Shangols

Celui par qui le Scandale arrive (Home from the Hill) de Vincente Minnelli - 1960

Shangols — Mon, 13 Feb 2012 03:00:00 GMT

C'est pas rien, ce Home from the Hill : 2h30 de mélodrame comme on dit flamboyant qui viennent creuser en profondeur dans le mental d'un jeune homme perdu, tout en laissant toute leur place au glamour et à l'aventure, le tout dans un style éblouissant d'intelligence et de beauté. On en a pour son argent, c'est le moins qu'on puisse dire.

Analyser ce film dans le détail relève de la gageure, tant tout semble signifiant là-dedans, tout cache une symbolique hyper-fine et tout sert le sujet. Il est question ici d'angoisses existentielles tout à fait captivantes : le sentiment de paternité est-il dans les gènes ou doit-il s'acquérir ? Qu'est-ce que la virilité ? Peut-on pardonner l'impardonnable ? Comment réussir sa vie entre sentiment et force ? Quelle différence entre hommes et femmes ? Comment devenir adulte ? Eh oui, il y a tout ça là-dedans, c'est dire l'ambition de Minnelli. Et le plus bluffant, c'est qu'il aborde toutes ces questions de front et qu'il donne des pistes intéressantes sur chacune. Il plonge son jeune héros dans un décor fabuleux, entre marais glauques et maison familiale rouge et or, entre naturalisme sublime mais dangereux et banlieue confortable mais trouble. Deux mondes opposés qui symbolisent bien le déchirement intérieur du gars : sa mère lui a donné une éducation toute de sensibilité et de douceur, mais son père décide de prendre les choses en main et d'en faire un homme (entendez un gars qui encaisse le whisky, traque le sanglier et fascine les femmes). Tenté par ce nouveau monde qui s'offre à lui, il va vite se rendre compte que rien n'est tout noir ou tout blanc, que ce qu'il croyait immuable (l'amour, la fraternité, la beauté du monde) peut cacher de sombres aspects, et son éducation va finalement consister en une revendication de liberté enfin trouvée.

Ce n'est qu'une des dizaines d'histoires de ce film hyper-complexe, qui fouille au plus profond de chaque être, ouvre sans arrêt de nouvelles perspectives psychologiques dans chaque cerveau. Tous les personnages sont sublimes, de la mère habitée par la rancune au frère viril par défaut, du père atterré par son pouvoir à la jeune fille déjà fascinée par la bourgeoisie. Mais c'est bien sûr le fils qui sidère le plus par sa complexité : Minnelli creuse le personnage jusqu'au bout du bout, dans une compréhension parfaite de ce qu'est un jeune homme dans cette Amérique des petites villes enfoncée dans sa culture virile (on est au Texas), mais rêvant d'une nouvelle vision des choses (on est en 1960). Depuis sa naïveté première jusqu'à son émancipation finale, Minnelli lui fait traverser des épreuves qui vont forger un homme, en dehors de ce que ses parents avaient voulu, libre et seul, autonome et dents serrées. Profondément touchant, ce personnage rappelle le James Dean de East of Eden, torturé, enfant et adulte en même temps.

N'importe qui en aurait fait un beau film de dialogues ; Minnelli en fait un spectacle éblouissant. Sa science des couleurs, son sens du rythme, son goût pour les détails, et surtout son talent pour donner de l'ampleur à chaque événement, éclatent à chaque plan. Il y a quelques séquences tout simplement géantes, comme cette chasse au sanglier au sein d'une nature sublimement déifiée par les couleurs, ou comme ces conversations père/fils dans la pénombre de salons trop riches pour être honnêtes. Quant au dernier quart-d'heure, c'est la perfection même, une montée en puissance du scénario et du tempo qui laisse sur le cul. La direction d'acteurs (surtout pour les deux garçons principaux) est impeccable, Mitchum étant presque pour sa part relégué dans l'ombre avec ce rôle malaisé et ambigu dont il a le secret. De scène en scène, on ne cesse de hurler de plus en plus fort au génie. Aucune réserve. (Gols 04/02/09)

C'est en effet une véritable saga familiale que ce Home from the Hill qui finit par laisser tout pantois et les bras ballants. Minnelli est UN metteur en scène sachant user les décors comme jamais : ceux-ci viennent en effet véritablement prendre part aux portraits psychologiques de chacun des individus, des individus dont il narre ici les trajectoires, les destins ; commençons donc par le pater familias, Mitchum, le père pêcheur, l'homme qui paie non seulement ses écarts personnellement - il est un véritable gibier pour les maris jaloux - mais dont les choix qu'il a faits tout au long de sa vie vont être lourds de conséquence pour chacun des membres de sa tribu : sa femme qui reste à ses côtés à cause d'un curieux pacte qu'ils ont passé ensemble une vingtaine d'années plus tôt - la voie de la véritable rédemption dans le coeur de son mari s'annonce longue (et vice versa) ; un fils (en raison de ce pacte), couvé par sa mère, qui va se voir encadrer "à sa majorité" par deux tuteurs (son père et son demi-frère) pour qu'il fasse enfin ses premiers pas sur le chemin de la maturité mais qui devra ensuite trouver sa propre voie vers l'émancipation - en payant lourd les péchés du père... ; un "bâtard" - une "erreur de jeunesse" du gars Mitchum qui n'a jamais voulu considérer cet être comme son propre fils - qui, après avoir subi toute sa vie, va savoir au moment opportun prendre, lui, toutes ses responsabilités - comme pour racheter, d'une certaine façon, les pêchés du père...

Dès la première sortie en forêt de nos trois hommes, il y a des émanations de soufre qui s'échappe d'un lac et l'on sent que ce lieu aura forcément une valeur symbolique tout au long du récit : le "fils de famille" s'en approchera dangereusement lors de cette chasse initiatique - la fabuleuse séquence du cochon sauvage - qui lui fera en quelque sorte marcher sur les traces de son père (il ne cessera au cours d'une autre initiation - amoureuse celle-ci - d'être victime de cette "identification" au père), un lieu dans lequel il lui faudra revenir à la fin pour "venger (la mémoire de) son père" : comme pour être quitte à jamais avec cette figure "imposante" - c'est le moins qu'on puisse dire...

On pourrait également souligner dans ce film la très belle relation qui se noue progressivement entre les deux jeunes gens, le "bâtard" qui ne refuse en rien de jouer au "grand frère" et le fils de famille empoté (de la chasse au "dahu" (...) à l'invitation d'une fille à un bal qu'il n'ose faire lui-même...). L'un assume totalement son rôle malgré tous les griefs qu'il pourrait avoir à l'encontre de son père, l'autre saura en temps voulu faire un pas en direction de ce frère longtemps ignoré, à l'origine de la brouille avec son père (bien aimé la position du fusil sur le mur, à l'arrière plan, lorsque le fils tente justement de régler ses comptes avec ce père et tire sur celui-ci à boulets rouges...). Jusqu'au bout, il va y avoir une véritable solidarité entre les deux sans que l'image - et surtout le comportement du père - vienne bouleverser cette entente. Enfin, comment à son tour ne pas dire un mot de l'usage des couleurs de ce film, de ce jaune couleur de soufre aux tentures rouge-sang des intérieurs (utérins...) : la démonstration est à ce point bluffante qu'on a franchement l'impression que la couleur, au cinéma, a été inventé POUR Minnelli - ah si franchement. Après de tel film, je pense que beaucoup de réalisateurs auraient dû définitivement se cantonner au noir et blanc. Belle œuvre, je dirais même plus... (Shang 13/02/12)

La Fille du Désert (Colorado Territory) (1949) de Raoul Walsh

Shangols — Sun, 12 Feb 2012 10:39:00 GMT

C'est vrai qu'on commence un peu d'attaquer les fonds de tiroir en ce qui concerne les films noirs, mais il y a toujours une petite perle à découvrir, cachée sous un vieux mouchoir en soie... Cela dit, quoi de mieux après quelques poignées de vieilles série B, qu'un western de série A ? On s'attaque à du Walsh, c'est po de la ptite laine et disons-le franchement, ce Colorado Territory n'est franchement que du bonheur. Un héros (Joel McCrea) qui pourrait peut-être entrevoir la voie de rédemption (on peut toujours prier dans le désert... ou sur un sol lunaire), une beauté blonde (Virginia Mayo) peut-être un tantinet vulgaire (où trouve-t-elle son rouge à lèvres dans le sable ?) à se damner, de l'action en veux-tu en voilà (attaque de diligence aux petits oignons, braquage de train à tomber...), des paysages qui font froid dans le dos (La Vallée de la Mort et cette Cité de la Lune qui portent bien leur nom), de la trahison qui se paie haut et court... Cette version westernienne de High Sierra (cela fait forcément tilt dans la dernière partie... On est finalement pas si loin du noir...) est une réussite indiscutable - et indiscutée, nan ?

Quand Wes McQueen (McCrea) parvient à s'échapper de prison grâce à une chaussette en laine filée par sa grand-mère ("Ah, il est bien gentil, mon petit, peut-être un peu espiègle... - Oui enfin, il a quand même braqué une poignée de banques, mère-grand"), on sent qu'on est déjà dans de l'amour (filiale). McCrea dans sa cavale aura d'ailleurs l'occasion de passer par toutes sortes d'émotions et de relations : la bonne amitié franche, l'amour trahi, la tentative de coup de poignard dans le dos par ses associés, le grand amour... Il y a de quoi vibrer, mes amis. On vibre d'ailleurs tout autant et avec le même petit filet de salive au coin des lèvres (non point que je devienne gaga - quoique... - juste par plaisir gourmand cinéphilique) lorsque l'on enclenche la quatrième vitesse : rarement vu des chevaux aussi bien filmés - ces plans légèrement de traviole sur des bourrins lancés à fond les bidons lors d'une course poursuite de folie (les chevaux de la diligence te prennent de ces virages au cordeau !...) - et une attaque de train aussi maline : McQueen sait qu'il se rend directement dans la gueule du loup (se sachant attendu au tournant par ses "associés" et par les hommes du shérif alertés) mais c'est un rusé renard qui sait se méfier des corbeaux... Petite balade sur le toit du train en toute décontraction et petite leçon de survie donnée à chacun. On applaudit à deux mains.

Mais Colorado Territory narre aussi la rencontre avec la sauvage (cachez ces seins que je ne saurais voir - par pitié) Colorado Carson. McQueen a beau lui jeter à peine un regard lors de leur première rencontre - la blonde est chafouine, certes -, jeter son dévolu sur une jeune femme bien sous tout rapport (Dorothy Malone qui lui rappelle son amour de jeunesse... C'est jamais bon les transferts, mon ami...), il finira bien par se jeter à ses pieds. Il y a la séquence incontournable dans une église désaffectée qui le fait bien et on sent que notre couple de tourtereaux n'est finalement pas si loin du ciel sur terre... sauf que, sauf que, quand tu as trois mille hommes à tes trousses dont des indiens à l’œil perçant et 20.000 $ de récompense sur ta tronche, ça sent la tragédie. Sitôt que l'intrépide McQueen avec quelques impacts de balles dans le corps se réfugie dans une ville fantôme, tu te mets à penser maladivement à High Sierra et tu sais qu'il faudrait plus qu'un miracle pour que notre couple s'en sorte indemne... ; coup de bol, il n'y a po de chien dans le désert : on pourra au moins épargner une larme si le pire survient... Le final est absolument grandiose, je ne vous dis que ça ; bref, un indéniable incontournable du gars Walsh ("Et mes jambes, tu les aimes, mes jambes ? Poreil...")

Téhéran (Tehroun) de Nader T. Homayoun - 2009

Shangols — Sat, 11 Feb 2012 10:33:00 GMT

Très bonne surprise que ce petit film tourné quasi-clandestinement dans les petites rues de Téhéran, qui a d'abord tout du documentaire social puis vire doucement au pur film noir. Le scénario est franchement un modèle d'équilibre : Homayoun parvient à nous captiver tout en nous orientant systématiquement vers de fausses pistes ; son film est du coup inattendu, très surprenant. Et comme en plus il est plutôt très réussi techniquement (malgré l'évidente faiblesse de moyens), on ressort de là tout content.

Ibrahim est un gars qui tente de s'en sortir dans cette chienne de vie, petit personnage dardennien qu'on ne cesse de découvrir tout au long du film. On le cueille à la première image un bébé dans les bras, en train de mendier de voiture en voiture : on apprend qu'il est veuf, qu'il rame, qu'il vit avec deux potes... à moins qu'il soit marié, sans enfant... à moins qu'il soit un brillant escroc... à moins qu'il soit encore autre chose... Le film démonte une à une toutes les certitudes qu'on avait acquises lors des premières scènes se dévoilant subtilement en parallèle avec la découverte de la ville. Celle-ci, filmée entre Nouvelle Vague française et docu américain, est magnifiquement rendue dans son visage ordinaire, celui des petites rues sans grandeur, des halls de gare, des banlieues grises, voire des beaux quartiers remplis de villas enfermées derrière de hauts portails. Homayoun est loin des cartes postales, tentant de rendre justice à la vérité de la ville. Il y parvient avec beaucoup de subtilité, réalisant une sorte de road-movie intime (presque à la Rohmer) à travers les quartiers populaires de Téhéran, sans jamais lâcher sa trame.

Peu à peu, on tombe dans une glauque histoire de prostitution, de vol de bébés, de mafia, de règlements de compte, le film mettant son point d'honneur à nous plonger dans le drame avec finesse et subtilité. Ce qui avait commencé comme du Rossellini se poursuit en film de mafia, et on suit bouche bée la descente en enfer de notre bon gusse qui a eu le tort de pousser le bouchon un peu loin. Les personnages ne sont jamais ce qu'ils sont en surface, le scénario les aborde dans tous leurs mystères, et les scènes qu'on croit les plus évidentes cachent en fait de nombreux tiroirs qu'on découvre avec beaucoup de plaisir. La dernière scène est franchement à la hauteur d'un James Gray dans son mélange de distance (plan lointain en plongée sur une gare) et de proximité (son net), le drame se nouant de façon très simple et très crue. Comme en plus, la chose n'est pas dénuée d'humour (le très joli second rôle du copain à lunettes, mélange d'une grande douceur et d'une virilité surjouée), comme la musique (pour le coup très occidentale) est bien sentie, comme les acteurs sont irréprochables, on en redemande franchement. Comme quoi on peut faire des films en Iran sans s'appeler Kiarostami ou Farhadi et sans tomber dans le cliché du cinéma mondialisé. Nader, salam aleikoum.

Dans la Gueule du Loup (The Mob) (1951) de Robert Parrish

Shangols — Sat, 11 Feb 2012 06:07:00 GMT

Voilà une excellente petite surprise signée Robert Parrish avec mon vieux Broderick Crawford (po vraiment un physique de jeune premier mais plutôt de déménageur) en infiltré. Il foire l'arrestation d'un tueur (superbe scène d'ouverture (une pluie torrentielle nocturne qui donne du cachet dès le départ à ce film noir) : un homme vient d'en abattre un autre, notre Crawford survient et se fait rouler dans la farine quand le tueur lui tend un badge de policier avant de s’éclipser) et comme il est le seul homme à avoir entre-aperçu l'assassin, il se voit confier une dangereuse mission ; Crawford change de look et cherche à se faire employer comme docker ; il ne va pas tarder à se faire remarquer par la pègre locale et va se retrouver embringué dans plusieurs coups fourrés - qui vont forcément lui permettre de remonter jusqu'au sommet de la pyramide mafieuse. Son dernier contrat sera plutôt bonnard, vu qu'on lui demandera d'assassiner... lui-même (lors du premier incident dont il a été témoin, le journal avait fait paraître la photo du "flic suspendu" incapable de procéder à l'arrestation... S'il s'agissait bien de son nom, ce n'était forcément point son visage).

Crawford est couillu et va devoir tracer son petit bonhomme de chemin en solo. Comme on soupçonne certains policiers d'être mouillés avec la mafia, il devra même se taper plusieurs interrogatoires serrées sans pouvoir dévoiler son identité. Mais l'ironie de la chose, c'est qu'il y a également, dans son entourage, un autre flic infiltré qu'il ne connaît point... Cela permet automatiquement divers rebondissements sans que l'on soit pour autant jamais perdu dans l'histoire. Parmi les seconds couteaux, il y a de bonnes vieilles gueules de l'emploi (Ernest Borgnine dans l'un de ses premiers rôles et Neville Brand dans sa toute première interprétation) mais l'autre bonne surprise de l'intrigue, c'est le rôle - difficile - joué par les femmes des flics : Jean Alexander et Betty Buehler se retrouvent toutes les deux, dans des circonstances différentes, obligées de "mouiller la chemise" pour leur mari et cela renforce parfaitement la porosité entre vie privée et vie professionnelle - jusqu'à la toute dernière image relativement cocasse. The Mob n'est donc en rien l'histoire d'un engin pétaradant chourré (désolé... - à la tienne Renaud) mais un très bon polar qui repose sur les solides épaules (et la solide épouse (ou petite amie...)) de Broderick Crawford : de l'enquête à l'ancienne réalisée avec les moyens du bord (comment se casser le cul pour réaliser une filature en voiture : le procédé est bougrement compliqué et en plus... il foire - excellent ; signalons aussi un petit jeu de comptoir tortin pour tout barman gagne-petit : on peut aussi remplacer "penny" et "glass" par "euro" et "book" et se remplir les fouilles quand on est libraire - je prends 50 %, fils) et un film noir, au final, de très bonne facture.

Noir c'est noir, c'est là

Millénium : Les Hommes qui n'aimaient pas les Femmes (The Girl with the Dragon Tattoo) (2012) de David Fincher

Shangols — Sat, 11 Feb 2012 02:40:00 GMT

Bien, j'ai vu le dernier Fincher. L'histoire d'un gars journaliste (Daniel Craig, très bien en "anti-James Bond" : le type est plutôt du genre à cogiter et quand il y a de l'action, il est plus du genre à morfler sa mère qu'à donner les coups) qui perd un procès contre un type à la tête d'une grande entreprise (défaite morale et financière) et qui va être engagé par un vieux monsieur pour tenter de résoudre d'anciennes histoires de famille (une jeune fille du clan a étrangement disparu, il y a une quarantaine d'années). Bon, le générique, comme me l'avait promis l'ami B*****n, est toujours aussi léché, mais une fois cette petite gâterie passée, il faut bien reconnaître que pendant la bonne première moitié du film, on ne voit absolument point où Fincher veut en venir... Craig enquête, super, rencontre les membres de la famille, et ? Je me suis levé, j'ai pris une tablette de chocolat pour m'attaquer à la seconde partie. Cela s'éclaircit un tantinet puisqu'il est question d'un tueur en série qui semble passablement influencé par la Bible : on est bien en territoire fincherien avec cette mystérieuse énigme à résoudre, hum, hum (cela n'est pas forcément plus passionnant en soi, mais on sait au moins ce qu'on cherche) ; mais la chose, sûrement, qui donne un peu plus d'intérêt à la chose, c'est l'alliance entre Craig et cette bizarroïde investigatrice (Rooney Mara, plus piercée qu'un type en pleine séance d'acupuncture) : deux générations, deux styles, deux façons de travailler (tu prêtes ton ordi à Rooney, elle peut te dire la première fois que tu t'es rongé les ongles : une bête de l'informatique, je te dis po) mais, attention, ils vont quand même baiser ensemble - ce qui n'était pas gagné d'avance, reconnaissons-le. Parce qu'un truc de vachement fort se passe entre eux, l'art du boulot bien fait ou quelque chose comme ça. On se réjouit franchement de cette union un peu contre-nature et on se dit que ce curieux attelage va bien finir par résoudre l'énigme - on sait qu'on est chez Fincher et qu'il faudra peut-être se taper en route deux trois scènes de torture pour la bonne bouche (il donne en tout cas envie de s'initier au golf) mais on tient le bon bout. Comme il reste encore une bonne vingtaine de minutes de film et qu'on a plus de chocolat, on se demande ce qu'il va nous servir une fois que tout est plié : ah, va pour le ptit twist final dont on aurait très bien pu se passer. Chacun reprend sa route et sa guitare mais l'union entre Dany et Rony pouvait-elle survivre à l'enquête ? (ce n'est pas non plus une question cruciale). Du Fincher quoi, avec du sexe, des tatouages, de la violence trash et une atmosphère planante où le doute règne... (Attention super méga spoiler : "je sentais bien que les types nazi, dans l'histoire, étaient du côté des méchants - aaaah shut up ! - sorry"). Bon, je vais pas non plus me forcer à être fan, nan, hein, voilà...

LIVRE : Province Terminale de Damien Malige - 2012

Shangols — Fri, 10 Feb 2012 15:06:10 GMT

Voilà un premier roman qui devrait éveiller quelques souvenirs dans la tête de Shang, dont l'adolescence à Moulins a dû ressembler quelque peu à celle du jeune héros, vague ado déprimé, déprimant, nihiliste, destructeur et attachant du bazar. Comme Shang, le narrateur raconte ses virées dans des soirées louches, ses accointances avec les fachos d'opérette du coin, ses glandouilles la tête remplie de produits illicites, ses plans foireux avec les filles, et surtout les nuits infernales passées à assister à des viols collectifs, outrages à vieilles personnes, destructions de mobilier parental et autres excès influencés par la bibine... Un portrait d'adolescence assez terrassant, au final, qui flirte avec une inspiration à la Bret Easton Ellis des premiers temps, dans cette façon de noircir à outrance l'atmosphère quand il s'agit de décrite l'ennui mortel qu'il y a à avoir 17 ans dans une petite ville et à se faire chier sa race. Le portrait sonne juste, on sent le vécu (et un vécu mal digéré), et ça change pas mal des angélismes divers associé à cette période de la vie : quitter le monde de l'enfance pour entrer dans le monde adulte, c'est dur, voire insupportable, et le narrateur apporte à cette douleur une solution radicale et qui fait peur : la jeunesse y apparaît comme une période insupportable, où les énergies se déchaînent dans la violence pure, où les sentiments se perdent dans l'hébétude des drogues et où la sexualité en passe forcément par les modèles des films de cul. Pourtant, Malige évite toujours le moralisme : il est, quoi qu'il arrive, du côté de son personnage, aussi terrorisant soit-il. Il le charge d'un monde intérieur très vrai, entre clowns meurtriers (...) et repères familiaux friables, ce qui le rend très humain malgré son comportement de surface.

Il manque à Malige une réelle écriture, certes, notamment dans les dialogues qui sont vraiment plats et pour le coup un peu anachroniques. Un sens de l'ellipse aussi, le livre étant assez mal balancé dans son plan "d'ensemble" (bien envoyé dans un premier temps, s'allanguissant dans un deuxième) ; il lui manque aussi de savoir être plus concis au niveau de ses trames, son roman se perd dans une sorte de suspense inutile (qui est le père ? pourquoi des flics sont venus lui rendre visite ?). Mais à part ces défauts (qui font perdre quand même pas mal d'intérêt au livre), Province Terminale est un portrait sans concession de la jeunesse, loin des sentiers battus, trash et intéressant.

Sables mouvants (Quicksand) (1950) d'Irving Pichel

Shangols — Fri, 10 Feb 2012 11:06:00 GMT

Qui vole un œuf vole un bœuf et notre pauvre Mickey Rooney de tomber dans la grande spirale du n'importe quoi pour charmer une blondasse vénale (Jeanne Cagney qui pourrait rester planter des heures devant un magasin de de fourrures en rêvant - je vous dis même pas devant un I-phone) ; comme dans Drive a crooked road, Mickey est un humble mécano (il a po besoin de se baisser pour passer sous une voiture, faut dire, c'était la blague du jour) qui va craquer pour une gazelle qui n'est pas vraiment de son standing... Sans le sou pour la sortir, il va piquer 20 dollars dans la caisse du patron : c'est dès lors l'engrenage, forcément cauchemardesque - pour les rembourser il va acheter une montre à crédit qu'il va immédiatement revendre, pour rembourser les cent dollars de la montre, il va détrousser un mec saoul farci de blé, pour ne pas être victime d'un chantage venant d'un type qui a des preuves sur ce vol, il va voler une bagnole, pour rembourser la bagnole il va devoir... Bref, il se fout tout seul dans le cambouis et tout ça pour une blonde qui, une fois qu'elle a son manteau en vison, va le prendre de haut. Ah, Mickey, t'es pas doué.

On navigue en eau connue au niveau des lieux traversés - bars, fête foraine, magasins de jeux... - et à défaut de se passionner réellement pour l'histoire ou la mise en scène on se rabat sur les acteurs ; Rooney est une vraie pile qui panique à la moindre occase, Jeanne Cagney se la joue femme fatale suave et, en bonus, tout de même, on a droit à un Peter Lorre plus triste que la mort en gérant du magasin de jeux : il fait son petit numéro de clown éternellement triste et dénote forcément dans ce cadre bruyant dédié normalement au fun... Chacune de ses apparitions est forcément un ptit bonheur même si, comme bien souvent, le type est méchamment sous employé... A force de faire des cagades, on sent que Rooney va finir en enfer mais il a la chance, dans le dernier quart d'heure, de tomber par hasard (il a braqué sa caisse du mec) sur un avocat-bon samaritain-ange gardien comme si avant de chuter définitivement, il avait encore droit de passer au purgatoire. C'est moralement un peu lourdingue et notre gentille série B, de lorgner vers la C - ah ben nan po un happy end, on avait dit "noir"... Certes, me direz-vous, c'est le monde de Mickey... On préférera autant, quitte à évoquer le gars Pichel, l'histoire d'un vrai tombeur (Robert Young) dans le plus péchu They won't believe me ; Quicksand ne peut franchement émouvoir que les ptits cœurs de midinette.

L'Araignée (Woman in Hiding) (1950) de Michael Gordon

Shangols — Fri, 10 Feb 2012 06:00:00 GMT

Toujours un plaisir de retrouver la belle Ida Lupino qui d'entrée de jeu nous gratifie d'un bien joli plongeon en bagnole du haut d'un pont. La carcasse de la voiture fait de gros glou-glou... et l'Ida en voix off nous prévient qu'elle vient d'être victime d'un meurtre - ou d'une tentative... ? - par son tout nouveau mari (Stephen McNally). Non, sans blague, en pleine nuit de noces !? Cela vaut bien un petit flash-back. Gordon en vingt-cinq minutes nous démontre que ce Stephen a en effet tout l'air d'être une belle enflure : tout d'abord, il y a de forts doutes sur le fait qu'il ait tué le pôpa de l'Ida - il travaille dans l'entreprise familiale et a quelques visées sur la gestion du bazar -, ensuite il a osé amener sa nouvelle épouse dans un cottage... où il venait régulièrement avec sa poule (Peggy Dow) - la classe d'autant que celle-ci est présente à l'arrivée du couple et balance à Stephen ses quatre vérités (Ida est verte...), enfin il menace ouvertement Ida de ne pas lui jouer un tour de cochon - elle pense être maline en s'échappant en pleine nuit, tu parles, le salopiots, il a sectionné tous les freins de la caisse... D'où plongeon.

On revient au temps présent et à notre Ida, incognito et présumée morte, qui va décider de prendre contact avec la Peggy pour qu'elle déballe tout son sac à la police... Le problème c'est que le Stephen se doute qu'il y a un os - on n'a pas retrouvé de corps dans la rivière, forcément - et fait paraître dans tous les journaux le portrait de sa chère et tendre. Elle est en cavale, affolée, a tout de même la chance de tomber sur un type cool (Howard Duff) qui va malheureusement finir par contacter Stephen... La chasse est ouverte. Il faut reconnaître que Gordon fait le maximum pour qu'on soit constamment en mouvement (on passe du bus à une nouba d'enfer lors d'une convention (c'est la chenille qui redémarre..., de Dieu !), à un compartiment de train pour finir dans les escaliers métalliques et les petites passerelles traîtresse de la fameuse entreprise du pater. La pauvre Ida, sur la fin, ne sait plus vraiment sur qui compter avec le Howard qui merdoie ou la Peggy qui s'est encore fait rouler dans la farine et qui l'amène sur un plateau au méchant loup-garou Stephen ; l'histoire avait commencé avec un plongeon, s'était poursuivie par la chute mortelle du père dans son usine, elle se conclura par un nouveau "aaaaaaaaaaaaaaahhhhh - spok"... Ida et l'Howard forment un bien joli ptit couple (Ida finira même par l'épouser dans la vraie vie, vous imaginez !), McNally, avec son regard noir sourcilleux, campe un beau fumier et Peggy Dow la parfaite petite blonde idiote que tu peux retourner comme un gant. La scène finale, notamment, joue joliment avec les ombres et, même s'il n'y a pas de quoi sauter au plafond, Gordon fait tranquillement le taff. Et puis il y a Ida, alors...

La Femme de Seisaku (Seisaku no tsuma) (1965) de Yasuzo Masumura

Shangols — Fri, 10 Feb 2012 01:32:00 GMT

Jusqu'où peut-on aller par amour ? Quelles sont les limites ? Okane (la magnifique Ayaka Wakao) semble repousser les limites au maximum : parce que sans lui, elle ne peut vivre, parce que s'il part à la guerre, il va mourir... D'où ? Une des séquences les plus affreuses que j'ai vu depuis longtemps... Mais le pire, c'est que cela est vraiment pour la bonne cause... Mais bon, je commence par la fin. Avant d'en arriver à ce point crucial, on avait fait la connaissance avec Okane (mariée très jeune à un vieux qui a clamsé et qui lui a donné un ptit pécule par testament, elle retourne avec sa mère dans leur village d'origine où ils sont considérés comme des pestiférés) et le gars Seisaku (le gendre modèle, accueilli comme un héros au village à la fin de son service militaire) ; l'une est considérée comme une traînée, bonne-à-rien, l'autre est perçu comme un foudre de guerre qui veut sortir de sa léthargie ce paisible village (il a acheté une superbe cloche avec sa solde et il se fait un immense plaisir à taper dessus tous les matins pour réveiller les jeunes gens du village et les pousser à bosser dans les champs : un cauchemar). A la mort de la mère d'Okane, ça manque po : les deux se croisent et crac c'est le coup de foudre ! Les gens du village sont outrés et nos deux tourtereaux de baiser où bon leur semble : leur bonheur d'être ensemble leur permet de toute façon de mépriser le qu'en-dira-t-on...

On est au tout début du siècle, on a droit jusque là un portrait assez probant de la misère paysanne mais surtout de la connerie humaine : la jalousie (celle des femmes comme celle des hommes, l'égalité dans la connerie est indiscutable), la mesquinerie semblent guider nos amis villageois qui ne se gênent jamais pour lâcher une réflexion graveleuse sur notre jeune couple. On pense qu'on est tombé bien bas dans le mépris, ouh là là, on est encore loin du compte... Survient alors un événement terrible pour Okane : vous n'êtes pas sans savoir, qu'en 1904, la Japon et la Russie vont entrer en guerre et forcément Seisaku va être appelé sur le front... Pendant son absence, Okane va vivre le martyr et les langues des villageois de se défouler pour balancer, à la moindre occase, une saloperie sur son compte... Seisaku est blessé lors d'une mission suicide à Port Arthur et il va passer une journée en convalescence dans le village ; Okane est tout à son bonheur mais quand il lui annonce qu'il veut derechef repartir sur le front, elle sent bien, et d'une, qu'il va à la boucherie, et de deux, qu'elle ne pourra survivre à sa perte... Est-elle prête à tout pour qu'il reste ? Je pense, les amis, que la réponse et oui... Vous aimez le gore sinon ?

La violence verbale et physique des villageois va atteindre son paroxysme après l'acte effroyable commis par Okane. Entre les propos ignobles qu'ils vont tenir (à l'encontre des deux d'ailleurs, même si dans l'histoire le pauvre Seisaku n'y est po pour grand-chose...) et les coups de tatanes qu'ils vont distribuer pour tenter d'écraser Okane, on a rarement vu pareille ivresse - et stupidité - collectives... Mais le film n'est pas qu'un simple portrait de cette paysannerie arriérée. Là où Masumura fait vraiment fort, c'est au niveau des liens entre Okane et Seisaku. Celle-ci a commis un acte franchement impardonnable... que seul un amour absolu pourrait pardonner. Et c'est ce qui va finir par nous cueillir, la déclaration d'amour finale nous laissant les bras ballants et les jambes en coton - j'ai dormi depuis, j'ai récupéré, je vous rassure... Masumura, dont on apprécie toujours au passage son travail sur le cadre - la façon qu'il a de jouer avec le Scope en découpant son écran, horizontalement, en deux ou trois parties si vous voyez ce que je veux dire (comme je ne ne sais po faire de dessin avec mon clavier, voire les photogrammes ci-dessus où la tête des personnages est : première image, dans la première moitié, seconde image, dans le troisième tiers), livre un film qui prend aux tripes, avec un spectre thématique qui va de la bassesse morale à l'amour, en passant par la misère et l'horreur... Mais, fusil, quel amour !

LIVRE : Petits Bonheurs de l'édition de Bruno Migdal - 2012

Shangols — Thu, 09 Feb 2012 14:25:00 GMT

Le petit monde des grandes maisons d'édition, ses petits et grands auteurs plus ou moins frustrés, ses pannes de photocopieuses, ses manuscrits traités par-dessus la jambe, ses protocoles hiérarchiques, ses petits tics parisianistes, etc. Plein d'une ardente foi en la Littérature et en ce métier mythique, Migdal obtient un stage (non-payé !) comme lecteur chez Grasset : le rêve, il va pouvoir lire et découvrir de jeunes auteurs géniaux. Ahahah, que dalle, à la place il va assister à un dédain de ses collègues vis-à-vis de l'écriture, à une bataille d'ambitions moisie, et à un quotidien beaucoup moins glamour que prévu. Ce "journal de stage" est ma foi assez jouissif quand on est curieux de connaître l'envers du décor. Que ce soit pour pointer de toutes petites anecdotes parlantes ou pour amener doucement de jolies images (ces auteurs qui comptent le nombre des livres vendus), Migdal est bon, doté d'une plume énergique et caustique qui n'épargne personne, du plus petit secrétaire à la con jusqu'au grand patron, de l'auteur médiatisé (on les reconnaît tous, et c'est assez drôle) au pauvre petit mec auteur d'un manuscrit impossible. Il ne s'épargne d'ailleurs pas lui-même, ne cachant ni qu'il profite de l'occase pour proposer son propre manuscrit ni les effets humiliants qui en découlent. On voit surtout avec une certaine amertume un nombre impressionnant de gens qui pensent avoir écrit le roman du siècle se casser les dents sur les lecteurs qui n'ont en général pas lu leur texte, rédigeant d'indigentes fiches de lecture balayées d'un revers de main par le directeur qui a d'autres chats commerciaux à fouetter. Cela dit, on se doutait un peu de tout ça, et le livre ne vient que confirmer ce qu'on imaginait déjà ; l'écriture de Migdal, de plus, est un chouille trop froide pour vraiment toucher. L'immersion n'y est pas, ni l'empathie, mais le document est quand même là, avec un bel humour et quelques beaux moments bien sentis. A lire si vous pensez à vous faire publier, ça vous permettra de penser à autre chose.

Coincée (Tight Spot) (1955) de Phil Karlson

Shangols — Thu, 09 Feb 2012 08:30:00 GMT

Phil Karlson (un des meilleurs artisans de notre petite odyssée sur les films noirs) adapte une pièce de théâtre et fournit un bon vieux huis-clos de base : l'un des témoins majeurs qui devait assister au procès du ponte mafieux Constain (Lorne Green) vient d'être assassiné ; l'ultime espoir pour parvenir à extrader Constain du sol ricain réside dans le témoignage d'une femme (Ginger Rogers is Giuletta Masina, sorry Sherry Conley - grand numéro "théâtrale" pour le coup...) qui se trouve déjà en prison pour une autre affaire. Edward G. Robinson - notre pin's de bulldog préféré - décide, quarante-huit heures avant le début du procès, de l'installer dans une luxueuse chambre d'hôtel. Bien qu'elle soit loin d'être une trompe-la-mort, il pense parvenir à la convaincre de raconter une petite histoire compromettante sur Constain... Mais c'est plutôt très mal parti, la Ginger étant méfiante au possible... Robinson ne tarde point à s'effacer pour laisser notre héroïne, particulièrement forte en gueule, entre les mains de son garde du corps, Brian Keith. Ce dernier, chez lequel on devine une pointe de misogynie, en a vite soupé du petit numéro de victime que joue la Ginger ; cependant, croyez-le ou non, les deux vont finir par s'apprivoiser...

Karlson est habile pour savoir varier constamment les angles de prise de vue, profitant pleinement du format "anamorphic widescreen" dans lequel son film est tourné - Rogers et Keith aux deux bouts de l'écran après une première petite discussion houleuse, c'est facile mais cela fait son effet. Il peut s'appuyer sur des dialogues au cordeau et sur l'interprétation d'un massif Brian Keith tout en retenu et sur celle d'une Ginger Rogers pétant le feu : elle lâche totalement les chevaux au niveau de la gouaille et même si cela est parfois un peu too much, la confrontation entre les deux individus fonctionne à plein. A force de se tourner autour et de se lancer de petites pointes - le scepticisme de Keith face au bagou et à la verve de Rogers faisant forcément des "étincelles" -, nos deux "clients" vont finir par se lasser de se renvoyer coup pour coup (surtout Keith) et baisser leur garde : une petite danse pour enterrer la hache de guerre et ce sera forcément le moment opportun pour qu'un tueur, sorti de nulle part ou, disons plutôt de la fenêtre, fasse son apparition... Karlson souffle le chaud - sentimental - puis le froid - meurtrier - et relance son intrigue : on est tout de même dans un polar, il ne s'agit pas de s'endormir... La Ginger est forcément morte de peur et semble plus décidée que jamais à ne pas mettre sa vie en jeu pour couler Constain...

A vingt minutes de la fin, un ptit twist scénaristique survient et va tendre comme un slip en cuir mouillé l'atmosphère de l'appart. Karlson se permet malgré tout quelques "échappées" en extérieur : toute l'intro (une séquence d'ouverture très "léchée" avec l'arrivée en bateau de ce témoin tremblant puis tombant dans les escaliers sous les balles d'un sniper, une course poursuite à deux cents à l'heure pour semer un tueur, un long travelling arrière très coulé pour suivre dans les couloirs la Ginger avant qu'elle ne pénètre dans son antre...), Robinson, dans son bureau, envoyant joliment paître l'avocat de Constain, une scène en sous-sol où est révélé l'un des principaux "dessous" de l'histoire... Il tente également de détendre l'ambiance au sein même de l'appart avec un programme télé ringard (un téléthon animé par un troubadour du Mississippi...) : ce n'est pas d'un haut niveau mais cela permet, mine de rien, d'indiquer l'heure, surtout au moment crucial. Un huis-clos joliment mis en scène, un poil surjoué peut-être, mais qui parvient à tenir en haleine. Encore un joli coup de Phil.

LIVRE : Lettres à Maurice Nadeau d'Henry Miller - 1947-1978

Shangols — Wed, 08 Feb 2012 17:25:00 GMT

Les bouquins de Miller sortis ces derniers temps sentaient les fonds de tiroir ; ce n'est vraiment pas le cas avec ces lettres à Nadeau qui nous rappellent brusquement à quel point Henry Miller est le plus grand écrivain de tous les temps (avec Henri-Pierre Roché, ça va, Shang, t'emballe pas). Rien d'extraordinaire dans ces quelques 400 pages de correspondance clairsemée et irrégulière, rien qui touche à la Grrrande Littératûûûre ; mais pourtant il s'en dégage quelque chose qui n'appartient qu'à Miller, une énergie, une soif de vie, un humour, un débordement de vitalité, qui font plaisir à lire. La plupart de ces lettres est relativement factuelle : Nadeau a aidé Miller au début en le défendant contre les censeurs, et du coup Miller ne cesse de lui demander de petits services : et veuillez expédier mes aquarelles à tel endroit, et si vous pouvez lire ce manuscrit de mon pote, et si vous publiiez mes œuvres complètes, ce genre de choses. Mais même dans ces missives "utiles", il y a toujours ce petit ton plein de joie, cet enthousiasme pour tout ce qui constitue la vie, gens, livres et femmes, il y a cette voix rocailleuse qu'on semble entendre derrière chaque mot. Miller fait l'effort d'écrire souvent en français, et c'est le moment de constater qu'il est très bon là-dedans, parvenant à garder son naturel même dans une autre langue.

Et puis, il y a subitement ces emballements de style, quand il se rend compte qu'il est un peu ingrat avec Nadeau, ou quand celui-ci lui envoie son bouquin sur Flaubert, ou juste quand il se laisse aller à son célèbre débit. Il y a quelques-unes des plus belles lettres de Miller dans ce recueil, tout simplement, que ce soit sa déclaration d'amour à Cendrars, sa colère contre la guerre, ses sorties contre la censure, ou ses souvenirs parisiens qu'il évoque une énième fois avec toujours le même ton neuf. Ces longues lettres, qui tranchent avec la concision de certaines autres, sont des merveilles de style "libre" : on sent que la gars écrit au fil de la plume, sans souci de construction, et c'est bien là qu'on l'aime. Rappelons qu'il a écrit Sexus sur ce modèle-là, et que c'est le livre du siècle (et de tous ceux à venir). Voilà bien longtemps qu'on n'avait pas goûté à la fulgurance de cette écriture millerienne, ça fait plus que du bien quand, comme moi, on en est réduit à relire jusqu'à la corde les classiques du maître. Ajoutons qu'il y a en fin de volume une pléthore d'annexes vraiment précieuses (articles, témoignages d'amis, préfaces inédites), et dans lesquelles on entrevoit aussi le style de Nadeau lui-même, pas dégueulasse dans son sens de la formule, et dans son maniement acéré des mots (sa préface est également très jolie). Bref, ces lettres sont un passage obligé si on aime Miller. Et si on aime pas Miller, vraiment, je vois pas ce qu'on a à se dire.

Le Cran d'Arrêt (The turning Point) (1952) de William Dieterle

Shangols — Wed, 08 Feb 2012 04:54:00 GMT

Il y a de la qualité dans ce polar de Dieterle, dommage qu'elle se limite un peu parfois aux scènes d'action, ou disons aux séquences "en mouvement" : Edmond O'Brien - John Conroy - entouré d'une cohorte de flics et de journalistes débarque dans cette petite ville ricaine pour une opération "grande lessive" ; il est en charge du Comité Conroy pour faire tomber l'un des gros pontes mafieux du coin (Ed Begley is Niel Eichelberger) ; on est dès le départ pris dans ce flux plein de bruits et de déclaration sereine avec une caméra au taquet. O'Brien s'est toujours battu pour faire respecter la loi et, même si cela fait longtemps qu'il n'est pas revenu sur le sol natal, notre idéaliste n'est pas du genre à vouloir se faire marcher sur les pieds at home - seulement, il est peut-être un peu trop dans sa bulle... Dieterle nous expose rapidement les autres acteurs de ce procès : William Holden, journaliste et ami d'O'Brien, qui, malgré tout le respect qu'il a pour son pote, semble un peu plus sceptique sur l'issu du procès ; Alexis Smith, assistante et véritable bras droit d'Obrien, qui entretient avec celui-ci des liens "très proches" (de l'amouritié, on va dire) ; Tom Tully, le pater d'O'Brien, flic de son état : le fiston est tout content de travailler enfin avec son pater qu'il a fait nommer à un rang supérieur, mais cette décision n'a po vraiment l'air d'emballer le pôpa...

William Holden apparaît rapidement comme le gars le plus lucide de l'histoire : il est le premier à mettre en garde O'Brien sur la difficulté à trouver des preuves à charge dans cette ville corrompue, mais il est surtout le premier à soupçonner le père d'Obrien d'être mouillé dans l'histoire... Il va également rapidement nouer des liens avec la chtite Alexis qui craquera rapidement pour cet excellent journaliste de terrain - une intrigue parallèle traitée, malheureusement, de façon un peu superficielle. Lorsque l'action s'accélère, Dieterle est franchement excellent : que l'on suive Holden dans ses filatures ou les mafieux dans leurs coups d'éclat (la mise en scène d'un hold-up pour éliminer un "témoin" - et quel témoin... - gênant ; la mise en place d'un incendie criminel dans les locaux de l'une des entreprises du ponte pour faire disparaître des livres de compte compromettant : terrible explosion en pleine ville et véritable carnage dans la population civile - séquence de panique d'un étonnant réalisme ; scène finale éblouissante dans une salle pleine à craquer lors d'un combat de boxe : un tueur cherche à éliminer Holden qui a mis la main sur un autre témoin crucial...), Dieterle n'est jamais un manche pour faire monter la tension. Les scènes de purs dialogues sont peut-être un peu moins détonantes mais livrent deux-trois passages tout de même bien sentis : les scènes de procès avec des accusés qui trouvent toujours la parade, la confession du père Conroy à Holden sur les raisons de ses accointances avec la pègre, le ras-le-bol d'O'Brien à deux doigts de jeter l'éponge sur sa mission... Holden apparaît finalement comme le véritable héros - de l'ombre - de l'histoire, se mouillant toujours pour tenter d'exhumer des preuves. Pas un chef d’œuvre, nan, mais une trame relativement bien menée et un climax absolument prodigieux (dont De Palma saura se souvenir ?... peut-être). Un solide Dieterle quoiqu'il en soit sur une histoire signée de l'excellent Horace McCoy.

Ragtime de Milos Forman - 1981

Shangols — Tue, 07 Feb 2012 13:12:00 GMT

Ragtime en a pris un coup dans les gencives en 30 ans, et pour tout dire ce genre de produits estampillés 80's à mort a bien du mal à résister au vieillissement. Les intentions de Forman sont pourtant tout à fait louables, et son ambition aussi : le gars voudrait nous faire vibrer avec une histoire d'injustice sur fond de discrimination raciale dans l'Amérique ségrégationniste des années 1900. Un petit pianiste de jazz noir est embringué dans une historiette idiote de racisme ordinaire, il décide que c'est inacceptable, et il tombe dans un terrorisme qui se retournera contre lui et ses idées. On le voit, Forman recherche la corde humaniste, et la fait d'ailleurs parfois vibrer. Côté style, le projet est transparent : lui aussi veut sa fresque à la New-York New-York, ses reconstitutions au taquet et ses moyens délirants. Il l'obtient, et ne sait guère quoi en faire : certes, les costumes sont vraisemblables, l'ambiance y est, la patine des décors est impeccablement rendus par une couche au brou de noix de la meilleure qualité, la musique (excellente) est d'époque, mais tout ça sent le réchauffé, le déjà-vu (en mieux) chez d'autres. Forman manque encore du souffle qu'il trouvera avec Amadeus pour s'atteler à un projet aussi pharaonesque ; son Il était une fois en Amérique est trop sage, trop scolaire, trop académique pour vraiment emballer.

Ça se regarde sans déplaisir, les acteurs ont du bagout (ou des bajoues, comme notre bon Jimmy Cagney qui vient faire un tour-surprise là-dedans), il y a quelques séquences bien glamour... mais ça ne prend jamais réellement. Forman multiplie les trames sans nécessité : pourquoi parler de cette prostituée (Elisabeth McGovern, pas terrible) ou de ce dessinateur russe devenu cinéaste ? Ils ne servent qu'à une image finale assez téléphonée (la nouvelle Amérique, avec cette "famille" constituée d'un père russe, d'une mère bourgeoise américaine, d'un bébé noir), alors que leurs tribulations prennent une bonne partie du film. Pourquoi nous montrer un assassinat de vengeance amoureuse au début ? On ne sait pas trop, et le film aurait dû se contenter de sa trame principale et durer une heure de moins sûrement (c'est très long, fresque oblige). D'autant que, quand il en revient à celle-ci, il est plutôt bon dans l'écriture des personnages, qui sont subtils, complexes : le héros, notamment, est bien dessiné dans son indignation qui se transforme en révolte imbécile, et qui finit par se mordre la queue. Il a un dialogue avec un prédicateur black qui marque des points dans son questionnement : à force de lutter pour sa reconnaissance en tant que noir, le gars finit par faire le contraire de ce qu'il faudrait, et par se retourner contre sa propre identité. C'est pas mal, et on sent qu'il y a de l'intelligence derrière tout ça, et pas juste une moralité consensuelle. Rien de déshonorant donc, non, mais un film très oubliable, très concerné sans aucun doute mais qui ne parvient pas à transmettre sa colère.

L'Anglaise et le Duc d'Eric Rohmer - 2001

Shangols — Tue, 07 Feb 2012 11:38:00 GMT

Voilà un des très bons Rohmer, qui m'a toujours emballé quand il trouve ainsi le bon équilibre entre raffinement littéraire et direction d'acteurs, entre simplicité et exigence. L'Anglaise et le Duc est beau à tous les niveaux, dialogues, comédiens, mise en scène, sujet, aspect technique, et en cela c'est peut-être le seul Rohmer "parfait". Nous sommes en pleine Révolution Française, et on suit les tribulations sur quelques années de miss Grace Elliott, royaliste forcenée et convaincue, qui cultive une amitié ambiguë avec le duc d'Orléans, plutôt versé dans l'opinion adverse. Rien de bien sexy au départ, puisqu'il va s'agir surtout de filmer des conversations tournant autour du sort devant être fait au roi Louis XVI, des trahisons des uns et des autres, ce genre de choses. Sauf que Rohmer en fait un brillant film d'aventures littéraire, où les mots, les confrontations entre comédiens et entre classes tiennent lieu de combats de cape et d'épée. Non seulement les scènes "d'action" ne manquent pas (grand moment de suspense quand la belle cache sous son matelas un aristo poursuivi par la milice, et où elle tient tête à un jeune gradé qui veut fouiller son lit), mais en plus il parvient à rendre les scènes dialoguées tendues comme des séquences de bataille. On connaît l'habileté du bon Eric quand il s'agit de peser les mots : ils passent ici pour de véritables duels à l'ancienne, et sont tout aussi passionnants que les séquences plus physiquement mouvementées.

Pourtant la direction d'acteurs est toujours aussi radicale, avec cette façon unique de découper les mots, de jouer légèrement faux pour mieux faire ressortir la vérité des personnages. Ici, avec ce langage de XVIIIème siècle très raffiné, Rohmer est comme un poisson dans l'eau, et a deux bonnes idées de casting pour mettre en valeur la préciosité magnifique des paroles : Lucy Russell, dont l'accent étranger sert superbement la fragilité et l'altérité du personnage, et qui fait ressortir chaque mot comme s'il venait d'une autre langue ; et Jean-Claude Dreyfus, dont le jeu excessif vient s'opposer à la "tenue" très forte du texte par Rohmer : Dreyfus joue moderne, naturel, un texte qui ne l'est pas, et ça donne un effet vraiment excellent. Les scènes de dialogues de ce couple improbable sont ce que le film a de meilleur, c'est autant un plaisir d'écouter le dialogue que de voir ces deux-là se renvoyer la balle. Et puis il y a la mise en scène, là aussi profondément originale, à commencer par le choix d'insérer comme décor de fond des véritables toiles peintes du XVIIIème siècle : on est entre artificialité et réalisme, entre mensonge et vérité, définition même de tout le cinéma rohmérien. Les effets ne cherchent pas à se cacher, Rohmer affiche clairement sa volonté d'insérer des acteurs de chair dans un décor de peinture, et c'est une très grande idée. Le film y gagne autant en beauté qu'en étrangeté, on est à la fois à l'intérieur des tableaux et à l'extérieur. Ça fonctionne superbement dans les nombreux plans d'ensemble (cette femme qui regarde un paysage lointain avec sa longue-vue, ce petit virage qui change de couleurs au cours des saisons, ces pans de villes), mais aussi dans les plans américains, où l'effet continue avec un petit côté "transparence" qui est superbe. La mise en scène est presque mathématique dans cet enchaînement hyper-contrôlé entre gros plans et plans d'ensemble, et Rohmer donne une leçon de ce que peut être un champ/contre-champ quand il sert à rehausser un dialogue ou une expression d'acteur. Plein les yeux, plein les oreilles, on ressort de là vraiment comblé, et en plus on a appris des choses sur l'Histoire de France.

L'Ange bleu (Der Blaue Engel) (1930) de Josef von Sternberg

Shangols — Tue, 07 Feb 2012 04:24:00 GMT

De professeur autoritaire à clown triste, il n'y a qu'un pas surtout quand l'amour (benêt) et la trahison passe par là. L'Ange bleu apparaît plus comme l'histoire d'une déchéance, d'une chute, oui, plutôt qu'une œuvre entièrement dédiée aux charmes de la Dietrich - des chansons en boucle où la Belle expose ses gambettes, bon... Le petit canari (intérieur) de l'énorme Emil Jannings est mort, il recommencera à chanter quand l'Emil se réveillera dans la chambre de Dietrich. Emil se fait coq (terrible scène comico-pathétique du mariage avec notre Emil tout sourire auprès de sa jeune mariée tenant dans sa main deux œufs) puis coq en pâte rapidement asservi (il suit les numéros de sa dulcinée après avoir été renvoyé de son taff : sublime travelling arrière, rendant parfaitement son isolement dans cette salle de classe, qui trouvera un écho dans la scène final), puis coq cocu et enfin coq humilié (les deux œufs que le présentateur-magicien lui écrase sur le crâne lors du spectacle - j'y verrai bien une métaphore...) : l'Emil lancera un dernier cocorico entre rage et folie douce avant de retourner dans la salle de classe et de s'effondrer sur son ancien bureau - mort. Jannings est absolument fabuleux de bout en bout, qu'il s'agisse de jouer les pères fouettards auprès de ses étudiants, de violemment tancer les admirateurs de sa Lola-Lola, de roucouler auprès de celle-ci ou encore de faire une tronche de misérable dans le pire déguisement d'Auguste de tous les temps...

C'est par des ruelles sombres où les maisons ont des toits tout biscornus et ou traîne forcément un chat noir que Jannings accède à ce cabaret de troisième zone : de grosses dodons buvant moult bières sur scène pendant que les clients commandent en salle du pâté - so raffiné ! - font entendre poussivement leurs chansonnettes pendant que le décor se barre en quenelle. On est dans la grande classe et le Jannings à la recherche de ses étudiants de se sentir aussi à l'étroit dans ce bouge qu'un éléphant dans la Forêt Noir... Mais les sourires et la tenue légère de la Marlène ne vont pas tarder à le scotcher et notre champion de la maladresse se déridera. Il y a comme un ptit goût de reviens-y chez cette femme de petite vertu qui n'aura po grand chose à faire pour prendre le dessus sur notre intellectuel empoté (la scène où Marlène lui demande un baiser alors qu'il n'y a plus que la tête de l'Emil qui émerge des escaliers...). Il y a en ce triste destin comme les signes avant-coureurs (je mets ma main au feu que l'Allemagne va mal à cette époque... Quoi ?) de la décadence de tout un pays (je prend po de risque, certes)... La lumière de la lampe de poche du gardien de l'école permettra de faire une dernière "poursuite" sur notre professeur déchu qui tentera de retrouver un semblant de dignité lors de son dernier "numéro" - rigor mortis, l'Emil ne faisant plus qu'un avec son bureau. Angel's blues... Un classique du grand Josef.

Mes meilleures Amies (Bridesmaids) de Paul Feig - 2011

Shangols — Mon, 06 Feb 2012 16:02:00 GMT

Si Very bad Trip est votre type d'humour, je vous conseille cette version féminine trashyco-gentillette qui marche sur les mêmes sentiers. A la place du groupe de garçons on a donc droit à un groupe de nanas d'aujourd'hui, entendez superficielles, minaudières mais capables aussi de péter un coup ; à la place de la virée à Las Vegas, on assiste à un enterrement de vie de jeune fille qui vire au désastre quand deux demoiselles d'honneur se disputent le privilège d'être la meilleure amie de la mariée. Ça pourrait donner un sketch correct de Florence Foresti, ça donne 2 heures de comédie plus ou moins digeste, plus ou moins rythmée, qui se regarde et s'oublie presque aussi tôt. C'est le syndrome Judd Apatow, qui a je crois co-signé le scénario : on vous fait habilement croire qu'on assiste à une incrrrroyyabbble leçon d'insolence et de scandale, pour mieux vous faire entrer dans la tête les bonnes vieilles valeurs judéo-chrétiennes de base, si bien qu'on se demande si la vraie régression se tient dans les gags pipi-caca-prout du film (et il y en a pléthore), ou dans cette façon de se recroqueviller dans les rances traditions bourgeoises les plus élimées (mariage-patrie-bonheur sucré).

Bon, ceci dit, le film est parfois très drôle, surtout dans la surenchère des motifs féminins les plus rose-bonbon : la cérémonie où on vous offre des limonades-violette ("Fuck it's so good") et où vous repartez avec des chiots à nœuds cromeugnons, les séances d'essayage de robes à la con, les 42000 grimaces qu'on se doit de faire dès qu'on aperçoit la photo d'un enfant, tout ça est filmé avec un sarcasme assez sain de la part du réalisateur. On se marre bien en voyant que les codes de la féminité sont enfin aussi ridiculisés que ceux de la masculinité dans les autres Apatow-movies. Kristen Wigg, l'héroïne principale, est vraiment parfaite, elle parvient à rester jolie et attachante dans les situations les plus absurdes, et joue la femme d'aujourd'hui, avec tout ce que ça comporte de ridicule, en en sortant la tête haute, pas si facile. Il fallait bien ce talent-là pour atténuer les autres personnages, vraiment monolithiques, à commencer par cette gonzesse obèse (ah oui, les grosses en prennent pour leur grade, hein, on reste dans les codes esthétiques établis, gentil=mince et joli) qu'on fait péter et chier dans les lavabos des fois qu'on n'aurait pas compris qu'elle était grosse. Les gags scato, j'avoue, ça m'a toujours un peu laissé de marbre : je comprends ce qu'il peut y avoir d'audacieux dans le fait de déclencher une crise de diarrhée dans un magasin de robes de mariée, mais le fait est que le résultat est plus désolant qu'autre chose. Peut-être parce que Feig ne sait pas s'arrêter, n'a aucun sens du rythme des séquences, et prolonge chaque gag jusqu'à plus soif ; peut-être aussi parce qu'il filme ça très platement, sans esprit ; peut-être enfin parce que chier sur une robe blanche a peut-être un poil perdu de son impertinence depuis le mouvement punk il y a 40 ans, et qu'il serait temps d'aller chercher l'impolitesse ailleurs. Car pour le reste, aussi bien moralement qu'esthétiquement, le film est tout à fait normé, hétéro-catho-WASP, et on se gardera bien de déborder complètement du cadre. Une sorte de Pénélope Bagieu crypto-anal, quoi... on peut rêver mieux.

O Somma Luce de Jean-Marie Straub - 2009

Shangols — Mon, 06 Feb 2012 13:32:00 GMT

Un petit rendez-vous avec Straub, Varese et Dante, ça aide bien à commencer la semaine sous les meilleures égides. Les trois joyeux drilles jouent à égalité dans ce court-métrage, puisque les arts cinématographiques, musicaux et littéraires s'y côtoient dans un partage strictement partagé du temps de parole. Ça commence avec 6 ou 7 minutes d'un concert de Varese, sifflé par quelques énergumènes énervés ("Salaud, c'est un scandale !") sur fond noir, ce qui annonce la couleur si j'ose dire. On pense aux attaques ulcérées des détracteurs de Straub, et on apprécie de le voir ainsi désamorcer dès le début les critiques qui ne manqueront pas de pleuvoir sur la suite du film. Quand l'image apparaît, c'est pour filmer un gars assis sur une chaise dans un paysage champêtre, et qui se met tranquillement à déclamer du Dante dans la langue, entrecoupé parfois par de doux panoramiques le long des collines et des bois avoisinants. Jolie langue, il faut le dire, et très habilement dosée par Straub qui, cette fois, évite et austérité et exaltation dans ce bel exercice de récitation "à froid" d'un texte pourtant bien lyrique. Bon, voilà, le film est résumé, c'est-à-dire qu'on a encore une fois droit à un exemple de radicalité, à un refus de toute concession de la part du gars Jean-Marie, et à un film qui désolera certains et enchantera d'autres. Pour ma part, je l'ai trouvé un peu redondant par rapport aux autres films du couple sur le même modèle, mais je note avec plaisir que la tentative de faire entrer une sorte de Sacré dans la nature concrète contemporaine est ici plus réussie que dans la plupart des tentatives passées : on voit vraiment à l'écran les mots pénétrer dans ces paysages pourtant relativement "banals", le tout formant une osmose qui a peut-être quelque chose à voir avec une certaine mystique. Satisfaction, donc, teintée comme toujours d'une certaine perplexité.

Le Passé se venge (The Crooked Way) (1949) de Robert Florey

Shangols — Mon, 06 Feb 2012 05:20:00 GMT

John Alton est en charge de la photo est franchement, ça se voit : jeu d'ombres et de lumières décliné à l'envi pour une énième histoire de soldat ricain amnésique (John Payne dont le visage lisse correspond relativement bien à ce personnage désireux de repartir à zéro) mais dont Alton tente de tirer le meilleur parti ; Payne ne peut retrouver la mémoire à cause d'une saloperie de shrapnell insidieusement inséré dans son cerveau, mais il peut retrouver la lumière... grâce à une femme (sublime séquence de l'échange de cigarette : l'étincelle is back !). La sienne, son ancienne, qu'il va lui falloir reconquérir... Parce que po de bol, comme par hasard, avant de s'engager dans l'armée, l'ami Payne (Ex Eddie Ricardi qu'Eddie Rice ne veut plus "record-er") était mouillé dans de sales affaires. Il a même livré à la police son ancien associé, Vince Alexander (tough Sonny Tufts), qui a gardé, indéniablement, une certaine rancune à son encontre. Quand Eddie débarque la bouche en coeur à Los Angeles, il a tôt fait de se la retrouver de travers sous les coups des hommes de main de Tufts. Il pensait qu'un simple mot prononcé par un quidam ("Eddie ?") allait lui permettre de retrouver son passé : quand tour à tour la Police, Tufts et son ex femme (Ellen Drew) le prononcent, ce n'est point pour se rappeler à son meilleur souvenir... Mais Eddie a changé, si, il lui reste juste à convaincre son entourage : Tufts veut le mouiller dans une sale histoire, Drew est sceptique et la Police attentiste, long is the road, boy...

On apprécie ces intérieurs magnifiquement filmés (le commissariat de police et l'incontournable ombre des stores, les reflets d'une inscription en vitrine qui se reflète sur les murs, l'étrange antre de Tufts aussi glauque qu'un entrepôt, appartement filmé dans la pénombre, le magasin de "surplus militaire" (belle ironie vue les problèmes de Payne) dans lequel a lieu la pétarade finale) et ces faciès divinement éclairés par un Alton en grande forme. Comme les seconds couteaux valent leur poids en pop corn (le lieutenant incarné par John Doucette - pas de la ptite bière, Percy Helton avec sa voix - et son physique - à la Donald qui fait son grand numéro avec son chat...) et que l'intrigue est rondement menée (notre faux-coupable à la Hitchcock devant à la fois persuader la police et sa douce de son "innocence absolue" : la voie de la rédemption...), on prend un réelle plaisir à cette histoire modianesque en diable... Y a de toute façon, décidément, pas photo : quand un film noir à des noirs - et des contrastes - aussi beaux, bien difficile de ne pas y succomber...

Noir c'est noir, c'est là

Alibi meurtrier (Naked Alibi) (1954) de Jerry Hopper

Shangols — Sun, 05 Feb 2012 10:51:00 GMT

Un peu déçu par ce jeu du chat et de la souris entre Sterling Hayden en flic brutal et Gene Barry en... boulanger brutal. Ce dernier est accusé d'un vol, est arrêté par la police, clame son innocence, est quelque peu secoué, relâché, est soupçonné dans la foulée du meurtre d'un flic qui l'avait tabassé, re-clame son innocence, re-secoué, soupçonné du meurtre de deux autres flics - voiture piégée à la Scorsese qui fait son petit effet -, re-re-clame son innocence, re-re-secoué par Sterling qui est viré de la police... Balle au centre. Sterling n'arrête pas pour autant la chasse à l'homme pendant que l'autre préfère se mettre au vert, non loin de la frontière mexicaine, pour échapper à ce fou furieux... Qui de l'un ou de l'autre a raison ? Sterling est-il un gros parano qui fait une fixette, Gene un pauvre bouc émissaire qui n'aime pas être pétri ? C'est parti pour une ambiance nocturne et festive avec comme arbitre centrale la belle Gloria Grahame avec sa voix de croonice (le mot devrait existait) envoûtante... Elle est en effet une ancienne amante du Gene mais secourt par hasard le Sterling pour laquelle elle a immédiatement un petit faible. Le combat s'annonce violent.

La crédibilité de deux hommes est en jeu avec, en bonus, la conquête d'une Gloria. Le combat s'annonce serré entre le boulanger qui a la tête très près de la toque et un Sterling, po du genre à se démonter mais qui préfère autant démonter toute accusé pour le faire avouer (Style Jack Bauer : avoue, même si c'est pas toi, tu dois bien cacher quelque chose)... Cette ville frontière n'est certes pas aussi bien filmée que celle (on the other side) de La Soif du Mal, mais on sent que le mal rode à chaque coin de rue - tiens un coup de couteau dans ton buste, Sterling, ça va peut-être te calmer... Le doute plane sur le Gene qui est tout de même d'une mauvaise foi terrible quand un serveur, notamment, a le malheur de se trouver sur son chemin et qui n'est po doux-doux avec les femmes - tiens mange-toi une baffe Gloria pour me résister et la chtite... de l'embrasser (rah, je comprendrais jamais ce truc... Barry et Hopper perdent mille points d'un coup). Une fois le pitch bien posée, il faut tout de même reconnaître que le rythme faiblit et on attend avec impatience la rencontre entre les deux hommes ; elle arrive enfin avec un Sterling qui kidnappe le roi de la boulange et doit se défaire, en route, des flics suspicieux à son encontre... On sommeille un peu en attendant une pétarade de coups de feu qui scellera le sort de ce trio (La Gloria s'accroche aux deux hommes) en cavale. Si Hopper n'est un manchot pour jouer sur les ombres, au moins dans la première partie (lequel de ses deux personnages principaux est le plus obscur... ?), son scénar, lui, se délite un peu en cours et peine à vraiment nous accrocher jusqu'au bout. C'est dommage, il y avait matière, entre ces deux esprits bornés, se battant pour la gloire et pour l'amour, à faire quelque chose de plus explosif ... Jerry Hopper n'est pas... Nan.