l'Amérique des années 60, dont le drame de ce môme noyé va déclencher toute une série de non-dits, de frustrations, de perversions. Son écriture, acérée, fait une nouvelle fois merveille dans ces petites phrases anodines en surface et qui cachent mille travers en profondeur, dans ces situations du quotidien qui possèdent toute en elles une tension impalpable. Contexte et construction forts, donc... mais il n'empêche qu'on ne peut qu'être un poil déçu par la trame elle-même. Kasischke semble avoir perdu son mojo pour trousser des intrigues diaboliques, qui vous prennent dans leurs filets pour ne vous lâcher qu'au bout du livre, sur un dernier twist souvent, exsangue et lessivé. Elle tente bien ici de nous amener vers une résolution à tiroir assez inattendue, mais ça paraît artificiel, sans ampleur, juste là pour la signature. Les personnages, un brin caricaturaux, n'aident pas à rendre tout ça crédible, et là aussi on a l'impression que l'auteure a perdu son sens de la psychologie et sa façon incroyable de tresser du suspense autour d'un comportement, d'un caractère. En gros, on a l'impression que Baignade surveillée est un pastiche de Kasischke ; un pastiche très bien fait, mais un pastiche quand même.

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Tags: Kasischke

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3 septembre 2026

LIVRE : Lady W de Jean-Philippe Blondel - 2026

Internet inspire les écrivains cette année, pour le pire (Horélie) et pour le pire (Lady W.). Blondel revient sur les balbutiements de celui-ci, et notamment sur la naissance hésitante des blogs. En cette année 2005, une mystérieuse femme à l'identité inconnue, qu'on appelle pas encore influenceuse, réunit des dizaines de milliers de lecteurs autour de son journal intime en ligne. Quatre parmi ces lecteurs vont se lancer dans une recherche de l'identité de cette Lady W. qui les a rendus accros : une journaliste radio un peu à la ramasse, un écrivain en mal d'inspiration, une documentaliste et un jeune mec rejeté socialement. Ils ne se connaissent pas au départ, mais les voilà partis pour San Sebastian, où ils ont l'intuition que la dame habite, pour tenter de prouver qu'il s'agit en fait d'une vieille écrivaine un peu oubliée. Aux liens virtuels et peu profonds, à l'écriture de ces blogs éphémères et nombrilistes, Blondel oppose les vrais liens, fragiles peut-être mais plus durables, qui unissent nos quatre personnages, et la vraie littérature, celle qui s'écrit stylo en main. En vrai bon boomer, en vrai professeur prêt à nous taper sur les doigts avec sa règle, il regarde sa petite humanité avec hauteur et moralisme, et trousse un roman daté, ringard, et sans tenue. Très vite en effet, on sent qu'il n'a plus envie de suivre cette trame sans intérêt, oublie l'enjeu principal (retrouver cette blogueuse) et se perd dans des intriguettes très mineures et sans intérêt. Quant à la forme, elle est d'une platitude totale, comme si l'indigence de l'écriture des blogs (de laquelle j'extraie Shangols, modèle de style) avait infusé la sienne : fonctionnelle, échouant complètement à évoquer quoi que ce soit, elle raconte, point. Étonnant pour un auteur tellement en place. Oubliable et déjà oublié.

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Tags: Blondel

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3 septembre 2026

LIVRE : Rouges-Truites de Pierric Bailly - 2026

Alors, la question que tout le monde, ce Rouges-Truites se révèle-t-il succulent à lire ou file-t-il un peu entre les doigts ? Je ferai, grand dieu, une réponse plutôt mitigée, un peu visqueuse si on veut. Car oui, on accroche relativement bien au départ à cette histoire qui met en scène une double fratrie. Bailly plante son décor dans un Vercors plus vrai que nature et on s'intéresse sur-le-champs à ces relations qui se nouent entre jeunes voisins ; d'un côté Delphine et Cédric, une grande sœur qui a vite tendance à prendre un peu trop de haut, à la jouer distante avec celui qui s'avèrera être notre narrateur ; de l'autre Paloma et Léo : si ce dernier fait vite figure de petit loubar qui trempe dans les milieux de la drogue, sa sœur, plus fidèle, plus attachante, se prend d'amitié, pour ne pas dire plus, pour Delphine. Deux jeunes filles qui font leur vie, sous le regard tranquille des parents de Delphine et le regard taiseux du père de Paloma... Elles crapahutent dans les montagnes, s'éclatent ensemble, ne sautent pas à l'élastique ni volent d'amphores, mais on compatit parfaitement avec leur doux délire adolescent ; Léo vit sa vie quand Cédric aimerait tant se joindre... Et puis voilà que le renfermé Pascal se tire une balle dans la tête... Forcément, cela casse des liens, Paloma et Léo disparaissent. Delphine est au bord de gouffre mais plutôt que de sauter directement dedans se rapproche de son frère. Une fratrie de retrouver, une autre de perdu. Mais le mystère du devenir de Paloma et Léo ne restera pas jusqu'au bout entier...

 

Après une entrée en matière assez sobre, qui laisse une belle place aux sentiments comme à la jolie toile montagneuse en arrière-fond, Bailly décide de muscler son récit et de lui donner une dimension beaucoup plus noire, plus policière, plus nerveuse... Si l'on aura encore droit à divers récits qui feront la part belle à l'aventure, à la découverte (plus ou moins touristique) d'autres continents (Delphine et Cédric s'évadent pour un temps notamment), l'auteur décide, en transvasant son action principale du Vercors au Jura, de mettre en scène des personnages au comportement beaucoup plus sauvage, beaucoup plus excessif... Et avouons que cette morbidité, cette folie, en faisant dériver progressivement l'histoire du côté obscur de l'humanité, nous perdent un peu en route. Des personnages et des situations extrêmes, bigger than life, qui nous semblent rapidement un peu surfaites, un peu too much... On sent que Bailly veut introduire une dose de suspense, de thriller dans son récit, cherche à le pimenter, mais on le suit un peu à cloche-pied sur cette pente savonneuse violente. Trop d'épices, parfois, tuent le goût épicé... On finit l'ouvrage, après de rocambolesques mésaventures, d'un œil un peu trop goguenard, légèrement déçu d'avoir perdu en cours de route nos accointances d'origine avec ce quatuor de personnages... Le noir est un art qui peine parfois à se greffer sur certains récits. La pêche partait bien, avant que les truites ne se saignent aux quatre veines pour tenter de passer à travers les mailles de l'épuisette. Pas totalement hameçonné, quoi.  

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Tags: Bailly P.

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3 septembre 2026

Passion (Madame du Barry) d'Ernst Lubitsch - 1919

Même dans un film probablement de commande, Lubitsch arrive à trouver un ton très personnel, notamment dans sa façon de filmer les femmes. On sait tout ce qu'a apporté ce cinéaste au regard posé sur elles dès ces années 1910, et ce film arrive comme un magnifique complément au sublime Je ne voudrais pas être un homme de la même époque. En cette année d'immédiat après-guerre, Madame du Barry, film allemand à l'origine, tente de se réconcilier avec ses ennemis récents en s’intéressant à l'Histoire de France : Madame du Barry, née gueuse, mais qui par son charme su conquérir les gens de la haute et notamment le roi Louis XV qui en fit sa favorite et la femme la plus puissante de France. Opportuniste et manipulatrice courtisane se roulant dans les diamants et oubliant ses origines ? Ou simple femme manipulée par les hommes, tentant de sortir de sa condition avec ce qu'elle a à sa disposition mais restant fidèle à ses amours de jeunesse ? C'est toute l’ambiguïté de ce très joli personnage, que Lubitsch manipule façon marionnette pour nous en présenter toutes les facettes, des plus négatives aux plus touchantes.  

C'est Pola Negri, irrésistible, qui endosse les robes à crinoline de la dame, et son jeu donne une fantaisie, un côté humoristique, une énergie en tout cas, à ce personnage pourtant assez tragique. Elle bondit dans tous les coins de l'écran, aussi craquante qu'insupportable, et on peine de la voir commettre erreur sur erreur pour tenter de jouer sur les deux tableaux : parvenir au sommet de l'Etat et conserver sa pureté d'avant. Elle fait beaucoup pour le ton délicat du film, entre comédie et mélodrame ; et donne à sa Du Barry une épaisseur troublante, dans ce cinéma des origines qui souvent ne s'encombrait pas encore de mille subtilités. Lubitsch, aidé par sa comédienne, nous offre un film très délicat, intelligent, d'une belle profondeur et très mesuré, ne nous imposant rien mais ne se cachant pas non plus de son féminisme (qui ne s’appelait pas encore comme ça à l'époque) : le portrait d'un être humain complet, avec toutes ses contradictions, et d'une femme qui tente de s'émanciper dans un monde d'hommes qui ne la considère que comme un joli bijou à s'offrir. 

Magnifiquement restauré, le film, par-delà son personnage, est une brillante restitution des années 1780-90. Si on s'attache à ces plans resserrés, à ces scènes d'alcôve, à ces moments d’intimité où on n'a d'autre plaisir que de regarder Negri (et Emil Jannings, qui est parfait dans le rôle du roi), on n'en aime pas moins ces scènes situées surtout sur la fin, où la Révolution éclate : plans impressionnants de foule en rage envahissant les rues, de procès, d'actions, avec toujours, en son centre, une façon de filmer les personnages à hauteur d'homme. On assiste notamment à l'arrestation de Louis XVI et de sa famille : ils traversent une foule tout à coup rendue silencieuse par la solennité du moment, et ce moment est bouleversant par ce qu'on sent du désarroi du roi, de la force du destin, de la violence de ce qui est raconté. Cette violence se retrouve dans l’exécution de Mme Du Barry (spoiler), guillotiné avec brutalité dans une scène qui surprend par sa force. A côté de ces séquences spectaculaires, Lubitsch tricote toute une série de scènes drôles, mettant toujours le sentiment et l'humain au centre. De l'excellent travail, où l'on sent déjà toute la force du cinéma futur de notre Ernst, le plus subtil des cinéastes. 

 

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2 septembre 2026

La grande Evasion (The Great Escape) (1963) de John Sturges

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Un bon vieux classique qu'il est bon de se retaper en ces temps d'enfermement (plus ou moins) "volontaire". Et si on creusait des tunnels pour s'échapper ? C’est sur ce principe mince comme un fil que repose toute l'intrigue des deux-premiers tiers : où creuser, comment évacuer la terre, comment étayer, quand sortir ?... On connaît la rengaine et les morceaux choisis du film : le poêle qu'on déplace et sous lequel on creuse, la terre que chacun évacue en faisant sa promenade, le bois des lits que l'on récupère… Il faut reconnaître qu'on connaît tellement le film par cœur (il passait toutes les semaines à la télé il y a trente-quarante ans) que plus grand-chose nous étonne à la revoyure. On prend tout de même plaisir à revoir ce casting trié sur le volet (McQueen et son gant de baseball, Bronson et ses déboires claustrophobiques, Coburn et son sourire en coin, Attenborough et son air pincé, Donald Pleasance myope comme une taupe... Des tronches, des visages taillés dans la glaise) tout en constatant la passivité consternante des Allemands (les prisonniers font tout ce qu’ils veulent, chacun dans son coin, et ce camp où l'on a, dixit, « mis tous les œufs pourris dans le même panier » a quand même souvent l'allure d'un sympathique camp de vacances (atelier jardinage, atelier chant, atelier trous, atelier confection de gnôle...) ; quand on nous dit en exergue que cette histoire est tirée d'une histoire vraie, il est difficile de ne pas tiquer un brin (cinééééééémmmmmaa !). Bref, on apprécie tout de même encore les incontournables instants de bravoure (McQueen qui passe son temps à se faire chopper), et les instants de craquage (son compagnon d'échappée qui s'empale sur les barbelés - barbelés qui seront d’ailleurs tout aussi fatals, bien plus tard, à McQueen).

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Lorsqu'une soixantaine de prisonniers parviennent à s'échapper, on peut enfin souffler (l'ambiance n'était pas si anxiogène dans ce camp mais il est tout de même bon de passer à d'autres décors) : un autre genre de suspense se met alors en place, ne pas se faire reconnaître. Il y a les bravaches qui prennent le train et qui se fondent dans la foule et les aventuriers qui piquent des vélos, des motos, des bateaux voire même des avions pour tenter de se faire la malle. McQueen hérite forcément de la grande séquence d'action en narguant trois mille Allemands du haut de sa moto : une bonne vieille course poursuite avec ces éternels couillons de side-car qui tentent de tenir la dragée haute à la moto ; on pense presque malgré nous et un peu honteusement à La grande Vadrouille, même si l'on se dit, à la réflexion, qu'il n'y aurait rien d'étonnant à ce qu'Oury ait fait du Sturges son film de référence sur certains points. Bref. On pensait se trouver sur le chemin de la liberté mais force est de reconnaître que, cette fois-ci, contrairement à ses souvenirs, ces échappées belles tournent mal, très mal. C'est dans la dernière partie finalement que l'action est la plus tendue : plus d'héroïsme forcené, nos prisonniers se font reprendre les uns après les autres comme des saumons qui se casseraient les dents sur un barrage. Tout ça pour ça, le constat est là, la guerre reprend ses droits et massacre un à un chacun de nos héros. Le film qui était parti sur un ton un peu goguenard se teinte de pessimisme : cela donne forcément un peu plus de relief à la chose, à cette œuvre où la liberté n'est jamais gagnée d'avance. Du Sturges carré, porté par un casting de choix, une œuvre où l'ironie est fondue au noir (même si McQueen reste jusqu'au bout fidèle à lui-même, le héros américain indéboulonnable avec sa balle de base-ball), d'un beau classicisme - mais également peut-être tellement vue et revue, tellement « classique », qu'on redécouvre la chose sans vibrer jusqu’à la racine (vibrent seulement quelques cordes nostalgiques en souvenir de sa première découverte, ce qui n’est déjà pas si mal – peut-être, simplement, un bon film pour ados...)   (Shang - 21/03/20)

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La grande Évasion est tout aussi agréable quand on n'est point confiné, laissez-moi vous le dire. Tout a été dit par Shang, et j'en rajoute une couche : la petite culpabilité de se taper un film un peu concon, le plaisir du classicisme et de l'histoire qu'on prévoit à l'avance, la nostalgie du cinéma à stars, l'impeccable savoir-faire à tous les postes (écriture, acteurs, mise en scène, photo, musique, costumes), le côté artificiel de la chose (la guerre est un joyeux séjour en colonie de vacances)... On s'amuse énormément et sans complexe devant ce long récit plein comme un œuf de péripéties, de personnages craquants (tous ont leur moment de gloire), d'humour, de glamour, de suspense et de méchants qui parlent allemand. Film d'évasion ultime, il bénéficie d'une écriture sans faille, permettant de jongler entre les thèmes principaux (portés par les grosses reusta McQueen, Bronson, Coburn) et les petites variations modestes (tous les détails portés par les autres acteurs, tous impeccables), entre les tons : ça va du drame le plus poignant à l'humour presque burlesque, du film d'action à un ton presque philosophique, sur la fin notamment, qui renouvelle avec intelligence le passage obligé du happy end. On en sort tout de même avec l'impression que la guerre n'est pas une chose si grave, que c'est même plutôt rigolo : après avoir déifié la conquête de l'ouest, Sturges ripoline les camps de prisonniers nazis, et on adore ça.   (Gols - 02/09/26)

 

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2 septembre 2026

LIVRE : Ce qui nous frôle sous la surface (Twist) de Colum McCann -2026

Peut-on réellement capter le lecteur en lui racontant une histoire de câble de communication enfoui au fond de l'océan ? Colum McCann répond oui, moi aussi, mais j'ajoute qu'on peut le capter rien qu'avec ça quand on s'appelle McCann, et que le bougre s'est peut-être un peu perdu en voulant en plus raconter autre chose. Au départ, donc, le projet un peu hardcore de la part du narrateur, écrivain en panne d'inspiration lorgnant plus souvent qu'à son tour sur la bouteille et la dépression : partir plusieurs mois en mer pour assister à la réparation des câbles internet qui circulent à plusieurs kilomètres de distance sous la surface, en vue de publier un article. Il choisit pour ce faire d'accompagner l'équipe de John Conway, homme mystérieux et taiseux, plongeur en apnée émérite et compagnon d'une superbe actrice émergente. Aussi fasciné par cet homme peu sympathique mais en pleine maîtrise de lui-même que par sa femme étrange et insaisissable, Fennell s'embarque donc pour un voyage au long cours. Voyage qui va peu à peu, par sa lenteur hypnotique, par le mystère qui entoure ce métier de spécialiste, par le petit jeu de rejet-accueil de Conway envers l'écrivain, virer en un trajet introspectif marquant. C'est sous l'égide d'Apocalypse Now, encore plus que de Conrad, que se place McCann pour ce parcours mental de la meilleure eau, qui va peu à peu placer les personnages face à eux-mêmes ; comme la folie avait tendance à les hanter depuis longtemps déjà, ce face-à-face va s'avérer dangereux. 

 

Tant qu'il reste dans le documentaire, l'auteur irlandais fait merveille. Il arrive à rendre passionnantes des choses complètement inintéressantes sur le papier : comment attraper un minuscule câble à l'aveugle sous l'océan ? comment gérer l'attente infinie ? Très précis sur les faits mais aussi sur les sensations, les sentiments, McCann parvient merveilleusement à ensevelir ses personnage sous une sorte de chape invisible, un poids indéfinissable mais de plus en plus présent, tout en restant dans la description aiguë du quotidien du bateau, des comportements des hommes entre eux. L'écriture est franchement magnifique, parvenant à extirper tout ce qu'il faut de métaphysique de la contemplation de l'océan, à trouver une force impressionnante dans la description de l'attente, de la folie, du dérisoire de la tâche à accomplir. Les scènes de plongée, notamment, sont des petits trésors de style : l'écriture semble respirer au rythme de ces plongeurs en apnée, de plus en plus courte, de plus en plus saccadée, formant finalement un véritable suspense autour de cet acte.

 

Malheureusement, McCann n'en reste pas là. En bon story-teller, il est persuadé qu'il faut rajouter du glamour et de l'action à son documentaire. Il se perd alors complètement dans le récit (un rien brumeux) d'un homme qui dérive vers la révolution, le terrorisme : tout le dernier tiers du livre abandonne le rythme miraculeux qu'il avait trouvé jusque là pour revenir à une classique trame de suspense qui va à ce roman comme des baskets à une truite saumonée. A force d'opacifier son personnage pour en faire une sorte de colonel Kurtz moderne, il nous le rend étranger, et on ne tremble jamais pour lui (pas plus que pour son épouse, personnage curieusement très antipathique et sans charme). Bref, le beau roman qui nous avait tenu jusque là est foulé aux pieds, et McCann termine Ce qui nous frôle sous la surface dans l'indifférence. Un beau travail gâché par l'envie de plaire...

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Tags: McCann

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1 septembre 2026

Gai, marions-nous (Always Together) (1947) de Frederick De Cordova

L'argent fait-il forcément le bonheur ? Non, nous l'allons montrer tout à l'heure. Que nous vaut la présence de ce titre de film assez ridicule en ces colonnes ? Eh bien tout simplement la présence pendant quelques secondes de notre ami Bogart. Encore en caméo de dernière seconde ? Ouh là, cette fois-ci c'est encore plus subtil. Mais laissons planer le suspense, c'est la seule chose vraiment intéressante dans cette grossière panade dite comique. Un jeune couple, elle est secrétaire, travaille donc et gagne un peu d'argent, il est écrivain, écrit donc et ne gagne rien. Il vit, oui, on peut le dire, un peu aux crochets de sa femme mais est-ce important ? Elle croit en lui, ils vont tous les jours au cinéma, ils s'aiment... Et puis la tuile, la jeune femme reçoit d'un milliardaire anonyme, la somme extravagante d'un million... Comme elle a justement vu un film où un homme démuni préférait quitter sa riche promise, le temps pour lui de faire fortune, elle n'ose rien dire à sa moitié sur le coup... Lui, il commence enfin à être publié, ils se marient avec le premier chèque qu'il touche : tout va bien, jusqu'à ce qu'elle finisse par lui avouer cet héritage tombé du ciel, ils font des achats, s'engueulent, la gabegie... Direction Reno, procès, l'homme voudrait toucher une pension, scandale...

Les ficelles sont plus grosses que celles qui retenaient le slip de Carlos, les acteurs surjouent, Robert Hutton, le mari, a le charisme d'une guenille... seule, allez, seule Joyce Reynolds dans le rôle de la donzelle illumine un peu la pellicule. Pétillante comme du champagne, chacun de ses regards lancent des petites bulles de lumière. Au-delà de ça, c'est un peu la morne plaine ; De Cordova a autant d'idées de mise en scène que moi de tomates cette année, et plus le film progresse, plus les personnages (ce couple soudainement plein de haine l'un pour l'autre, le milliardaire proche de ses sous...) semblent vouloir tomber dans la caricature. Quelques répliques fusent, moui, mais on oublie vite l'équilibre de départ de ce petit couple qui vivait d'amour et d'eau fraîche et qui donnait un semblant de charme au film... La seule chose, finalement, un peu originale, est le fait que les films qui passent au cinéma... ne sont pas de vrais films, mais des films tournés seulement pour figurer dans cette œuvre bénéficiant des stars sous-contrats de la Warner à l'époque (Jack Carson, Dennis Morgan, Janis Paige et... Bogart). C'est assez drôle car ces films ont à chaque fois un impact direct sur les choix faits par l'héroïne... Elle ne peut ainsi que s'apitoyer sur son propre sort et sur ce qu'est devenu son mariage en voyant ce pauvre Bogart assistant au mariage de sa fille depuis l'extérieur du bâtiment sous un torrent de pluie (Bogart en chien battu mouillé, fantastique !). Mais bon, c'est un peu maigre comme satisfaction - l'odyssée est à ce prix... Une comédie de couple (et d'argent) qui n'est sans doute pas un ratage absolu mais qui démontre vite ses limites.

Bo comme Bogie

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1 septembre 2026

À la Santé du Port - La Victoire est à nous (Minato no kanpai : Shôri o waga te ni) (1956) de Seijun Suzuki

Titre très long pour un film très court de tout juste une heure. Dès ses tout débuts, malgré tout, Seijun Suzuki apparaît comme un cinéaste fiévreux mêlant désirs romantiques contrariés et violence. Il sera question ici d'un pauvre petit jockey qui va avoir affaire à la crème de la pègre. Notre jeune homme, sur lequel veillent au moins deux personnes bien intentionnées (la jeune patronne d'un bar et son propre frère ainé, souvent en mer mais qui vient tout juste de rentrer), va, suite à une victoire sur le champ de course, flasher sur l'une de ses fans. Un regard suffit pour qu'elle l'entraîne avec lui dans une folle nuit dans un dancing de richards... La femme fatale, diable, dont il s'éprend illico, n'est pourtant pas à manipuler sans risque ; elle est soutenue par un ponte qui prétend être son mari. Ce dernier va rapidement proposer un deal au jockey : il veut la donzelle, il devra perdre lors de la prochaine course dont il est pourtant le favori... Notre jeune homme plonge vite dans la tourmente, le cas de conscience, se torturant l'âme et négligeant ses proches : cet amour auquel il ne peut avoir accès qu'en cédant à ce triste chantage, en mettant en jeu sa propre morale ne risque-t-il pas tout bonnement de le détruire ?...

De la romance, de la course hippique, des gros sous, des yakuzas au petit rire grinçant, on flirte avec le film noir... Heureusement, que dès l'une des premières séquences, il y a ce petit délire avinée dans ce bar en liesse pour apporter à l'ensemble un sentiment de légèreté ; il y aura également des éléments plus sains avec cette solide solidarité entre les deux frères ; certes, ils mènent chacun leur barque, certes ils ne se voient plus guère, mais il y a, on le sent, ce lien fort de l'enfance qui subsiste et cette volonté chez l'ainé de protéger son cadet. Suzuki après avoir sorti les violons pour montrer la connivence qui se développe entre ce jockey un peu naïf et cette jeune femme peut-être plus amoureuse qu'il n'y paraît (est-elle sincère ou joue-t-elle un double jeu ?), va vite nous replonger dans une atmosphère plus glauque : un amoureux qui se languit, qui erre, et se retrouve fortement tenté par ce pacte avec le diable. Il plonge, se relève, mais il a mis le doigt dans un engrenage... Seul son brother, à l'affût, pourra ou non le sortir de ce mauvais pas. Suzuki nous livre une séquence finale qui baignera dans la violence, sans que l'on sache jusqu'au bout qui y survivra... C'est un peu court en bouche, certains personnages sont d'ailleurs vite oubliés en route (la chtite patronne à la coule) mais on sent déjà dans ce cinéma-là de vrais élans passionnés et des accents déjà saignants. Franchement honnête pour un galop d'essai.

 

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1 septembre 2026

LIVRE : Sauf la Frontière de Elisa Shua Dusapin - 2026

Elisa Shua Dusapin est-elle une aventurière ? Le terme lui semblerait sans doute un peu déplacé... C'est une écrivaine, avant tout, qui, curieuse du monde, n'aime rien tant que pouvoir se déplacer d'un point du globe à un autre, et rencontrer qui elle le souhaite. Forcément, cela a tout d'une gageure quand on décide en ces si folles années 20 de s'installer au Proche-Orient, en Jordanie plus précisément, et de vaquer entre territoires israéliens et palestiniens. Depuis le 7 octobre, on le sait, on le sent, plus rien ne sera pareil. Mais plutôt que de dresser un état des lieux politiques de la situation, ESD ne se focalise que sur une chose : être à l'écoute des gens, réfugiés, rescapés de tout bord, juifs ou arabes, sans discernement. Son récit, sans lui faire offense, est une sorte de carnet de bord où elle raconte par le menu chaque checkpoint, chaque transition, chaque contrôle aux frontières, mais où elle tente avant tout de se faire le porte-parole de ceux qu'on écoute jamais, qu'on a tendance lors d'un JT à traiter simplement comme de vagues entités. Suivant souvent simplement son instinct, elle refuse rarement une invitation faite par une rencontre de hasard pour passer quelques heures au sein d'un foyer, pour partager, le temps d'une discussion à bâtons rompus, cette intimité. Ne jamais trop s'attacher, ne jamais prendre trop vite fait et cause, pour ou contre, juste écouter et partir quand il est encore temps. Qu'elle participe à des groupes de discussion à Amman avec un petit groupe d'individus hétérogènes autour d'un thème prédéfini, qu'elle parte à la rencontre d'une responsable musulmane en charge de la formation en plomberie des femmes, qu'elle écoute des gens se confier à Naplouse ou à Tel Aviv, on sent la même volonté de comprendre ce que chacun ressent, et d'essayer sans les trahir de rendre au plus précis cette parole. Alors même que le monde devient incontrôlable, que les frontières se renforcent, que les gens, de par leurs origines diverses, semblent avoir de plus en plus de difficultés à aller vers l'autre, elle tente de retranscrire dans ces lignes ce flux de paroles libres, ou de parfois décrire de simples gestes, des simples attitudes, qui traduisent toujours une fibre d'humanité chez un être, dans une silhouette, une ombre. Des impressions vécues qui laissent autant de traces sur une page que dans les esprits. Elle n'est pas reporter, elle porte simplement son regard sur un monde détruit et tente de capter ce qui peut faire encore éventuellement tenir debout. Pas un compte-rendu sur le Proche-Orient, un simple récit proche des gens. La différence est subtile, essentielle, précieuse.

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1 septembre 2026

LIVRE : Le Pays de l'Eté de Pierre Adrian - 2026

"Avec elle je perdais un monde entier".

 

Vous redoutez déjà nerveusement la fin des vacances ? Rien de mieux que de s'attaquer à ce sympathique opuscule breton de l'ami Adrian pour goûter en avance la douçâtre nostalgie que vous n'allez point tarder à ressentir. Une maison familiale, du côté de Brest, une grand-mère qui décède, une maison qui malgré des décennies de souvenirs va changer de main, et c'est parti pour que notre auteur revienne sur tous ces étés partagés puis sur cet avenir sombre qui s'annonce. Adrian ne révolutionne pas le genre du "lieu qui renferme toute une vie, toute une tradition familiale, toute une histoire intime" mais parvient en quelques chapitres, en quelques paragraphes, à nous faire part de la valeur irremplaçable du lieu, ce carrefour incontournable des vacances sur plusieurs générations. Il évoque forcément toutes les sensations, de son enfance à l'âge adulte, qui seront à jamais attachées à l'endroit, tout en montrant, dès que vente il y eut, la décadence qui s'en suivit : une rénovation dans les règles de l'art certes (mais qui oblitère tout ce qui faisait le charme bancal des lieux), des locations qui s'enchaînent auprès de locataires de moins en moins responsables, des fêtes qui dégénèrent, jusqu'au drame. Chroniques d'une mort de maison annoncée qui permet de réanimer à la fois toutes les petites histoires vécues par les membres disparates de la famille et d'évoquer tous les petits secrets spécifiques des lieux. C'est tout le parfum d'une enfance, d'une vie qu'il tente de réanimer, sans forfanterie, sans véritable originalité non plus, c'est tout le regret d'un lieu "collectivement" abandonné (personne ne chercha jamais vraiment, après la mort de l'ancêtre, à tout faire pour préserver cet héritage dans le giron familial), d'un lieu livré aux "autres" (forcément irrespectueux envers celui-ci car privé dorénavant de son âme) qu'il essaie d'exprimer. Le récit peut paraître en lui-même parfois assez anecdotique, mais on ne peut contester cette envie de décrire avec sincérité et émotion les racines, l'univers particulier que pouvait représenter cette simple villégiature saisonnière pour tout un arbre généalogique. Adrian évite tout romanesque exacerbé pour dépeindre simplement les lieux et lui rendre avec une merveilleuse simplicité son aura magique. Ce n'est peut-être pas grand-chose d'un point de vue littéraire, mais cela garde une vraie grandeur d'un point de vue "topo(ï)graphique" minimaliste. La triste fin d'un temps que tente de ranimer joyeusement l'écriture.  (Shang - 19/08/26)

 

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Texte impeccable de mon camarade. Et hôchage de tête de votre serviteur, qui est tombé sous le charme de ce magnifique récit intime, sentimental, nostalgique, recherche d'un temps perdu et fantasmé. Adrian a une sensibilité à fleur de peau, mais que sa maitrise de la langue retient de toutes ses forces. le résultat se situe entre la fièvre d'un jeune romancier, qui aurait fait du sentiment et de l'intime le fondement de son livre, et le calme de l'auteur confirmé, qui sait contenir sa fougue. Curieux mélange qui fait des étincelles. Comme dit Shang, on n'est pas dans la grande démonstration de style, dans le récit hyper ficelé, mais justement : c'est de là que vient le charme à l'ancienne de ce texte. Adrian a les mots les plus justes et les plus touchants pour évoquer ces étés insouciants, et sait en quelques mots, en une discrète évocation, en une réflexion ténue, décrire l'océan, le temps qui passe, une fissure das le mur de cette fameuse maison, le deuil ou la Bretagne. Il possède une force d'évocation remarquable, qui transforme en douce image les motifs les plus anodins ou les plus tragiques. Il se dégage du Pays des étés une douceur irrésistible, une mélancolie poignante, une délicatesse d'orfèvre. L'écriture désuète, presque vintage, fait beaucoup pour le charme de cette chronique des liens familiaux : le livre évoque plus quelques bons poètes de la ruralité (Pirotte ou Verhaeren) que le roman au sens strict, par son mépris de la trame chronologique au bénéfice de l'instant, de la touche de couleur, de l'émotion directe. On ne peut que fondre devant ce magnifique travail d'écriture, moins claironnant, oui, que ses contemporains, mais tout aussi précieux.   (Gols -01/09/26)

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31 août 2026

La Fête des Forêts et des Lacs (Mori to mizuumi no matsuri) (1958) de Tomu Uchida

Voilà une œuvre (tardive) d'Uchida qui tombe à pic, notamment pour servir de complément de lecture à Bouvier lorsque celui-ci fait part de sa découverte de l'île d'Hokkaido et du peuple autochtone des aïnous. Le cinéaste nous propose, par l'intermédiaire d'un prof anthropologue et surtout par celui d'une peintre de Tokyo qui décide de s'installer plusieurs jours sur l'île, de donner une vision assez complexe des rapports entre aïnous et "japonais métropolitains". Pour ce faire, il va se servir d'une poignée de personnages qui possèdent chacun une vision clairement définie quant à ces relations. En premier lieu, il y a le personnage central de Ichitaro Kazamori (Ken Takakura, tout en force) : il sillonne le pays en offrant livres aux enfants, riz aux paysans mais ses manières de faire ne font pas l'unanimité ; il a plus d'un gredin des lois qu'un Robin des bois, l'homme se montrant violent plus souvent qu'à son tour pour obtenir auprès de sa propre communauté un petit pécule ; il se montre tout aussi sauvage avec ceux qui n'emploient pas d'aïnous, une sauvagerie dont les femmes ne seront d'ailleurs pas exemptes non plus (une scène de viol qui finit quelque peu d'enterrer moralement le personnage...). Face à lui, il y a la communauté aïnous, justement, partagée entre la reconnaissance envers ses actions d'éclat et la pression qu'il leur fait subir, des femmes aïnous victimes ouvertement de racisme par des amants japonais qui n'osent franchir le pas en se mariant définitivement avec elle, des propriétaires locaux qui discriminent les aïnous (alors même qu'ils sont issus de cette communauté mais n'osent le reconnaître). Si on rajoute sur le tas les problèmes d'identité des métis, on peut avoir une petite idée des rapports tendus qui se jouent sur l'île... Mais cette communauté aïnous, finalement, est-elle vouée à disparaître, à se fondre définitivement dans la nation ou peut-elle encore un peu résister ?

C'est un tableau assez ambitieux que propose Uchida et c'est tout à son honneur. Chaque personnage possède ses failles (la peintre pleine de bonne volonté mais plus que maladroite dans son approche des aïnous - artistiquement, elle semble aussi l'être un peu : photogramme ci-dessus... ; Ichitaro, homme sauvage au grand cœur qui se fourvoie à plus d'une occasion - saura-t-il finalement reconnaître ses erreurs ? ; les responsables de la communauté aïnous pris entre désir d'action (dans les paroles) et inactivité (dans les faits)...) et l'on se demande un peu jusqu'au bout quel message le cinéaste tente de faire passer, ou tout du moins quel constat laconique il pourra proposer... Différentes histoires montrent à quel point cette défiance envers les aïnous est absolument ridicule (le petit prof qui rejette son aimée autochtone... et qui ne s'en remettra jamais ; le propriétaire qui renie sa propre culture...) mais c'est bien le personnage centrale qui constitue l'individu le plus complexe de l'histoire... Quand il prendra conscience enfin de ses propres origines métissées, le type sera marquée aussi bien moralement que physiquement (Uchida n'y va pas avec le dos de la cuillère pour montrer justement visuellement ce "déchirement" qu'il ressent) ; une prise de conscience tardive qui remettra forcément en question sa propre vision des choses et son choix de vie... On sent bien qu'Uchida ne cherche pas forcément à sauver ce personnage excessif, préférant se contenter d'une morale beaucoup plus douce : plaçons l'avenir (de cette communauté) entre les mains des femmes (mille fois plus conciliante et définitivement capable de pardon...) et des enfants, c'est encore sans doute la meilleure des choses qui puissent arriver - les violences et la fierté des hommes (exacerbées lors d'une scène finale rageuse, digne d'un western), d'un camp comme de l'autre, paraissent à l'usage assez pathétiques. Dans un cadre mirifique, de forêts, de mer bleu turquoise et de lacs, Uchida parvient à évoquer les sombres combats qui se jouent en chacun de ces individus, mêlant poésie brute des paysages et violence humaine avec un bel art de l'équilibre. Belle réussite toute en contrastes.

 

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30 août 2026

LIVRE : Nous aussi de Anne Godard - 2026

Anne Godard prend apparemment une dizaine d'années pour écrire chacun de ses ouvrages mais elle les prend à bon escient ; pourtant, serait-on tenté de rire, on entre dans ce bouquin un peu en sommeillant, sur la pointe des pieds. De quoi nous parle-t-elle ? De sa famille, de sa grande famille, de sa grande famille bourgeoise qui se partage aussi bien un immeuble cossu à Paris qu'une grande maison, chaque été, dans les Alpes. Une famille, qui, il faut bien le dire, ne manque de rien, a pignon sur rue, a accès à tous les services parisiens à portée de la main, des écoles reconnues aux cinémas d'art et essai, une grande famille pas vraiment dans le besoin, une famille qui nage dans toutes sortes d'avantages relationnels, sociaux, économiques... Une famille solidaire, soudé, qui malgré les petites frictions, passe une grande partie de son temps à se côtoyer, à se fréquenter, en particulier au moment béni des vacances. Bref, tout va bien, personne descend. Constitué de courts chapitres de deux pages, le livre dresse l'état des lieux de la vie quotidienne de cette famille, de ces familles, de la tendre enfance à l'âge adulte ; des activités, des jeux partagés, des préoccupations, qui ne sont finalement, à tout prendre, guère différents de ceux que pourraient avoir des personnes de la classe moyenne, le tout se faisant tout de même dans un cadre privilégié et dans des proportions assez larges (compter vingt à trente personnes rassemblées tous les étés). Godard commence la plupart des ses phrases par le pronom impersonnel "on" ce qui permet, allez, permettons-nous de jouer un peu sur les mots, à son récit de tranquillement r-on-r-on-ner. On, comme pour mieux englober en deux simples lettres, le destin assez normé de cette grande famille qui jouit des mêmes privilèges.

 

Seulement voilà, quelques fêlures avaient ici ou là déjà fait leur apparition au détour d'un chapitre (le jeu des enfants loin des adultes, les séances de bain communs où l'on frotte bien partout...) et le tournant malaisant finira bien par arriver avec le suicide prématuré d'un "enfant de la famille",  le frère même de la narratrice... Un cas esseulé d'une personne marquée dès son plus jeune âge par un petit côté dépressif ?... ou la première marque d'un vrai problème qui pourrait fissurer tous les murs de ce soi-disant "grand ensemble familial"... Les premiers doutes, les premières allusions, les premiers pétages de plomb, les premières vérités qui ressortent, les premiers questionnements, la porte étroite commence à s'ouvrir et le malaise devient de plus en plus prégnant... pédophilie, inceste, viols ? On sent que le grand déballage au sein de cette famille "sans problème", "bien sous tous rapports" risque de faire d'autres victimes, de provoquer un carnage... Cela ronronnait trop bien pour être honnête... On glisse progressivement du côté de la force obscure et Godard décrit avec la même précision les traumas subis que ces soi-disant souvenirs enjoués de vacances. C'est rude, c'est cash, on voyait un peu le coup venir mais le choc n'en est pas moins brutal. Un roman qui prend doucettement son temps pour nous faire pénétrer les arcanes de cette belle famille au pays des merveilles dont on ne finit par percevoir que la face cachée - un véritable petit musée des horreurs. Terrible petite mécanique littéraire qui nous mène en pente douce directement dans l'enfer des secrets familiaux. Saisissant comme un trop lourd silence.

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29 août 2026

… Et tremble d'être heureux de Paul Vecchiali - 2007

Toujours entre la ringardise totale et la hype la plus pointue, voilà Paul Vecchiali qui nous pond le film le plus improbable qui soit, dont on ne sait trop s'il faut s'en taper sur les cuisses ou s'extasier devant. Dans le doute, jouons les Normands : … Et tremble d'être heureux est un objet, un OVNI, une sorte d'aberration dans le monde moderne, anachronique et fauchée, mais tout de même bien intrigante si vous êtes bien luné. Encore plus démuni que d'habitude, ce brave artisan qu'est Vecchiali vous trousse une histoire réalisée en toute intimité : 5 acteurs, 2 figurants hésitants, une maison, 3 lignes de dialogues, et le voilà auteur d'un nouveau film : c'est l'économie qu'il a toujours mise en place, et qui trouve ici son max. Soit donc Joss, jeune homme légèrement borderline dont la femme est partie bosser (et le tromper ?) à l'autre bout du monde pour un temps qu'il espère court. Il emménage dans une maison qui semble hantée par la présence de ses occupants précédents : la collection de VHS de films français des années 30, les posters de Danielle Darrieux ou Jean Boyer, les bouquins sur Duvivier déclenchent particulièrement l’enthousiasme de notre homme, pas le dernier pour s'extasier ("Oh ! Ah ! quelle merveille ! quelle beauté") sur le montage de La Tête d'un Homme ou le charisme de Françoise Rosay. Voilà qui rappelle, au passage, la grande passion de Vecchiali pour cette période du cinéma. Bref.

Dans ce territoire pas tout à fait à lui, qu'il ne semble investir que comme un fantôme qui hanterait les lieux, notre garçon s'enfonce tranquillement dans la folie. Gardiens et témoins de cette folie, ses voisins : un quadragénaire taciturne, un vieux misanthrope revenu de tout (Vecchiali himself), une femme de ménage maternante (Françoise Lebrun), une femme plus ou moins engagée pour avoir une relation amoureuse avec lui... Une faune étrange, qui semble déconnectée du réel, un peu comme si tout se déroulait dans un monde parallèle, où Joss serait déjà mort (?), appartenant finalement plus à une sorte d'entité abstraite (le cinéma du passé ?) qu'au territoire très marqué de la campagne. Le film ne nous donnera pas d'autres explications, gardera son étrangeté. On notera cependant que Vecchiali s'ancre dans le monde d'aujourd'hui, malgré sa nostalgie crasse et son romantisme d'un autre âge : il multiplie les scènes de dialogues par ordinateur interposé, questionnant un peu plus les règles du rapport amoureux à distance. Tout ça est fait "à la Vecchiali" : c'est de l'artisanat dans sa plus belle acception, joué parfois au rabais, tellement pauvre que ça devient touchant. La mise en scène est peut-être moins maîtrisée que dans d'autres films du maître, mais on reconnaît immédiatement cette sincérité totale dans ce qu'il filme, cette absence de forfanterie qui font que même les plans les plus moches, même les idées les plus nazes, même les figurants les plus mal à l'aise, passent comme une lettre à la poste. On ressort de ce nouvel opus minimaliste un peu dubitatif, oui, parce qu'on n'a pas très bien compris ce que le gars voulait signifier là-dedans. Mais on garde néanmoins toute notre admiration pour ce cinéma de contrebande, fabriqué en dépit du bon sens et contre toute forme de norme.

 

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29 août 2026

LIVRE : Ce qui se joue de Caroline Hinault - 2026

Livre de la rentrée scolaire ET littéraire tome 2 puisque Hinault (dont on avait particulièrement aimé le premier roman Solak), après Haenel, nous plonge dans les arcanes du métier de prof (de français) (on passe simplement du niveau collège au niveau Secondes). On sent dès le départ qu'on sera ici totalement immergé dans l'ambiance d'une classe et ce sur une année scolaire entière. On a un peu peur, par rapport à Haenel, d'une moindre mise à distance, d'être un peu trop confronté, entre autres, à l'ambiance basique de n'importe quelle salle de profs (des râleurs aux moins râleurs...). Mais la Caroline en a sous le coude et va parvenir chapitre par chapitre à nous faire croire et nous rendre attrayant ce petit monde qu'elle décrit. Et pourtant, le MacGuffin n'a rien de vraiment rassurant : une étrange maladie se répand, une maladie étrange qui s'attaque exclusivement aux professeurs ; ces derniers, après avoir perçu La Marche funèbre de Chopin en boucle dans leur tête, deviennent soudainement apathiques et ne parviennent à ne prononcer plus qu'un mot : "poï" ; on pourrait en rire si le virus ne s'étendait pas à vitesse grand V, vidant les écoles. Un type du Ministère de l'EN, Reverdy, est chargé de faire un rapport sur le phénomène ; il circule notamment dans les écoles de Normandie et suit chaque jour les cours de français donnés par une certaine Boukary à sa classe de Seconde. Il espère ainsi trouver des pistes pour expliquer le problème. Boukary, heureusement pour lui, est l'une de ces profs qui possèdent (encore) le feu sacré : donnant le maximum à ses élèves chaque jour que Dieu fait, testant constamment de nouvelles approches péda, elle réussit à intéresser autant ses ouailles (enfin, une très grande partie) que le gars Reverdy. Ce dernier, très sceptique au départ, est tout ouïe. Voir sous le charme ? Ce serait bien la première fois qu'un prof de français serait à ce point passionnant... Et la maladie, sinon, ne serait-elle pas simplement symptomatique de certains problèmes de fond de la société ?

 

Caroline Hinault ne recule devant rien, nous livrant ainsi pratiquement dès le début un cours en extenso (sur l'incontournable poème de Louise Labé Je vis, je meurs). On se dit que cela va nous mettre certes dans le bain (J-2) mais que cela risque à la longue d'être également un peu fastidieux (et que dire pour les non-profs ?). On pense tout de même en passant à Gols (mais putain, vous faites quoi en cours, vous expliquez quoi ? Moi j'en serais incapable. Ben non.) mais on serre tout de même un peu des fesses : ce risque d'être un poil longuet (aucun détail ne nous est omis, du langage djeun's souvent maladroit aux multiples petites remises en place de la prof) et surtout un peu trop magique pour être honnête (tout marche comme sur des roulettes, les élèves, captivés, ayant qui plus est sacrément du répondant !). Seulement voilà, ce léger scepticisme de départ va vite disparaître au profit d'une vraie connivence avec les propos de fond défendus par le livre. Qu'il s'agisse de la croyance mordicus de cette prof en son rôle, des explications qu'elle donne aux élèves en essayant d'être au plus près de leur questionnement et de sa ferveur indubitable, qu'il s'agisse des raisons données notamment par une prof de philo pour expliquer les éventuelles raisons de ce curieux virus, qu'il s'agisse du combat sociétal qui s'engage à l'assemblée comme dans la rue pour lutter contre les propos insanes du parti "Sens unique" (pas besoin de faire de dessin), qu'il s'agisse de montrer la mauvaise foi ignoble des animateurs télé de la chaîne FFM (pareil), on se retrouve à chaque fois confronté à des problèmes diablement contemporains et à des pistes de réponse des plus fines.

 

On est pris par ce tourbillon de mots, par cette prof habitée, par cette optimisme forcené de croire encore et toujours au pouvoir des mots, au pouvoir des livres, et de l'enseignement - tout en laissant à tout un chacun sa propre liberté créative. Hinault s'amuse presque à chaque nouveau chapitre en pratiquant des formes littéraires différentes (roman, théâtre, scénario, poésie, émission de radio, rédaction, création des élèves...) et cette forme assez éclatée participe à cette prise de conscience générale  : tout est bon dans la création, quelle que soit finalement la forme - pour peu que chacun y mette ses convictions et un soupçon de réflexion. Un récit prof-éthique (ohoh) qui ne manque pas de souffle (oui, oui, il y a même de la romance) et qui croit encore en la lumière (de l'éducation) dans ce monde obscur (de rabat-joie). Nouveau maillot jaune pour la Caro. Ah merde, c'est déjà la fin des vacances.

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29 août 2026

Courts-métrages de Pedro Almodovar (1978-2020)

1978 : Salomé

Pourquoi les femmes doivent-elles porter le voile à l'église ? Pour vous rafraichir la mémoire, quoi de mieux qu'un court-métrage d'Almodovar (en 16mm s'il vous plaît), le dernier qu'il réalisa avant de passer aux longs. Ambiance champêtre et christique dans cette petite chose qui se distingue surtout par l'accompagnement sonore quelque peu décalé que le cinéaste propose. Abraham accompagne son fils Isaac, Agustin Almodovar, (et son petit flutiau) sur une colline. Là, il décide d'engager langue avec une jeune femme voilée, Salomé. Abraham, tout ébaubi, demande à la donzelle de danser - si elle s'exécute, elle pourra lui demander n'importe quoi. Il eut mieux  fait de tourner sept fois sa langue. Salomé s'exécute dans une lumière défragmentée quelque peu éblouissante (un effet spécial pas forcément du meilleur goût) et sur une musique emballante de corrida (la patte, pour ne pas dire la corne d'Almo). Abraham est aux anges, il fera moins le fier quand elle lui demandera la tête de son fils. Abraham est mûr pour une petite leçon divine, Dieu et sa voix caverneuse parlant par l'entremise d'un bûcher. Petite morale toute religieuse, certes, qui jure un peu avec l'idée que l'on se fait du trublion Almo. Sa signature est pourtant bien là, de ce générique d'ouverture à paillettes à cette musique classique finale grandiloquente un brin excessive, frôlant l'ironie. Se dit-on. Mais brisons-là, il a fini de faire ses armes, action !

 

1985 : Tráiler para amantes de lo prohibido ! 

Almo semble avoir quelque peu  détourné le projet initial : plutôt que de livrer un simple trailer pour son dernier film Qu'est-ce que j'ai fait pour mériter ça, il tourne un court d'une quinzaine de minutes aux allures de comédie musicale tragi-comique. Cela s'ouvre, sur un ton plutôt bon enfant, sur une séparation toute en chansons : elle le supplie, avec les deux gosses, de rester, il lui annonce qu'il se barre avec une troublante étrangère (Bibi Andersen). Notre femme dans la dèche, devant nourrir ses deux gosses, se prend finalement en main : c'est la remontada ; elle braque une pauvre bonne femme de retour du marché, rencontre un peintre musculeux, se prostitue. De son côté, son mari se rendra compte qu'il s'est fourvoyé (sa donzelle drague à tout va) et cherche à se venger sur son ex-femme (ben voyons !). Un final qui sonnera, piafement et féministement, comme un hymne à l'amour et à la liberté On oscille constamment entre tragédie et comédie : si les situations sont globalement dramatiques (largage, braquage, péripatétage), le ton est lui beaucoup plus léger : soit par le petit côté absurde, drolatique de la situation (la bonne femme braquée obligée d'enlever ses jupons), soit par les envolées musicales soudaines (de Bambino à Eartha Kitt en passant par Estela Raba reprenant magnifiquement le Je ne regrette rien de Piaf). Une petite gâterie pur jus du gars Almodovar qui marie avec deux francs six sous ses ingrédients de base.

 

2009 : La concejala antropofaga de Mateo Blanco (sic)

Carmen Machi, conseillère (de droite) aux affaires sociales, se lance dans un one woman show sur le sexe absolument hilarant (pourquoi ne me suis-je pas autant bidonné lors de la vision d'Etreintes Brisées? La trouille...?): depuis l'âge de quatre ans, elle ne pense qu'à mettre la main au "paquet" des mecs et regrette de ne jamais être tombée dans sa famille sur un pédophile (olé Pedro, il est cho!). Elle évoque, entre une part de flan qu'elle avale et un gramme de coke qu'elle se fourre dans la narine, ses obsessions sexuelles et parle notamment de son fantasme sur les gros orteils des mâles - les petits conseils qu'elle donne face caméra sont à tomber. Avec son débit de mitraillette, elle enchaîne une bonne vingtaine de vulgarités sexuelles (ouh là, super choquant) en douze secondes et en cinq minutes parvient, à la fois, à nous faire fondre de rire et à nous donner envie de voter à droite (je déconne, attention) "Franco, c'était bien, mais pour le sexe...". Du Almodovar pur jus au niveau de l'écriture, indispensable court pour les fanas du Pedro, définitivement en pleine bourre. Viens là que je t'étreigne mon gars, quand même.    

 

2020 : La Voix humaine (The human Voice) 

Toujours pas de salle de cinéma mais la vieille garde continue de faire des films. Almodóvar nous livre une œuvre à demi-jauge (une trentaine de minutes) en adaptant librement le gars Cocteau. L'occasion pour lui de mettre en avant la mélodramatique Tilda Swinton : un décor de studio à peine dissimulé (l'occasion pour Pedro de soigner son intérieur et de fourbir l'appart de divers portraits de femme se mettant à nue), une rupture amoureuse, un dernier coup de fil pour faire le bilan... L'occasion pour la Tilda de dire tout ce qu'elle a sur le coeur, sa tristesse, son désespoir, sa joie d'avoir passé quatre années à ses côtés, sa détresse, sa colère, son acceptation, son calme... avant un ultime geste en forme de pied de nez, un ultime geste pour que la phénix Tilda puisse renaître... Tilda avoue que cette liaison lui a fait perdre son humour, un peu comme Pedro en quelque sorte, dont ressort ici uniquement l'emportement amoureux et la déception qui s'en suit. C'est lyrique (grande nappe musicale), c'est mordant (la Tilda s'emporte, s'emporte parfois), ça monte puis cela retombe un peu mollement - on regarde la prestation de Tilda en connaisseur, à distance, sans jamais que l'émotion nous touche ; oui, les couleurs sont vives, oui la mise en scène n'est jamais statique, oui c'est un portrait de femme passionnée, emballée, lucide comme Pedro les aime, mais avouons que ce petit morceau de bravoure est un peu court en bouche - pas vraiment de truculence, de causticité, de regard grinçant et on soupire un peu devant cette petite chose bien faite mais sans réelle plus-value, un peu à l'image de ce chien qui joue très bien l'exaspération. Eh oui, ça va lui faire 72 ans au Pedro, plus le temps des cabrioles rigolotes (mais avec pas moins de quatre projets sous le pied : la vieille garde, le retour !). Un almos calmos où sa petite voix tente de surfer sur cette déchirante et déchirée humanité... Trop attendu.

 

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29 août 2026

LIVRE : Mais que fait ce sang sur le pull de Jennifer ? de Lucie Rico - 2026

"Devant Autant en emporte le vent, Vivien Leigh et Clark Gable vont s’embrasser quand quelqu’un appuie sur pause et". C'est devant le gouffre de cette phrase inachevée que s'ouvre le roman de l'excellente Lucie Rico, qui avait déjà su nous interloquer il y a quelques années avec GPS. Dans un élan qui a tout à voir avec la littérature, elle butte sur l'inachèvement de cette pensée, sur l"impossibilité de mettre un point final à ce souvenir. Après la perte de la touche "point" de son clavier, puis des touches "A" et "U", voilà Jennifer, narratrice du livre, face à une perte encore plus grande : pourquoi cette phrase lui tourne-t-elle dans la tête, comment se termine-t-elle ? En gros que s'est-il passé dans cet instant de son enfance, où elle regardait Autant en emporte le vent avec son grand-père, instant qui, elle l'a vu en flash, se termine par une tache de sang sur son pull. Elle part donc pour une enquête qui vire peu à peu à la folie pure, reconstituant soigneusement tout le contexte de ce moment-là (décors, émotions, accessoires), pour tenter de découvrir quel est ce trauma enfoui, qui peut aller d'un simple petit incident à l'assassinat du chien de la famille, du coup porté à beaucoup plus grave. Le spectre de la violence familiale, de l'inceste, de l'abus sexuel plane bien entendu ; mais Rico désamorce sans arrêt la gravité de son propos par son humour, par l'absurdité de ses situations, par le portrait de son personnage obsessionnel qui quitte tout, ville, famille, amis, amoureux, pour se concentrer sur cet infime instant de son enfance. Et de fait, le roman nous emmènera vers des pistes inattendues. Rico a toujours ce talent pour nous surprendre, non seulement dans son écriture, en porte-à-faux avec le sérieux de son sujet, mais aussi dans la déroulé de sa trame. 

 

Perdre tout pour finir une phrase : c'est sûrement une obsession d'écrivain que Rico met en scène ici. L'achèvement de la phrase tient de l'enquête policière, et une manière de donner un sens à son existence entière. En filigrane de cette quête intime, il y a le portrait d'une famille étouffée par les non-dits : l'enquête de Jennifer déclenche de vieilles rancunes, des méfiances, des malveillances de la part de sa grand-mère, de sa tante, lui prouvant qu'il y a bien là, un nœud, un truc nié qu'il faut mettre à jour. Le roman décrit la quête de soi, de son passé, de son identité, au travers de la perte d'une phrase, qui représente aussi la perte de soi : l'écriture du livre acte la distorsion du langage chez la jeune fille, et l'aliénation de ses rapports sociaux et amoureux. La puissance du concept n'empêche pas le livre d'être dynamique, passionnant, drôle, étonnant et très bien tenu. Même si on aime moins le tout dernier tiers, Rico donnant une issue à son histoire un brin décevante vu le suspense qu'elle a mis en place, on est charmé par l'intelligence de Mais que fait ce sang sur le pull de Jennifer ?, livre brillamment complexe, déstabilisant, mais récréatif comme un polar (ou comme un texte de Perec). 

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Tags: Rico

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28 août 2026

The Loveless (1981) de Kathryn Bigelow & Monty Montgomery

Un premier film de Bigelow (qui était apparemment surtout en charge de la direction d'acteurs) et de Montgomery (plus axé sur l'aspect technique) qui nous ramène à la fin des fifties, au côté d'une bande de motards (la Harley, le blouson en cuir, la consommation intempestive de bière, le côté mauvais garçon mais un état d'esprit définitivement libre, bordel !). L'un d'eux, Willem Dafoe (dans son tout premier rôle crédité), incarne Vance : il noue une relation avec une mineure, relation qui sera subitement interrompue par le père d'icelle. Cette petite troupe de motards, qui cherche à rallier Daytona pour assister aux courses automobiles, a fait en effet une escale dans un bled paumé du sud, suite à une avanie (la chaîne de l'un d'eux l'a lâchée). Aux yeux du gang, cette ville n'est qu'une poubelle composée d'un ramassis de Rednecks peu accueillants... Entre la bande des blousons en cuir et ces Rednecks, alors que le jour tombe, alors que chacun s'avine, la tension monte. Jusqu'au drame, bien entendu.

Bigelow semble surtout, dans un premier temps, s'être intéressée à cette équipée sauvage (référence obligée) qui trace sa propre route, littéralement, son propre destin (ils vont nulle part, comme l'annonce fièrement Vance, mais "vite"). Une bande de types plus ou moins gouailleurs, pas très futés au premier abord et dont le prétendu chef, Davis (Alec Gordon), reste la plupart du temps collé à sa blonde - des loups solitaires qui vivent en meute, mais la caution féminine reste bienvenue... Leur occupation favorite entre deux bières et trois Lucky Strike ? Se lancer un couteau entre les jambes. Petit jeu qu'ils pratiquent en triangle et qui semble finalement à leur image : une violence d'apparat qui tourne à vide. On se chambre, on se provoque, on s'ennuie en attendant de reprendre la route... Seul Vance, en flashant sur cette femme-enfant résolument sortie de nulle part au volant de sa voiture de sport, va mettre cette escale à profit en flirtant avec cette très jeune fleur sauvage. Deux jeunes amants en devenir qui verront surgir dans le motel où ils fricotent un père en furie : la réflexion des plus malaisantes que fait la jeune femme à l'égard de ce père sent définitivement la poudre...

Nos motard n'ont sûrement pas inventé la poudre, quant à eux, ne sont pas d'une finesse extrême (on pourrait relever leurs regards très appuyés sur le derrière de la serveuse du resto en bord de route dans lequel ils ont trouvé refuge, tout comme l'attitude très cavalière de Vance lors de la scène d'ouverture auprès de la femme qu'il vient de dépanner - il est sorti de prison il y a un an, apprend-on en intro, il ne s'est guère civilisé depuis), mais au moins ils sont libres comme l'air, sans jamais véritablement chercher les embrouilles. Les autochtones, eux, disons-le, sont assez gratinés. Jugeant de haut cette bande de motards, les comparant volontiers à des animaux voire à des communistes (on sent bien que pour eux c'est pire...), ils se retrouvent le soir dans des bars et assistent, suintant l'alcool par tous les pores, au strip-tease donné par la serveuse du resto décidément sur tous les front (depuis qu'elle est veuve et qu'elle a choisi de rester dans ce trou, on sent bien qu'elle n'a plus rien à perdre - à part quelques vêtement négligemment jetés). Elle participera en quelque sorte également à faire monter la pression auprès de ces hommes, ayant bien du mal à contrôler leur testostérone. 

Si jusque-là, on avait pu apprécier ces plans très soignés, très propres, ce soin particulier apporté aussi bien aux costumes (ce cuir qui gaine les motards) qu'aux décors (ces lieux incontournables des bleds américains : resto où le café coule à flot, garage merdique et paumé, motel pour instants torrides, bar à l'atmosphère irrespirable), c'est surtout dans la dernière partie qu'on prend un certain plaisir au niveau purement technique :  la mise en place de montages alternés fait inexorablement monter la tension ; et ce ne sont pas simplement deux séquences qui alternent mais plusieurs qui seront judicieusement entremêlées... Ce montage nous permet ainsi de suivre dans un premier temps deux scènes assez sensuelles - et d'une ironie cuisante envers Davis : alors que ce dernier se rince l’œil en suivant, à l'intérieur du bar, le strip-tease de la serveuse, sa blonde, en train de fumer une cigarette à l'extérieur, se laisse totalement aller entre les mains d'un gars du coin... On pense que cela va être à l'origine d'un règlement de compte sanglant entre les deux camps (motards vs Rednecks) mais les agissements d'autres personnages que l'on suit en parallèle (Vance qui picole le regard hagard, le père de la jeune fille qui pète un plomb contre les motards... et j'en passe) vont accélérer le mouvement et aboutir à un coup d'éclat aussi surprenant... que finalement assez prévisible - Bigelow est à la barre et tient son premier rôle de femme forte et fatale... Une œuvre au final qui se contente, dans un premier temps, de poser très gentiment ces différents personnages paumés dans ce lieu morne (heureusement que la bande-son omniprésente et les multiples tubes rockabilly permettent de donner tout de même un peu de rythme à l’œuvre), qui ne fait pas vraiment preuve, au niveau des personnages et du récit, d'une très grande originalité (Dafoe fait heureusement preuve d'un certain charisme) mais ce soin apporté tout du long aux cadres, et cette science du montage qui explose en toute fin, permettent malgré tout de donner à ce premier film un certain cachet. On pourra et devra s'en contenter.

 

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28 août 2026

LIVRE : C'était ça ou mourir de Thélyson Orélien - 2026

C'est toujours pareil : on en a lus, des témoignages d'exil, des récits de guerre civile, des pays bousillés et des hommes en perdition, de Laurent Gaudé à Gaël Faye, de Beata Umubyeyi Mairesse à Emmanuel Darley, et on croit donc, en commençant ce nouveau livre qu'on va avoir droit aux mêmes tristes événements, aux mêmes morts injustes et aux mêmes péripéties. Thélyson Orélien, en tout cas son narrateur Jonas, est un professeur d'Haïti ; mais la soudaine prise de pouvoir du pays par une bande de viandards à la gâchette facile et au sens de la justice fluctuant oblige cet homme cultivé, mesuré, tranquille, à quitter son île et à entamer un voyage vers le Canada. Sa traversée de la République Dominicaine, puis de la mer des Caraïbes, puis d'une partie de l'Amérique du sud par la jungle, puis de l'Amérique Centrale, puis des Etats-Unis, le tout à pied et sans autre richesse qu'un sac Carrefour, sera un véritable enfer, une odyssée terrifiante jonchée de cadavres, de misère humaine, de dénuement, de violence, d'humiliations, de soucis administratifs kafkaïens, et d'attente infernale pour pouvoir accéder enfin au pays de Cocagne... qui s'avèrera pas si parfait que ça. Un récit qui laisse franchement bouche bée : les aventures de ce type marchant inlassablement au travers d'uns société violente et indifférente, voire barbare et humiliante, sentent la vérité à plein nez. Je ne connais pas l'auteur et ne sais donc pas s'il a réellement vécu ce cauchemar ; mais il sait en tout cas restituer génialement le quotidien de ces migrants prêts à tout pour atteindre leur but, subissant des avanies absolument incroyables, qui m'auraient personnellement tué au bout de 2 jours et qu'ils endurent pendant des années. C'était ça ou mourir respire l'authenticité : c'est tellement incroyable que ça ne peut qu'être vrai.

 

Car au-delà des mille catastrophes qui émaillent ce voyage (ça va d'une traversée de la jungle de plusieurs semaines, où on sème les cadavres comme d'autres les cailloux, à l'enfer administratif autour d'une application décidant de votre sort à la frontière des USA, d'une milice qu'il faut faire rire sinon c'est une balle dans la tête à un voyage surchauffé à 50 personnes dans un bus prévu pour 12), ce qui fait la véracité du livre, c'est l'étonnante personnalité du narrateur, et le style inouï que Orélien met en place. Jonas apprend la survie sur le tas, et fait preuve d'une pugnacité qui force le respect : prêt à tout (sauf se renier et perdre son sac plastique contenant toutes ses affaires (une photo de sa mère)), il fait preuve d'un don de résilience, d'une patience, d'un courage étonnants. Au départ, c'est un intellectuel, un homme raisonnable et pondéré ; mais son aventure le pousse à exercer mille métiers de merde (cireur de souliers, maçon, clown, bénévole pour des ONG), à trouver en lui des capacités qu'il ignorait. Il découvre surtout la solidarité dans le malheur, et le livre excelle à faire ressentir l'existence de cette petite société qui vit en marge de la nôtre, peuple discret de gens miséreux, oubliés de tous, qui vit d'expédients en attendant le Graal du passage de la frontière. Le style d'Orélien est vraiment surprenant, mélange de poésie et d'un certain humour, de grandes envolées dans les moments les plus spectaculaires et d'apaisement pour décrire ses frères humains. Une écriture d'une belle puissance en tout cas, qui donne une densité à ce qu'il croise, paysages et êtres humains, et fait sortir le texte du simple récit "journalistique" en lui faisant gagner densité et incarnation. Vous l'aurez compris : j'ai beaucoup aimé ce bouquin. Comme quoi Grasset n'est pas complètement encore aux mains de Satan.

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Tags: Orélien

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28 août 2026

Truly Naked (2026) de Muriel d'Ansembourg

On glisse, en rajoutant à peine un peu de gel du BDSM de Kika au porno brut de Truly Naked. Que voulez-vous, il a fait chaud cet été. Alors, après ces petites phrases liminaires pour la forme que signaler ici ? Déjà dire que c'est un peu dommage que le film qui s'adresse, on va dire, surtout aux ados, sur le fond, soit interdit au moins de seize ans (avec avertissement, en plus !). En quoi cela est-il bêta ? Le film fait un constat simple, évident : plus on est exposé tôt au porno, plus il nous sera difficile, aussi bien dans nos relations affectives que dans nos pratiques, de s'en défaire. Rien de bien nouveau sous les sunlights, si ce n'est que le film décide de s'attaquer frontalement à la chose (ce qui n'est pas si courant, reconnaissons-le). Mais évoquons tout de même en deux mots l'histoire, en prémice de notre petite analyse. Alec est un élève réservé. Depuis la mort de sa mère ? Disons, déjà, que le petit boulot qu'il fait le week-end n'est pas commun : il prend des photos de femmes dans des postures très suggestives, juste avant de les filmer en train de copuler avec son... père. Oui, le père d'Alec a l'esprit, on peut le dire, assez ouvert ; il avait d'ailleurs lui-même rencontré sa femme sur un tournage... ce qui fait que ce petit cachottier d'Alec a été initié au porno in situ dès l'âge de cinq ans (ça va de plus en plus vite, madame). Bref. Alec va nouer une relation des plus amicales avec l'une de ses camarades de classe, Nina, avec laquelle il est justement censé faire un exposé sur la dépendance au porno sur les réseaux (on remarquera une certaine ouverture d'esprit générale en Angleterre)... De fil en aiguille, forcément, Alec et Nina (dont la mère est, elle, d'un féminisme pleinement assumé) se rapprochent : l'un a une certaine expérience (visuelle) de la chose, l'autre une conception moderne et égalitaire de la femme : le passage à l'acte ne risque-t-il pas d'être périlleux ou glissera-t-il simplement sur des roulettes ?

Quelques scènes forcément sexuelles (même si on ne tombe jamais dans le porno pur, on ne filme pas en gros plan les organes en pleine action pour être précis - il le faut, être précis, ne serait-ce que pour signaler qu'il n'y a pas non plus ici de voyeurisme grossier) mais qui finissent très rapidement par être au second plan de l'histoire. Ce sur quoi la cinéaste se focalise, ce sont les impacts que cette " (non)-éducation sexuelle ultra précoce", ou disons pour être plus juste, que cette "exposition très précoce à des actes sexuels très codifiés" ont pu avoir sur Alec. Entre l'esprit de reproduction (...) de ce que l'on voit et les dommages que cela peut provoquer, entre autres, sur le plan affectif, il y a en effet du grain à moudre... La cinéaste, là encore, n'apporte pas franchement une réflexion révolutionnaire par rapport à cela, mais elle montre, tout de même, avec un certain tact et une certaine justesse, comment notre gars Alec est empêtré dans des schémas, dans certaines représentation d'un autre âge (le patriarcat, youpi !). C'est honnête, dirons-nous, au niveau du traitement, même si on se dit qu'on n'avait pas, personnellement, forcément besoin d'une telle démonstration : elle serait indéniablement plus pertinente auprès des plus jeunes... auquel le film est interdit. C'est un peu cornélien (il faut appeler une chatte une chatte, mais cela va vite trop loin graphiquement parlant...). C'est forcément un blème. Notons tout de même, avant de se quitter bons amis, que la cinéaste se permet quelques scènes qui oscillent fébrilement entre comique et malaise : ce combat entre un père et son fils à grands coups de bites en plastique d'une belle taille (qui rendrait forcément jaloux tout Jedi) ou encore cette scène d'amour crade avec un poulpe (vous hésitiez ? mauvaise idée). Autant de petites provocations qui prennent un véritable sens, celui de montrer tout le pathétisme terrible de ce père à côté de ses pompes et de son slip. Une thématique originale, certes, un traitement parfois audacieux, moui, mais une œuvre parfois un peu trop laborieuse qui tombe malheureusement en grande partie à côté de sa cible.

 

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27 août 2026

Cendrillon (Cinderella) de Clyde Geronimi, Wilfred Jackson et Hamilton Luske - 1950

Il y a vraiment quelque chose d'éternel dans les Disney des années 50, surtout ceux signés du trio Geronimi, Jackson et Luske. Malgré le côté sirupeux assez insupportable, on y trouve non seulement des petits bouts d'enfance bien conservés, mais surtout une technique franchement éblouissante, qui transcende avec éclat l'aspect catho de droite. Dans la lancée de ses adaptations de récits enfantins classiques, il s'attaque cette fois à Cendrillon, conte édifiant qui apprend qu'il ne faut jamais renoncer à ses rêves de prince charmant, et que, si vous avez une citrouille, un vieux chien, une marraine fée et le pied menu, vous pouvez prétendre, vous aussi, à vécure heureux et eure beaucoup d'enfants. Bon, on connait par cœur l'intrigue, que les auteurs dopent ici à l'action et au rythme par l'adjonction d'éléments extérieurs tout à fait délicieux : la présence du chat Lucifer, méchant par nature, obèse et con comme un panier, met du peps dans le monde parallèle à celui de Cendrillon ; et surtout ces petites souris, à la voix irrésistible (en VO en tout cas), sont de vrais appels du pied au cartoon traditionnel, celui de Tex Avery ou des Looney Tunes, celui de l'action, de la course-poursuite. On se rend compte que leurs aventures prennent beaucoup de place dans le métrage, et même deviennent plus intéressantes que le motif principal. Les mésaventures de la pauvre Cendrillon bonne à tout faire, souffre-douleur de ses sœurs et de sa belle-mère, avide de s'émanciper dans les bras du riche et bel aryen de service, passent au second plan et c'est tant mieux : cette histoire est assez conventionnelle et est traitée, graphiquement, dans une suite d'images d'Epinal assez vomitives (les scènes de bal et d'amour entre le prince et Cendrillon ont l'air de sortir d'une boîte de pastilles Vichy des années 50).

Plus que le lisse de ces personnages trop parfaits pour être cinégéniques, c'est donc à ceux qui sont ridicules que va notre préférence : les souris et le chat, mais aussi les sœurs, assez rigolotes de fatuité, les émissaires du palais, maladroits et serviles, le roi, colérique malgré son nanisme, le chien pataud, etc. Les auteurs ont réussi à construire autour du motif principal de Perrault toute une faune qui non seulement tient le coup, mais dynamise le conte, le charge d'humour et de vie. Au niveau formel, c'est la grande époque de Disney : tout est parfait. Des mouvements des personnages, criants de vérité, au montage, impeccablement rythmé, des voix aux couleurs, des décors aux chansons (ah non, pas les chansons), on est vraiment dans l'excellence, un univers entier reconstitué, cohérent, qui est un peu l'archétype de ce qu'a su faire le bougre à une époque : créer un monde plein de dangers et d'aventures, certes, mais rassurant, où il fait bon se retrouver, repérable mais autre, où la magie, les souris qui parlent et les happy-ends existent ; bref, l'Enfance, tout simplement. Les chefs-d’œuvre de Disney ne sont pas si nombreux que ça, mais on peut compter Cendrillon parmi eux. 

 

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