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Alabama Monroe (The Broken Circle Breakdown) (2013) de Felix Van Groeningen

Après La Merditude des Choses où le Felix flirtait souvent avec la grosse poilade, le voilà qui change de braquet avec cette histoire sur la chimio... Mais je caricature parce pas que. Oui, il est bien question d'une petite nenfant de 7 ans qui est atteint du cancer ce qui va forcément torpiller les parents (le contraire fut étonnant...), parents qui contre vents et marées vont bien sûr tenter pour la gamine de faire bonne figure. Cette dernière part quand même plutôt mal dans la vie avec ce cancer et deux parents chanteurs de country (la country, ça effraie forcément, rien que le mot déjà. Ce qui est dur car qui n'a jamais eu envie une fois dans sa vie, à part Gols peut-être, de ne pas taper du pied sur un air de banjo ?). Comme Van Groeningen n'a pas le talent ni le tact d'une Donzelli sur un thème comparable, on a bien peur que le type nous ruine totalement la soirée (artistiquement et moralement : un coup à tremper de larmes la nappe du salon (ça fait longtemps que je n'ai plus de kleenex, mes pauvres)). Mais cette intro est heureusement un peu réductrice car le film, avant toute chose (la gamine malade, ce style musical (le Bluegrass s'il vous plaît, soyons précis) exécuté uniquement avec des putains d'instruments à cordes...) est une histoire d'amour, une histoire triste à en mourir (peut-être...) ou disons tout simplement une histoire d'amour passionnée qui n'a pas eu de bol...

Il y a dans le cinéma de FVG des facilités évidentes, limite putassières, et autant commencer par là pour ne plus avoir à y revenir : choisir ce genre de sujet tire-larme, c'est déjà dur pour le spectateur ; mais franchement montrer une gamine en train de perdre ses cheveux comme un ptit oiseau tout déplumé, c'est franchement bas (autant passer direct au crâne chauve, pas besoin d'en rajouter une couche dans l'apitoiement). Cet aspect-là a bien failli me faire d'entrée de jeu changer de chaîne (mais j'ai pas la télé ohohoh), la perspective de se taper deux heures de bluegrass à jeun n'arrangeant point les choses. Mais je me suis accroché, notamment parce que le héros est belge et s'appelle Didier. Plus sérieusement, il y a un ptit quelque chose de touchant dans ce couple à l'arrache, le gars barbu aux allures d'un Bee Gees, la tête dans les States et athée, et cette jeune femme tatouée jusqu'à l'os à la voix divinement cristalline. La fougue de leur rencontre, les premiers compromis pour se réjouir d'avoir un gamin, tout cela n'est pas totalement déplaisant en soi. Mais le côté le plus malin du bazar est sûrement le montage qui fait péter à l'envi flashs-back et flashs-forward. Le truc pourrait être facilement gavant, difficile à suivre... Eh ben pas du tout. Comme le cinéaste belge sait aussi nous faire péter une ou deux ellipses de derrière les fagots pour accentuer ses effets - à la 45ème minutes tu tombes tellement de haut que tu te croirais à l'épisode 9 de Games of Throne -, le type, le Felix, finit par nous ferrer. A tel point d'ailleurs qu'on commencerait presque à apprécier le Bluegrass (en plus pendant les chansons, il n'y a pas de coups de théâtre...). Notre couple qui se prend un coup du sort en pleine tronche a forcément bien du mal à ne pas s'entre-déchirer... Là encore, dans ces scènes à la limite de la rupture, les personnages prennent un certain relief et l'on se surprend à s'attacher à cette histoire tragique qui prend l'eau de toute part. L'amour sera-t-il salvateur même en ce plat pays ? Van Groeningen retrouve malheureusement un peu ses gros sabots sur la fin avec les délires plombant de son héros (Mais putain y'a personne là haut...!) ou encore avec cette séquence finale qui frôle (je suis gentil) le grotesque (faut pas non plus trop le fumer, le Bluegrass, hein). Un bilan donc un peu mitigé ; les films du Felix, en allant un peu plus vers l'épure (il charge un peu la mule au niveau dramatique...) tout en gardant l'aspect hargneux, brut des personnages, pourraient y gagner en intensité... Wait and see, comme on dit, ce Belge en est encore à ses prémices.

Sur la Comète (Na komete) (1970) de Karel Zeman

Voilà une autre petite oeuvre adaptée de Jules Verne de notre ami Zeman. Même si c'est le Jules aux commandes de l'histoire, on se croirait résolument dans une oeuvre murakamienne alors qu'on assiste à la rencontre de deux jeunes amants, rencontre qui a lieu... sous deux lunes (oui, même si l'une des deux est une comète, ne jouons pas sur les mots ni avec les astres). Le truc absoluement "fantastique" (Jules ne devait pas fumer que du tabac gris) se passe lors d'une terrible explosion : tout notre petit monde (une armée en pays colonisé et les individus, marchands ou rebelles, de ce dit pays aux allures égyptiennes) est transporté sur la comète. Les gens sont forcément un peu perdus au départ (ah oui donc l'astre là dans le ciel, c'est la Terre en fait) d'autant que de bizarres créatures peuplent ce nouveau territoire : des dinosaures en veux-tu en voilà qui heureusement ne sont pas vraiment farouches (une bonne cuillère, une gamelle et les dinos de prendre leurs jambes et leur queue à leur cou). Alors même que la tension montait - les rebelles se rebellant, classique -, chacun finit par se demander si ça vaut vraiment la peine de se tirer la bourre sur une planète où il y a quand même  la place pour tous. On se dirige vers une issue pacifique jusqu'à un nouveau coup du sort : alors même que la comète se rapproche de la terre, les événements se mettent à leur tour à faire "machine arrière", une idée empreinte d'une certaine poésie...

Zeman multiplie moins les "effets ultra spéciaux et décoratifs" que dans Les Aventures fantastiques (bien aimé tout de même ces magnifiques cieux ainsi ces dinosaures relativement fendards - quand ils courent avec leurs petits poings serrés on dirait qu'ils sont méchamment en colère et qu'ils vont tout péter) et nous fait découvrir des personnages qui ont un peu plus de chair (il est pas zoli notre petit couple de tourtereaux ! Elles ont du chien ces ptites Tchèques quand même...) et un peu plus de dialogues que dans ces aventures datant de 58. L'histoire est également un peu plus tenue que dans ce précédent opus mais là encore, tout de même, ça péchouille un peu : dommage que l'ami Zeman se lâche un peu trop sur les grosses pétarades (tu lui mets un canon dans les mains, au Karel, il va te tirer au moins soixante-douze obus) et oublie un peu en route ses personnages. On aurait aimé, notamment, qu'il s'intéresse un peu plus à cette histoire d'amour - qui partait magiquement - qu'à ces histoires guerrières qui tournent un peu en rond - et ce même si elles ne sont pas dénuées d'un certain humour (l'armée qui décide de balancer fusils et canons pour se moderniser - une bonne gamelle et hop : ça suffit pour effrayer les dinos - et qui se fait prendre une grosse branlée dans la foulée par les rebelles qui ont récupéré tout l'armement : face à un pistolet t'as l'air couillon avec ta bassine en ferraille...). L'univers "spécial et filtré" (une indéniable préférence pour le jaune) de Zeman est toujours aussi visuellement intéressant (on n'est pas sans penser parfois aux Monty Python dans cette technique d'animation bien particulière) mais l'on sent une nouvelle fois un ptit manque de rigueur au niveau du scénar qui part un peu dans tous les sens. Dommage car il y a vraiment des moments exquis.

Barbe-Noire le Pirate (Blackbeard, the Pirate) (1952) de Raoul Walsh

On peut dire que Walsh fait le taff dans cette classique histoire de pirate idéale pour un dimanche aprème de notre jeunesse. Le pirate a la barbe bien noire, le héros est racé et fait pas loin de deux mètres (Keith Andes is Maynard, le type super costaud sans beaucoup de charisme), la belle a la voix suave (c'est Linda Darnell et son léger strabisme craquant qui s'y colle), le second de Barbe-Noire (William Bendix faisant le clown ou râlant) est un fourbe, l'équipage est une vraie armée de fourbes, les trésors sont amenés sur des îles désertes mais jamais enterrés selon les plans initiaux - la confiance ne règne point dans ce monde de fourbes (tiens, je vais creuser dans mon jardin cet aprèm, y'a pas de raison), les abordages sont violents et les vilains après avoir joués tout du long les trompe-la-mort sont finalement cruellement punis.

On est dans le bon vieil artisanat de base du film de pirate mais avouons que l'ensemble manque cruellement d'aventures piratesques au sens stricts (tu les sens, les embruns, tu les sens ? Pas moi), les bateaux semblant toujours restés à quai ; même l'île déserte sent un peu le renfermé, ce qui est quand même le comble pour une île déserte (après, qu'on se sente enfermés sur une île, je ne discute pas...). On espérait que Linda Darnell apporte un vrai parfum d'érotisme, eh bien elle y parvient au départ - cette façon de parler à demi-mot à un mâle en se rapprochant coquinement de lui - mais elle est malheureusement par la suite affreusement sous-employée (elle semble condamnée à être accrochée au mât pour jouer les pots de fleur ou les guirlandes dans ce monde qui sent à plein nez la pilosité masculine). On assiste aux pas gymnastiques de cette grande gigue de Andes toujours sérieux comme un pape - peu sexy même quand il exhibe son torse imberbe de grand fou - ou aux ricanements forcés et agaçants de ce barbu dépenaillé qui finira par bouffer du sable et de l'eau salé, sans vraiment jamais rentrer à fond dans ce récit par trop attendu. On se frotte enfin les mains lors d'un pugilat entre corsaires et hommes du Captain Morgan (lui aussi plutôt décevant : il ne boit pas une goutte de ruhm... Ce n'est pas le vrai Captain Morgan), enfin un abordage en bonne et due forme se dit-on, c'est une vraie mêlée ouverte… qui est tristement avortée avant son terme comme si le gars Walsh avait voulu nous frustrés - mais pourquoi, hein, pourquoi ?... Bref, on pourrait aisément s'en satisfaire en visionnant le film enfant ; on ne peut tout de même s'empêcher de constater, en faisant moins l'enfant, que Walsh nous livre le minimum syndicale et que cette barbe noire est parfois limite rasante (le gag final, oui). Ptit Walsh - ce qui est déjà un "bon" film.

LIVRE : L'Autofictif en vie sous les décombres d'Eric Chevillard - 2014

6ème tome des aventures hebdomadaires de l'Autofictif, et est-ce justement qu'on est habitués aux fulgurances de maître Chevillard ou que le concept commence à montrer des traces d'usure, le fait est que le charme agit moins qu'au début. Je l'avais déjà dit pour l'opus 5 : Chevillard a perdu en rapidité, en économie de moyens. Là où il savait condenser, envoyer une phrase fatidique de quelques mots dans laquelle chacun était pesé et suffisant, il lui faut à présent un paragraphe complet pour le même (voire pour un moins bon) résultat. Pour être vraiment méchant, c'est un peu à l'image des derniers romans de notre héros : ils deviennent un peu bavards, l'enfouissement sous les mots (thème éternel de Chevillard) confinant maintenant à devenir un défaut plus qu'un sujet. Alors bien sûr, il y a dans cette mouture 2014 nombre de traits impeccablement drôles, et parfois le gars retrouve ce rythme incroyable de jadis ("L'oiseau est le parachute de l'oeuf", point final : c'est suffisant pour être génial et déclencher immédiatement l'imaginaire, côtoyer le surréalisme et la poésie, et faire rire par-dessus le marché). Bien secondé par ses petites filles, pas avares en bons mots involontaires mais déjà chevillardiens, il parvient à retrouver souvent cette naïveté de regard, cet univers très personnel où se côtoient un bestiaire invraissemblable, quelques jeux de mots imparables et le quotidien le plus trivial. Qu'il parle de ses contemporains de bistrot, de la girafe ou de son peigne, il est la plupart du temps renversant.

Il l'est moins quand il devient plus sérieux (ce recueil est plus grave que les autres, gagné par une vraie hantise de la mort, de la vieillesse, de la panne d'écrivain, du succès qui ne vient pas), dans des sorties un peu fatigantes à force ; il l'est encore moins quand il s'attaque avec rage à d'autres écrivains (malgré la viabilité de ses cibles), attaques où il se montre étrangement superficiel et supérieur. On aime quand il dézingue les mauvais romans dans Le Monde toutes les semaines ; ici ça vire un peu au règlement de compte, et on soupçonne un poil d'aigreur dans cette colère ricanante pas digne de lui. Surtout, on cherche en vain cette écriture d'ailleurs, ce style qu'il avait trouvé et qui nous sidérait chaque jour par sa finesse, son intelligence et son originalité. C'est affreux à dire, mais ce "journal" devient presque banal, ressemble même parfois à d'autres (celui de Calaferte entre autres, dans les moments les plus noirs, ce qui, c'est exact, est une qualité). Mais si Chevillard se met à ressembler à quelqu'un d'autre quà Chevillard, je vais pas être d'accord, je le préviens. Alors, deux solutions : écrire moins souvent, ou arrêter l'Autofictif. Deux solutions que je refuse. Je suggèrerai donc plutôt au bon maître de ne pas faire attention à mes grincheries, et de tracer sa route : il m'aura de toutes façons toujours comme lecteur.

La Peau douce (1964) de François Truffaut

Voilà un film de Truffaut relativement "mal aimé" qu'il est tout de même bien agréable de revoir : pour la sublime musique de Delerue (un somptueux thème "romantique" que viennent troubler parfois des accords porteurs d'un certain "malaise" ou soulignant une légère tension), pour la présence de la pétillante et troublante Françoise Dorléac, la maîtresse blonde - qui tranche avec le caractère plus sanguin et affirmé de la brune Nelly Benedetti -, ou encore par les tentatives de Truffaut de varier son montage (l'ami Gols soulignait récemment l'influence d'Hitch sur Truffaut : l'efficacité, entre autres, dans le montage des premières séquences (des plans courts, des inserts sur des objets filmés en gros plans... - s'agit-il d'un film policier ou d'une histoire d'amour ?, se demande-t-on naïvement en connaissant la réponse), semble assez révélatrice du visionnage en boucle des films du maître). Même s'il est vrai que, sur la longueur, le film a tendance à manquer un peu de peps (malgré le montage en "cut" de certaines séquences, petit tic qui n'apporte ici, finalement, pas grand chose au rythme ; faut dire aussi que notre ami Jean Desailly n'est pas non plus particulièrement glamour et donne un petit côté pépère à l'ensemble du film), on prend plaisir à s'attendrir ici ou là à tout ce qui fait la marque de fabrique de la Truffe.

Pierre Lachenay, la quarantaine, marié à une brune avenante avec laquelle il a eu un enfant (Sabine Haudepin toujours au taquet), jouit d'une certaine estime en tant qu'écrivain et conférencier. Une petite vie, en un mot, bien remplie, d'autant que notre homme est souvent amené à voyager en province ou en Europe. Mais voilà, il croise le regard de cette belle hôtesse dont il va avoir bien du mal à ne pas tomber amoureux... On retrouve avec plaisir de nombreuses petites scènes pleinement dédiées à la toute puissance de la sensualité féminine : que Jean Desailly capte, sous un rideau, dans l'avion, les pieds nus de cette belle hôtesse, qu'il fasse une petite remarque, mine de rien, dans la voiture, sur le fait qu'elle porte des jeans (la Françoise, à l'écoute, profitera de l'arrêt à la station service pour enfiler une jupe - c'est à la fois deux fois rien et presque tout...)), qu'il profite de l'assoupissement de sa maîtresse pour glisser ses mains sous sa jupe et lui défaire ses bas... Au delà de l'attirance sexuelle, Pierre Lachenay, en vrai gentleman sait aussi faire preuve de petites attentions touchantes (il a certes plus de patience avec sa maîtresse qu'avec sa femme, que voulez-vous ma bonne dame...) comme lorsqu'il se contente de regarder Françoise Dorléac danser ("ce sera mon plaisir" dit-il en substance) ou lorsqu'il se rend compte qu'un hôtel de passe, même en dernier recours, ne peut convenir à leur relation secrète. Pierre Lachenay (au delà du clin d'oeil à l'ami d'enfance de Truffaut, dans "Lachenay", il y a aussi "lâche"...) a tout de même beaucoup de mal à assumer pleinement cet adultère : il préfère multiplier les mensonges, avec sa femme, même une fois que celle-ci aura évoqué l'idée d'un divorce ("Je te jure que je ne vois pas une autre femme" - ben oui, mon coco), et fait également preuve d'une terrible nervosité, lors de son voyage en province, pour que personne ne soupçonne sa liaison (quitte à complètement abandonner, pour un temps, la douce Françoise à son sort...). Les deux femmes, elles, font preuve de beaucoup plus de force de caractère, et notre Pierre de payer, finalement, son manque de courage, ses hésitations, ses petites et grandes trahisons, au prix fort...

La Peau douce est aussi l'occasion pour Truffaut de dresser un petit tableau de la vie de province assez pathétique et qui n'aurait sans doute point déplu à Flaubert (du chanoine de Reims à ces vieilles peaux responsables culturelles, le portrait est assez gratiné - même le trublion Ceccaldi, fort en gueule, ex-parigo qui passe son temps à  justifier son installation à Reims, est piteusement ridiculisé au passage). On retrouve également le goût de Truffaut pour les bons mots (Desailly citant l'incontournable Guitry : "Elle bâillait devant lui et il lui a dit bye bye..." ou Ceccaldi, pleine bourre, se saoûlant de ses propres paroles : "Excellent ton discours, du Mozart, du pur porc !" (...)) ou pour les petites scènes du quotidien qui prennent une tournure "poétique" (le chaton qui vient grappiller sur le plateau du petit-déj "après l'amour" - petit clin d'oeil à l'une de nos fidèles lectrices) ou "comico-dramatique" (l'inconnu qui aborde Nelly dans la rue après s'être rincé l'oeil sur la couture de ses bas et qui en prend, le bougre, pour son grade)... Un film qui manque peut-être un peu d'aspérités, voire, dans sa dernière partie un peu longuette, de réelle originalité (on suit le sentier très balisé d'un adultère bourgeois vécu "en douce" avant que le pot-aux-roses "explose") mais qui reste suffisamment plaisant pour tout bon fan de Truffaut qui se respecte.   (Shang - 06/02/11)

Tout est dit, même si j'ai tendance à être un peu plus amoureux que mon Shang de ce film effectivement mal-aimé (ma fameuse préférence envers les truffaut dits mineurs, sans doute...). Même s'il reste assez froid, contre la volonté évidente de la truffe qui voudrait bien en faire un film sensible et profond, j'ai été assez admiratif sur la forme, véritable leçon de montage et de rythme. Hitchcockien à mort, grâce effectivement à ces curieux inserts sur les objets qui donnent un faux suspense à cette histoire assez pathétique, le film prend tous les airs d'un suspense diabolique, alors qu'il ne s'agit que d'un banal adultère en milieu bourgeois qui aurait pu donner un bon vieux roman-photo. De la coiffure de l'héroïne, qui ressucite les fantômes de Marnie et de Madeleine, à cette façon d'utiliser la musique en harmonie avec les gestes des personnages qui ressucite celui de Bernard Herrmann, jusqu'à cette scène étrange avec l'ami de province où on filme les pieds qui se rejoignent, s'éloignent et se retrouvent (clin d'oeil à Strangers on a Train), tout ramène au maître ; et c'est une grande idée de tenter d'adapter les grandes recettes de Bouddha aux inspirations sentimentales de Truffaut. On est même presque déçu par le dénouement meurtrier, peu crédible pour conclure un film qui traite d'un sujet aussi petit (souvenir du dernier plan fulgurant de Nous ne vieillirons pas ensemble de Pialat, autrement plus génial qu'ici).

Du coup, grâce à cette atmosphère toute de suspense et de fausses pistes, le film est tendu comme tout. C'est vrai, il est un peu long et ne tient pas ses promesses jusqu'au bout, mais ça ne fait rien : à la fois en pleine classe américaine et fidèle à son style, Truffaut est ici très habile. Et très sensuel : son film est sans cesse à deux centimètres de ses acteurs, faisant sentir le grain, justement, des peaux. Et très subtil : les mini-situations qu'il met en place, et sa façon de les filmer sont d'une délicatesse délicieuse. Il suffit d'un plan sur un carrefour, d'un regard sur les chaussures de Dorléac (cette fascination, déjà, pour les pieds et les chaussures, fêtichisme qui là encore le rapproche de Hitch), d'un petit geste esquissé sur un collier ou d'une réplique littéraire, pour évoquer tout un univers mental du protagoniste principal, fait d'amour propre, de frustrations, de doutes, de fantasmes, d'orgueil. Truffaut attaque frontalement la petite-bourgeoisie, aussi bien dans ses scènes les plus directes (le jeu de massacre de la conférence sur Gide en province) que dans le portrait même de cet homme pathétique qui s'offre une hôtesse de l'air. Dorléac, en fantasme fantomatique, en symbole et en surface, est parfaite, et Desailly incarne avec une totale absence de jugement son petit mec : personnellement, je trouve que le rendre plus glamour aurait été une grosse erreur, puisqu'il est censé représenter la banalité du fantasme masculin le plus étriqué. Bon, un grand petit Truffaut, comme tous les petits Truffaut.   (Gols - 22/02/14)

Tout Truffaut : clique et profite

Le Pot d'un Million de ryō (Tange Sazen yowa : Hyakuman ryo no tsubo) (1935) de Sadao Yamanaka

Il faut toujours tendre une oreille attentive aux lecteurs de ce blog ; toujours dit qu'ils avaient plus de goût que les deux zigs qui tiennent la maison. Bref, si je gardais un excellent souenir de Pauvres humains et ballons de papier de ce même Yamanaka (je pensais d'ailleurs que c'était le seul film qui avait survécu à sa mort précoce - il n'en est rien puisqu'outre ce film, il y a également Priest of Darkness qui est apparemment visible - c'est tout ?), je ne pensais pas être autant cueilli par cette petite merveille. C'est terriblement drôle, gentiment dramatique mais toujours teinté de drôlerie, captivant, entraînant (sublime ritournelle musicale) et puis surtout vachement drôle. Tout est fabuleusement conçu dans cette histoire, de cette idée scénar de départ (la recherche du fameux pot qui passe de mains en mains) à cette tribu d'acteurs (Yamanaka fait vivre une douzaine de personnages qui ont tous quelque chose à défendre), de cette mauvaise foi à répétition (dès qu'une personne dit "non" à quelque chose, elle cède dans la scène suivante - et dès que, plus tard, cela pose un problème, elle parvient généralement à sauver la face en rappelant sa position initiale) à ces situations graves (la mort d'une mère, d'un père, la mise à mort d'un bandit en pleine rue...) qui sont toujours traitées de façon légère, histoire de désamorcer la tension, de relativiser le sens de la vie, de ne pas dramatiser bêtement...

On pense au départ que le scénario va nous amener dans de multiples endroits et l'on échoue finalement assez rapidement dans un magasin de tirs à l'arc (encore une de ces petites boutiques qui a disparu de nos jours...). Le maître des lieux, un samouraï - entre Ziggy Stardust (la rayure à l'oeil), Johnny Halliday (la bouche qui tombe) et Djamel Debbouze (le bras en moins) - est fort en gueule et vit aux crochets... de sa femme, une bien jolie tenancière qui aime à pousser la chansonnette (le gag à répétition de la statue du chat qu'il retourne pour montrer qu'elle casse les oreilles : magnifiquement filée)). On va croiser aussi en ce lieu un homme marié (le "boss" local) qui vient flirter avec une mignonette assistante et dont les flèches (sentimentales) partent dans tous les sens et un orphelin que le couple a adopté un peu à reculons mais dont ils sont forcément gaga. Il y a ensuite tous les personnages qui traquent le fameux pot qui vaut des millions mais dont l'on finira par oublier la valeur financière au profit de valeurs sentimentales. Jusqu'au bout, le film, en parfait équilibre entre les gros soucis du quotidien et les situations burlesques, parvient ainsi à charmer.

A partir d'un rien, sans jamais non plus complètement négliger la trame principale, le fil rouge du pot, Yamanaka tresse des séquences qui font mouche. Les séances ratées de tir à l'arc, celles mignonnes de pêche aux poissons rouges (lorsque le boss flirte en pêchant à la ligne, Hagino, sa femme, le guette et fulmine - et il y a toujours un ptit détail, un ptit geste qui tue : le fameux "huilage" du fil avec le nez !), la scène du combat pierrerichardesque sur la fin ou celle où l'on découvre le nombre monstrueux de pots récoltés en pure perte, la séquence où le boss joue les ninja pour partir incognito et retombe comme un couillon dans sa propre cour en passant pour un voleur et j'en passe... Tout comme un Ozu, Yamanaka sait toujours penser, en dirigeant ses acteurs, à des micro-attitudes, des comportements singuliers qui non seulement sont souvent piquants mais donne aussi du relief à chacun : les grognement du samouraï quand il perd au jeu, la tenancière et son fils adoptif qui adoptent exactement la même posture embarrassée (typiquement ozuesque...) lorsque les problèmes s'accumulent, le type qui récolte les pots qui cache toujours ses bras (il a en plus une tronche qui marque déjà des points...). On ne s'ennuie pas une seconde toujours émerveillé de voir comment Yamanaka contrôle parfaitement sa structure narrative tout en sautant d'un personnage à l'autre. Je crois que j'ai aimé, hein.  

Only Lovers left alive (2014) de Jim Jarmusch

Je suis un fan absolu de Dead Man. Force est malheureusement de constater que le charme de Jarmusch a bien du mal à autant agir sur moi depuis une poignée de films. On ne peut lui reprocher de savoir planter des ambiances propres à lui : Tanger, Detroit, Swinton, Hiddleston même combats ; soit donc dans ces deux cités romantiques et délabrés deux dandys vampires déprimés et déprimants entourés d'objets vintage (on est pas chez Christophe Lambert, hein, on ne collectionne pas les beaux meubles et les cornemuses, là on est dans la culture de chez culture, nos deux héros étant entourés de vinyles, de bouquins, d'une vieille pile de magazines des Inrocks et de Rock et Folk en vrac dans un coin, de livres d'art, d'instruments de musique...). S'ils parviennent à reprendre un peu de couleur chaque fois qu'ils boivent leur petit gorgeon de sang non contaminé (ces cons d'humains, les zombies, même pas foutus de prendre soin de l'essentiel), ils ne sont guère jouasses pour autant. Swinton fera le voyage jusqu'à Détroit alors que Hiddleston est à deux doigts de se destroyer, justement... Ils seront rejoint pour un temps (un peu de sang neuf) par la pétillante Mia Wasikowska qui ne pense qu'à faire la bamboche et des conneries (ouah la charge sur la nouvelle génération aussi creuse qu'une méga teuf mise en scène par Harmony Korine) et devront réparer au final ses conneries. Cela poussera notre petit couple à revenir à Tanger... pour mourir ou renaître...

On n'est pas dans le film à suspense, ni à rebondissement, on est bien dans du Jarmush pur jus, où l'on vit d'errance, où l'on écoute des morceaux de gratte pendant dix minutes, où les dialogues minimalistes sont parfois drôles (Mia, she sucks, eheh), où les personnages écrasés par le poids du monde et celui des ans ont tellement l'air de se faire chier que le spectateur n'ose à peine se plaindre (bah, ça ne dure que deux heures, ça va...)... C'est à la fois diablement poussif et terriblement coooooool (les personnages de Jarmusch sont définitivement coool, même John Hurt, 435 ans dans la vraie vie, est tellement zen qu'il finit par ressembler à une vieille branche d'arbre toute moussue) ; on apprécie forcément la musique - je dis forcément parce qu'elle est vite entêtante (quand tu écoutes pendant deux heures le même thème, ça marche), on applaudit à la beauté des cadres et des lumières, au choix du petit accessoire dans le décor qui fait trop staayyyyle, on serait presque près à trouver que notre couple (bla-)phare (ohoh) a un charisme qui flingue (même s'ils se la pètent un peu avec leur lunette de soleil de star vampirisé - ils ne nous prendraient pas, nous vulgaires zombies, un peu de haut, nan ?) mais le discours est tellement usé (putain de 21ème siècle tout pourri, c'était mieux il y a des siècles... à l'époque d'Eddie Cochrane - ouais Jarmusch a jamais connu Byron même s'il veut nous faire croire le contraire) qu'on ne peut s'empêcher de trouver le gars Jarmusch parfois un peu creux - oui, c'est bas. Oui, il a l'art de la nonchalance, de la cool attitude mâtinée de référence artistiques mais son périple americano-marocain vampirise aussi souvent d'ennui son spectateur.  Je continue de flirter avec Jarmusch - en lui reconnaissant définitivement une patte - sans être vraiment totalement séduit ni amoureux (Jarmusch, c'était mieux avant - j'aime la mauvaise foi...)

Song of the Horse (Uma No Uta) (1971) d'Akira Kurosawa

Même quand les odyssées sont terminées, le voyage continue, c'est ça aussi la magie Shangols (avec la collaboration du gars Totorochi). Voici donc, contre toute attente, un doc du grand Kurosawa... sur les chevaux. Si on cherchait à faire dans le lyrisme, on pourrait dire qu'il s'agit d'une véritable déclaration d'amour d'AK au meilleur ami de l'homme. Si on voulait se faire plus prosaïque on dirait qu'il s'agit d'une pub un peu longue pour le tiercé... Oui, bon, allez c'est sympa de voir de jeunes poulains s'ébrouer dans un pré ou de jeunes chevaux se défouler en courant sur une plage sur un vague air de trompette ("Moi je joue de la trompette, pirouette, cacahuète..." désolé rien à voir, un air du jouet de ma gamine qui m'a plombé la tête). Franchement je n'ai rien contre les chevaux d'autant que, chinoisement, c'est quand même leur année. Mais avouons aussi que cela ne casse pas cinq pattes à une jument. Kurosawa nous fait la totale sur la vie du cheval de compète : sa naissance, ses gambadages (...) dans la campagne,  sa mise en vente et sa mise au vert, ses premiers entraînements à l'âge de deux ans, ses premières courses à trois... Et on regarde cela avec le même regard torve que celui d'un cheval.

Après le côté bucolique, Kuro nous amène sur les champs de course où le cheval après ne pas avoir branlé grand-chose pendant quelques mois doit enfin gagner sa croute. Ce n'est pas facile d'en arriver là : il a dû s'habituer à sa chienne de selle et apprendre à rentrer sans trop rechigner dans le portillon des starts. On le voit, c'est assez passionnant - heureusement de temps en temps, musicalement parlant, des percussions viennent tenter de donner le rythme au bazar (ouah un cheval qui court c'est bôôôôô), ce qui nous évite pour un temps ce putain d'air de trompette. On préfère quand l'ami Kuro filme les chevaux avec des guerriers dessus, pour sûr, mais bon, il devait traverser une sale passe (il tentera d'ailleurs de se suicider dans la foulée ce qui est tout à son honneur - je plaisante bien sûr, ce devait être le contre-coup de Dodes'ka-den qui fut un terrible échec public (film que je ne peux que vous recommander pour la douzième fois). Pour la petite histoire d'ailleurs, les deux narrateurs du doc jouent le rôle du mendiant et de son gamin dans Dodes'ka-den). Bref, il faut vraiment avoir la hargne du type jusqu'au-boutiste pour aller fouiller dans les moindres recoins de l'oeuvre du grand maître. Pour fans ultimes donc ou joueurs de PMU en réhab. Vraiment le truc de derrière les fagots pour briller dans le milieu des écuries - t'as vu le film de Kurosawa sur les chevaux ? - ouais, utile quand même.

Tout Kuro c'est là 

Ne vous Retournez pas (Don't Look now) (1973) de Nicolas Roeg

Bien belle découverte que ce film de Roeg que je ne connaissais point et dont je suis encore sous le charme. On est à la frontière entre le fantastique, le mysticisme et... la réalité dans ce film qui traite avec une intelligence rare du deuil, de la perte et des tourments psychologiques dans lesquels on s'enferre. Roeg joue sur la répétition des motifs (la couleur rouge, le bris de glace, l'eau, les signes religieux) et, à l'aide d'un montage percutant, brouille les pistes dans une Venise labyrinthique qui illustre, à la perfection, les troubles des deux personnages principaux. Donald Sutherland, affublé d'une perruque incroyable, et Julie Christie font preuve d'une réelle alchimie pour traduire les doutes mais aussi l'amour qui tente de subsister dans ce couple traumatisé.

Une séquence d'ouverture qui vous cloue sur votre siège : une petite fille qui se balade au bord d'un étang, qui joue avec un ballon rouge, un gamin qui fait du vélo, qui roule sur du verre, un couple paisible dans une grande maison, la femme sur le canapé, le mari qui se projette des diapos, les images s'enchaînent intelligemment comme si un objet en appelait un autre, l'atmosphère est comme glacée, le silence domine et le drame survient... Donald regarde de plus près la diapo d'une église sur laquelle du sang se répand, se précipite soudainement en direction de l'étang mais il est trop tard, sa petite fille en rouge s'est noyée... On retrouve notre couple à Venise ainsi que, plus tard, cette image (fondatrice, prédestinée?) de l'église : est-ce un rêve, n'est-ce qu'une "projection", entre-t-on dans l'esprit perturbé de notre couple ou assiste-t-on simplement aux affres du deuil, à chacun d'y voir ce qu'il désire y trouver...

Donald s'occupe donc de la restauration d'une église vénitienne accompagné de son épouse. Le couple semble essayer lui-même de se reconstruire après cet accident terrible. Au cours d'un repas dans un resto, Julie fait la connaissance de deux femmes dont l'une est aveugle et possède des pouvoirs de médium - je vous rassure, on n'est pas dans Stephen King (Daphne du Maurier, les fans du Hitch opinent). La médium voit l'image de leur petite fille et cette vision apaise notre Julie qui retrouve le sourire ; lorsqu'elle en fait part à son mari, ce dernier demeure dubitatif mais ne pousse pas plus loin la critique, constatant à quel point sa femme semble rassérenée. S'en suivra une scène d'amour d'anthologie (comme on en fait plus d'ailleurs), comme si le couple parvenait à se retrouver pour la première fois depuis le drame... On est loin, cependant, d'en avoir fini avec le souvenir de cet enfant perdu. Julie, malgré le sceptiscisme de Donald, retrouve la médium qui lui fait part cette fois-ci de ses craintes : cette dernière est persuadée que le Donald risque d'être victime d'un accident fatal... On plonge peu à peu dans une atmosphère de plus en plus étrange - un serial-killer qui rôde et dont on retrouve les victimes dans les eaux du canal, un Donald qui frôle la mort sur un échafaudage sous les yeux d'un prêtre inquiétant puis qui part à la recherche de sa femme alors que cette dernière est censée être repartie chez eux (il est persuadé de l'avoir vue sur un bateau en présence des deux femmes alors qu'elle a déjà pris l'avion...)... Est-ce que le mécanisme de la fatalité est à nouveau enclenché (encore et toujours ces multiples correspondances entre les différents motifs énoncés plus haut...), est-ce que le Donald ne s'est point enfermé, à son tour, dans un dangereux système de croyance, l'opacité de ces petites rues cachent en tout cas un dénouement sanglant...

On aurait presque envie de revoir le film dans la foulée pour prendre à nouveau plaisir à la construction complexe de ce récit où chaque image, chaque détail, est pensé, travaillé. Roeg réalise un petit chef-d'oeuvre dont certaines séquences ne peuvent que finir par nous hanter l'esprit. Si l'on se perd un peu parfois dans le dédale de ces petites rues, voire même dans le fil narratif, on plonge également, semble-t-il, de plus en plus profondément dans les états d'âme de ce couple qui a perdu tous ses repères, qui s'accroche désespérément à chaque espoir. Mais ils paraissent d'ores et déjà engagés dans un chemin de non retour... Bref, une oeuvre intense à l'esthétisme particulièrement soigné et avec une vraie intelligence dans le montage (de multiples pistes resteraient d'ailleurs à suivre). Un conseil, look it now - or as soon as possible, hum !   (Shang - 16/02/09)

Si vous voulez mon avis, il serait bon de suivre plus souvent les conseils du gars Shang. J'ai attendu plusieurs années pour suivre celui-ci, mais m'en voilà récompensé : oui, Don't Look Now est une petite merveille, autant dans la forme que dans le fond, et je dis ça en ayant conscience qu'il s'agit d'un film anglais. Je reviens deux minutes sur cette effarante scène d'ouverture, pour insister sur le fait qu'on a rarement vu montage aussi virtuose, Roeg jonglant dans un rythme effréné entre différents lieux et différents personnages, et finissant pourtant par trouver des correspondances entre eux : 4 personnages séparés et qui vont finir par fusionner dans la mort de l'un d'entre eux, le tout appuyé par des ralentis à se damner, un sens du cadre parfait, une esthétique à la Dario Argento (auquel on pense souvent tout au long du bazar), et un goût certain pour l'abstraction avec cette diapo qui se strie de rouge façon pop-art morbide. Après ces premières minutes, c'est bon, on est gagné à la cause de ce film qui pourra bien désormais nous emmener où il veut.

Roeg a bien conscience qu'il nous possède, et prend alors tout son temps pour nous emmener à son point central (le dénouement, bluffant) : le film ne raconte pratiquement rien, il ne s'y passe même pas grand-chose. C'est simplement la beauté du montage qui fait qu'on est inquiet, tendu, en attente. Roeg adore les inserts, et en sème partout, façon coup de fouet, pour éveiller notre attention sur tel ou tel détail... qui s'avèrera presque toujours une fausse piste. Sa façon de filmer les ruelles de Venise, encore hantées par les spectres de Visconti, est parlante elle aussi : complètement désertes, comme post-apocalyptiques, faisant entendre d'étranges échos (le travail sur le son est tout aussi précis que celui sur le montage), elles sont inquiétantes à mort, et les personnages ne cessent de s'y perdre, de se poursuivre sans pouvoir se retrouver. Avec eux, on est nous aussi happé par ce décor sans ciel, Roeg brouillant complètement les repères géographiques comme si on était dans un rêve, ou dans l'inconscient labyrinthique du héros. Le jeu de Sutherland, parfait, et son physique toujours étrange, ajoutent à l'envoûtement macabre de ce film, dont on ne sait pas pourquoi il nous inquiète, qui demeure insaisissable. On a peur, et on se rend compte qu'il n'y a aucune raison concrète à cela : tout ça grâce à la pure mise en scène. C'est génial.  Une découverte tardive (pour moi) mais plus que nécessaire, un des meilleurs films fantastiques en tout cas.   (Gols - 20/02/14)

8 ans...

8 ans aujourd'hui que Shangols existe. L'occasion de faire le point.

Aujourd'hui, donc, à 15h34 heure française :

Nous avons critiqué 4952 films et 669 livres.
1541 réalisateurs sont présents sur le site.
Claude Lelouch n'y figure pas.
Le visionnage des films représente environ 9078 heures et 40 mn (j'ai pris une moyenne d'1h50, hein), ce qui représente 378 jours. Mais attention, environ 15% ont été vus par les deux compères, soit, allez, tac tac, j'arrondis : 434 jours, donc 1 an et 69 jours, sans dormir sauf devant les Straub.

Les réalisateurs les plus représentés : Godard (89 films) et Ford (86 films).
Le plus controversé entre les deux compères : sûrement Spielberg.
Le film pour lequel on est prêts à coucher si vous en avez une copie, au passage : The Brat de John Ford.
Le film qu'on est les seuls à avoir vu : Chut(e)

L'acteur qui nous rassemblera toujours :
ou ?

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Le premier article : Harakiri de Kobayashi (Shang) (ici) et La Secrétaire de Shainberg (Gols) (ici)

Voilà. Bon anniversaire à nous. Je crois qu'il fallait le dire.