L'Homme qui n'a pas d'Etoile (Man without a Star) (1955) de King Vidor
Kirk Douglas n'a pas d'étoile - non pas qu'il déteste les shérifs (ohoh) mais il n'en suit aucune -, est un homme libre et déteste ô combien les fils barbelés. On comprendra son traumatisme à l'heure de jeu (l'incontournable "blessure" - dans tous les sens du terme ici - du héros de western taciturne) mais comme il n'est point non plus homme trop buté, le Kirk saura évoluer en fonction des circonstances : pasque voilà, si les barbelés sur la prairie bousillent indiscutablement le paysage et la libre-circulation, c'est aussi le seul moyen pour les petits propriétaires de se protéger, de conserver une terre bonne à paître pour leur troupeau en hiver face au mastodonte de l'élevage qui bouffe tout sur leur passage. Kirk finira par prendre la défense des plus faibles - quitte à aller contre ses principes - avant de reprendre la route tel a poor lonesome cowboy.
Une série de personnages relativement prévisibles (le petit jeunot que Kirk prend sous sa coupe : il lui apprend tout, l'autre se rebelle pour gagner son autonomie (je suis pas ton kid, mais euh, merde quoi !) avant de retomber dans les bras de son vieux buddy ; la pute au grand coeur avec des kilomètres au compteur (sorry dear Clair Trevor) ; la patronne moderne (avoir une salle de bain dans un ranch c'est stayyyyle) chaude comme la braise (toujours partante pour montrer mollets et fendre jupes) : Jeanne Crain, diablement sexy tout de même), une mise en scène tardive du Vidor qui n'a rien de franchement exceptionnel (ça finit par fumer un peu sur la fin avec ce troupeau de boeufs lancé à pleine vitesse et magnifiquement filmé... c'est déjà ça) mais un Kirk, lui, il faut le reconnaître, en pleine bourre : tour à tour sage en simple formateur et sauvage quand on le titille un peu trop, solitaire endurci et amoureux impulsif (qui ne s'amourache jamais de trop et sait partir à temps), buveur à la coule et cascadeur en boule, clown grimaçant (le Kirk toujours plein d'ironie et frôlant parfois le burlesque) et cow-boy menaçant (le sang et l'écume aux lèvres), notre homme se donne à fond. A défaut de grands moments et de scènes cultes, on pourra se raccrocher aux épaules - larges - de notre gars Douglas qui sait toujours apporter quelque chose de tonifiant dans un objet filmique. Un Vidor honnête qui s'efface indéniablement derrière la carrure d'un très bon Kirk.
L'Homme au Fusil (Man with the Gun) (1955) de Richard Wilson
Le matage de tout film où Mitchum marche n'est pas une perte de temps. Mitchum c'est l'homme à la démarche la plus smooth de tous les temps. Mais que vaut-il vraiment dans ce western des mid-fifties signé de l'obscur Richard Wilson - dont il s'agit d'ailleurs du premier film ? Il faut bien reconnaître lors de la première heure qu'on est un peu dans le plan-plan aussi bien au niveau du scénar que dans la mise en scène : une ville où règnent en maîtres des petits caïds - qui agissent eux-mêmes sous la houlette d'un ventripotent homme de main qui reste longtemps dans l'ombre (belle apparition sur la fin "à la Welles"), un type qui passe par là et qui aime à jouer les redresseurs de tort (Mitchum seul contre tous), des personnages féminins qui n'ont d'yeux que pour notre héros (l'ancien amante de Mitch qui ne veut rien lui montrer, une jeune femme sur le point de se marier avec son ami d'enfance qui flaire toute la virilité du Mitch, une pute idiote à la taille fine...) et des habitants bien passifs qui voudraient que Mitch se débarrasse du poison qui pourrit la bourgade sans trop faire de dégâts non plus - autrement dit sans trop semer de cadavres ou casser de la baraque en bois (po bon pour le commerce)...
La première heure n'est pas franchement déplaisante en soi, mais avouons que c'est presque aussi lisse que la toile cirée d'un saloon. On commence vraiment à plonger dans la personnalité du Mitch (peace man but also... hell man) lorsqu'on apprend l'épisode crucial de son enfance et surtout lorsqu'il a vent d'une terrible nouvelle qui va le faire flirter avec son côté le plus obscur, le plus infernal (le regard de traviole éclairé par les flammes que lance le Mitch après une vengeance un tantinet gratuite !!! Du Mitchum pur jus). Même Wilson finit par nous épater - justement au début de cette scène qui finit dans les flammes - avec un magnifique petit travelling de derrière les fagots : Mitchum tourne autour de sa future proie accoudée au bar, prêt à tout pour le prendre dans ses filets (le coup du lustre pour lui faire plier un genou, la remise du couteau pour lui faire signer son acte de mort). Le réal remonte encore un poil dans notre estime lorsqu'il signe ce joli plan symétrique avec Mitchum face à son amante que l'on perçoit derrière les rideaux d'une porte d'entrée, les deux étant séparés par un poteau en bois : parviendront-ils un jour à se rejoindre, à s'aimer à nouveau...? Wilson finira même par gagner toute notre sympathie lors de ce final filmé quasiment au ralenti et magnifiquement chorégraphié, le tout subtilement mis en musique - toute en fines nuances très discrètes. On n'est sans doute point dans le plan d'anthologie mais l'ensemble de cette séquence est tout de même de fort belle tenue - le roulage de pelle sur le générique finirait presque quant à lui par nous arracher un ptit sourire de tendresse... Richard Wilson est loin d'être un génie méconnu, hein, mais le type tente quelques plans tout à son honneur. Not a golden gun, for sure, mais un gun qui fait le boulot... Et pis il y a Mitch, les gars, the true one...
The Devil's Rejects de Rob Zombie - 2005
Diable, on envoie un film d'horreur qu'on imagine banal (surtout après avoir vu l'affreux remake d'Halloween signé du même réalisateur), et on tombe sur un pur machin frôlant le culte. Machin, c'est bien le mot, tant Zombie aime se frotter avec les frontières du genre, avec la pure expérimentation, et envoie balader toutes les références de style liées au genre. Tout en étant dans l'hommage (parfois trop) appuyé au cinéma d'horreur des années 80, il réalise un truc complètement barré, rock'n roll et trash qui marque des points. Amis du bon goût, rangez vos yeux : ici, c'est ambiguité et grincements à tous les étages.
Dans une sorte de copie de Texas Chainsaw Massacre, Zombie nous présente une famille de serial-killers, une de celles où la solidarité est de mise dans la tuerie de masse et l'étripage de jeunes filles. Le film débute au moment où elle est encerclée par les flics. Deux de ses membres parviennent à s'enfuir, et commence alors une cavale sanglante sur les petites routes américaines, qui va laisser derrière elle pas mal de tas de chair sanguinolents. Peu à peu, les rôles s'inversent : les tueurs deviennent les vrais héros du bazar, sympas et drôles, et les flics (menés par un impressionnant William Forsythe) sont les vrais monstres, ceux qui se laissent dépasser part leur propre soif de violence. Tout en ambiguité, dons, d'autant que les personnages de méchants sont particulièrement soignés : une petite bombe blonde aussi sexy que monstrueuse, un baboss sur le retour fan d'écorchages de visages, et surtout le patriarche : un clown trash directement issu du Grand-Guignol à la King, dents avariée et barbe cradingue, mais hilarité constante. Grâce à lui, le film vire brusquement vers la farce grotesque, et gagne en sulfure. Je l'ai toujours dit et ça se confirme ici : pour faire vraiment peur, il faut mêler le grotesque à l'effroi, l'humour au gore. L'humour de The Devil's Rejects est d'autant plus fort qu'il est de mauvais goût, dérangeant, ricanant façon punk.
Zombie, épouse la démesure de ses personnages par une mise en scène spectaculaire, hyper dynamique et rock. Les scènes d'horreur vont loin dans le sadisme, et sont montées avec une gestion de la tension impressionnante. Les scènes plus gore, finalement assez rares, sont réjouissantes de frontalité (le cadavre de cette femme frappée de plein fouet par un 15 tonnes est immonde). Mais ce que Zombie réussit le plus finalement, c'est quand il s'intéresse plus particulièrement aux liens familiaux, à l'épopée quasi-héroïque de ces serial-killers. Après tout, sincères dans leurs actes (qui est de torturer et de tuer, certes, c'est mal), complètement libérés de toute référence morale, les membres du clan Firefly sont de vrais héros romanesques, que Zombie n'hésite pas à déifier de façon très sulfureuse : la fusillade finale, magnifique (on dirait du Peckinpah par moments) en fait des sortes d'icônes légendaires, et ce n'est qu'une fois que le générique tombe qu'on se rend compte qu'on s'est rangé sans scrupule du côté des monstres. Montage impeccable, musique remarquable, foule d'audaces dans la mise en scène (la tuerie tant attendue qui se déroule sur fond de musique country, dans le calme pour ainsi dire) : un vrai bon film d'horreur déviant comme peu en ont réussi. Dérangeant, oui.
La Course de Broadway Bill (Broadway Bill) de Frank Capra - 1934
Si on aime Capra pour son rythme, pour son optimisme parfois sucré, pour cette façon qu'il a de nous envelopper dans des couvertures chaudes pour mieux éveiller notre petit coeur aux beautés de l'humanité, on sera déçu par Broadway Bill. On est assez loin des comédies humaines qui suivront, et le film prend même des airs désenchantés qui flirtent avec la noirceur pure, malgré le (faux) happy end, malgré les apparences de comédie futile, malgré les personnages rigolos et les rebondissements. Notons d'abord que ce film est quand même assez mineur dans l'oeuvre du sieur : grosses maladresses de timing, trame pas passionnante, acteurs moyens (Myrna Loy, pourtant, et son joli minois de fille indépendante), on repassera pour trouver la perfection formelle des grands Capra. L'histoire, toutefois, lui ressemble bien : un gars dont la passion pour les courses hippiques a été étouffée par les obligations économico-capitalistes de la vie (il dirige maintenant une usine pour beau-papa) décide de tout plaquer pour faire courir son étalon fétiche, Broadway Bill ; de petits plans-débrouille en courses au rabais, parviendra-t-il à gagner la fameuse course finale, et tombera-t-il dans les bras de sa belle-soeur émancipée et célibataire ? Détestation de la classe des nantis, glorification des petites gens et de l'artisanat, croyance aveugle dans le Rêve Américain : c'est du Capra tout cuit.
C'est justement là que la lecture du film peut être plus intéressante que ce qu'il laisse paraître. Considérez le personnage principal comme un autoportrait, et vous obtenez une belle profession de foi de la part d'un cinéaste hyper-américain, qui a toujours défendu l'art du self-made man contre celui des cinéastes normatés et issus du même moule capitaliste. Etrangement amer, Broadway Bill est un joli état des lieux du moral du cinéaste, visiblement en plein doute et en même temps en train de planter solidement ses choix artistiques : il s'agit de se battre contre l'institution (ici, des gros propriétaires riches et leurs chevaux stars, mais remplacez-les par des gros producteurs et des vedettes de cinoche, vous verrez ce que je veux dire), de faire soi-même son trou sans concession ; même si on échoue sur le sable en bout de course (le dénouement inattendu), on aura couru la bonne course, et l'important est de l'avoir fait seul. C'est quoi déjà, la phrase de Cyrano ? "ne pas aller bien haut peut-être, mais seul" ? Capra affirme haut et fort une indépendance et un goût pour l'effort qui lui font honneur, et la suite de sa carrière confirmera cet état d'esprit. Que ce film soit assez maladroit, trop long et un peu fade (malgré une façon de filmer les courses de chevaux franchement irréprochable, on dirait du Ford) n'y change rien : voilà un de ces petits films secrets qui sont importants entre deux chefs-d'oeuvre, histoire de faire un bilan.
LIVRE : Le Voyage de G. Mastorna (Il Viaggo di G. Mastorna) de Federico Fellini - 2013
Mais oui mesdames et messieurs, c'est ça les grands : même morts, ils continuent à briller, et à créer. Fellini nous a quittés dans les hurlements de douleur de toute l'équipe de Shangols il y a 20 ans, mais voilà que nous arrive d'outre-tombe ce manuscrit magique, vestige d'un scénario qui n'a jamais pu voir le jour, et que le maestro écrivit juste dans la foulée de 8 1/2, jugez du peu. A cette époque, l'ambition du compère ne connaissait pas de frein, et on est assez sidéré effectivement par l'ampleur du projet : Mastorna, violoncelliste fameux, est vitime d'un crash d'avion alors qu'il se rend en concert à Florence. Il va alors se livrer à un lent vagabondage dans les limbes, et découvrir que la mort est en fait une suite de lieux sordides, grotesques, bruyants, surpeuplés et hyper-modernes, où on peut croiser ses premières amours, ses parents décédés, des curés et des putes. Chaque scène est l'occasion d'une surrenchère d'effets qu'on ne peut que qualifier de felliniens : immenses décors de ville chaotique et labyrinthique, aéroports monstrueux où toutes les époques se rencontrent, rues bordées d'églises de toutes sortes, bordels glauques, etc. Mastorna, candide attachant (le rôle devait être joué par Mastroianni), regarde tout ça en témoin, balancé entre les joies du suicide (scène géniale où tout un peuple se jette joyeusment du haut des immeubles pour se crasher en bas), la douleur des amours perdues, la douceur de retouver ses parents (on pense tout de suite à ce petit geste boulevrsant de la main de Massina à la fin de La Strada), la réalisation déviante de ses fantasmes (le script comporte son lot de maquerelles aux seins forcément énormes), la révolte et la passivité.
Fellini manie façon orfèvre les ruptures de rythme, les changements d'atmosphère, les contrastes entre comédie et tragédie. Le rythme de son film est extraordinaire, pouvant passer sans transition du délire à la plus pure intimité, d'une scène perdue dans le brouillard au baroque à la Roma. Ce qui frappe surtout, c'est qu'il arrive toujours à nous focaliser sur le tout petit personnage de Mastorna, alors même qu'on est en plein chaos, en pleine surenchère visuelle : Mastorna est toujours là, et on regarde tout à travers ses yeux. L'écriture super précise fait qu'on voit déjà sans problème le film que ça aurait donné, et l'enthousiasme de Fellini à le décrire pour Dino de Laurentiis dans sa lettre "de motivation" fait le reste : sur le papier tout est déjà là, chaque figurant (brossé en quelques mots, comme un caricaturiste), chaque ambiance, chaque épisode qui jalonne cette descente aux enfers. L'univers fellinien, hyper-repérable, est complètement en place dès les premiers mots. Bref : voilà un vrai film de Fellini, qui ne manque de pratiquement rien pour être aussi achevé que les autres. Et qui plus est, voilà un des grands films de Fellini.
L'Atlantide de Georg Wilhelm Pabst - 1932
On ne peut pas toujours être génial, surtout quand on doit jongler avec des nouvelles technologies, vous me direz pas le contraire. Pabst se vautre quelque peu avec cette version française de L'Atlantide (il en a fait une allemande et une anglaise, paraît-il), mais on ne peut pas trop lui en vouloir : génie du muet, il éprouve quelque mal, c'est sûr, à s'adapter au parlant, et nous balance un film complètement bancal et mal fagotté. C'est d'abord sur le son, donc, que le bât blesse : c'est censé se passer en décors naturels, en plein coeur du désert, et les voix sont enregistrées visiblement dans le garage de mon papa, entre les bidons d'huile et la table de ping-pong. Comme les acteurs jouent comme des patates, ça n'arrange rien : tout sonne faux. Ce n'est même plus de l'exotisme de pacotille, c'est du fantasme légèrement rance de colonialiste du dimanche, que ce gros défaut technique artificialise encore plus. Plusieurs séquences sont encore prisonnières de la manière de faire au temps du muet et si visuellement, on a quelques satisfactions, Pabst se montre super maladroit au niveau du montage sonore (ces scènes d'ouverture, terriblement lourdes, où le récit passe de voix en voix interminablement).
Deux légionnaires français à la recherche de l'Atlantide (c'est dans le désert, l'Atlantide ?) se font kidnapper lors d'un guet-apens. Ils apprennent qu'ils sont prisonniers de la fatale Antinéa, reine blonde au pouvoir de séduction irrésistible (c'est Brigitte Helm qui s'y colle, et franchement faut aimer le genre Heidi). Entre haine et amour fou, elle va perdre nos deux camarades jusqu'au dénouement terrible : trahison, meurtre, cris d'agonie et parties d'échec de la mort, le tout sur fond de voyage aux confins du Sahara, l'amateur d'aventures de 1932 pourrait en avoir pour son argent. Le souci est que tout ça se traîne en longueur. Il y a autant d'érotisme là-dedans que dans une borne, autant de suspense que dans un métronome. Pabst ne sait pas trop quoi raconter, et tire en longueur chaque séquence. La rencontre avec Antinéa, les retrouvailles de nos deux collègues, l'escapade finale dans le désert, tout ça se fait attendre trop longtemps, le reste du métrage étant composé de scènes inutiles, surjouées.
Heureusement, on retrouve ça et là quelques traces du grand Pabst, dans des plans furtifs (beau travail sur les visages, sur les regards) mais aussi dans des séquences entières. Beaucoup aimé, par exemple, la découverte de la ville par Pierre Blanchar, hébété, au son d'un french-cancan anachronique : une sorte d'expérience d'hallucination, où Pabst arrive très bien à recréer la sensation de total largage de notre héros. Bien aimé aussi toute la fin, ce dénouement presque fantastique où le gars tord l'image dans tous les sens, et où on sent littéralement le soleil brûler la pellicule. Pabst est de toute évidence fasciné par Brigitte Helm, et la déifie façon reine de Saba en l'insérant dans des décors très inspirés, grandioses et simples à la fois. Quelques idées qui sauvent ce film de l'ennui complet, mais de justesse.
Le Solitaire (Thief) (1981) de Michael Mann
Ce film - le deuxième long métrage de Mann - devant ressortir prochainement dans la collection Criterion je me suis dit que cela valait surement le coup d'y jeter un oeil. Alors oui, un oeil, mais pas plus, l'autre pouvant s'il le souhaite vaquer à la lecture. Si l'esthétisme des films en couleur des 70's est rarement jojo, ceux du début des années 80 est souvent à loger à la même ancienne... Que dire également de cette terrible musique d'ascenseur (franchement... vi, franchement) signée des Tangerine Dream (on dirait Jean-Michel Jarre qui tenterait de composer avec une guitare électrique - genre) - si je n'avais pas vécu dans les années 80, je ne pourrais croire qu'une quelconque génération a pu écouter ce genre de zique sans faire une révolution... Mais j'y fus et dus même parfois me taper pire... Bref, si en plus on évoque l'histoire d'amour à l'eau de rose (les images sur la plage, ô ma grand-mère...) du bazar, on va croire que je me suis copieusement ennuyé... Ben pas que. Parce Mann a déjà en germe cette capacité qui lui est propre à filmer de longues plages sans aucun dialogue (il faut juste couper le son...) pour conter tout un pan de son histoire (qu'il s'agisse des deux casses ou des règlements de compte). Ce style assez particulier vaut le détour ainsi que ces soudains éclats de violence qui sont filmés sèchement - lors du final notamment.
Le film demeure gentiment linéaire (l'histoire en deux mots : James Caan, voleur de haut vol, décide de bosser pour une fois avec un big boss de la pègre ; alors qu'une certaine complicité commence à s'installer entre eux, la situation va soudainement se tendre après un gros coup ; fallait po jouer avec ce type torve mais faut po non plus trop gonfler James Caan qui n'est pas du genre à faire des concessions et à se laisser marcher sur les pieds...) et monte un peu en puissance dans la dernière demi-heure... Avouons tout de même qu'une bonne partie manque terriblement de punch (les casses au tire-bouchon ou au chalumeau sont aussi trépidants qu'une partie de curling sur de la glace fondue) et de rythme. Même si l'on sent le soin que Mann tente de mettre à découper proprement chaque scène et qu'il nous livre un final... radical, ce Thief peine à réellement voler notre âme... Des débuts sérieux, propre mais un peu plan-plan...
LIVRE : Nue de Jean-Philippe Toussaint - 2013
"Les journées sont toujours affreusement longues et la vie dramatiquement courte"
Il y a de très belles choses dans ce livre de l'ami Toussaint (dont c'est d'ailleurs aujourd'hui la fête... ah si, c'est drôle) qui laissent franchement baba. L'ouverture de ce quatrième (et dernier ?) opus des aventures de Marie est une fois de plus d'anthologie avec cette écharpe d'abeilles en folie (un mannequin habillée tout de miel... mmmmh défile avec cette authentique ruche à ses trousses) qui permet à l'auteur de définir finement et avec humour ce en quoi consiste la création - cette capricieuse petite part de hasard... ou de divin comme disait l'ami Gide. Du miel au chocolat il n'y a qu'un pas que Toussaint franchit avec aisance puisque l'on va retourner sur la fameuse île d'Elbe où une chocolaterie a pris feu... Après une première partie où le narrateur, fouillant dans sa mémoire, semblait une nouvelle fois parti à la recherche de la Marie perdue (petit épisode truculent avec... un ersatz de Marie et un Don Juan de service), on a l'impression avec cet incendie que cet amour entre Marie et le narrateur ne cesse de se consommer, de mourir à petit feu laissant dans l'air un lourd parfum écoeurant de sève de cacao... Comme il est qui plus est question d'errance dans un cimetière, de mort, encore, et qu'un parfum de mystère (un fumet d'intrigue policière), de sombre et mafieux complot plane sur le récit, on se dit que l'on va tout droit vers la catastrophe et donc la rupture définitive... On se fourre le doigt dans l'oeil jusqu'au coude puisque finalement l'embellie amoureuse finira par poindre. Toussaint livre quelques magnifiques pages sur cette "rupture qui se lézarde" et l'annonciation surprise faite par Marie (Toussaint se faisant également un devoir d'écrire sur l'Annonciation faite à Marie - un passage également très inspiré) permet de sauver sur le fil cet amour qui semblait définitivement réduit en cendres. Une petite pointe d'optimisme dans ce monde de fourbes et des larmes (de joie, de soulagement...) d'une Marie océanique qui viennent se perdre dans la bouche d'un narrateur qui reprend subitement goût à la vie... Malgré quelques légères baisses d'intensité dans le récit - l'arrivée sur l'île d'Elbe où l'humour finaud de l'auteur peine à refaire surface -, Toussaint parvient à nous livrer quelques passages de haut vol et l'on reste souvent coi grâce à la magie de ses longues phrases serpentines finement ciselées. Un livre qui portera Toussaint aux nues... ? Possible.
La belle Endormie (Bella addormentata) (2013) de Marco Bellocchio
La belle idée au départ du Marco c'est de confronter la récupération populiste d'un gouvernement putassier (Il Cavaliere) - le père d'une femme dans le coma depuis 17 ans avait décidé de mettre fin aux soins palliatifs : ceci suscitant l'émoi des cathos, le Berlu tenta de surfer sur la vague en voulant prodiguer une loi contre l'euthanasie - avec des histoires intimes : on fait ainsi la connaissance de plusieurs individus (genre film choral "de poche") dont les destins sont tous plus ou moins liés avec ce problème épineux... Une actrice (Isabelle Huppert faisant son petit numéro... d'actrice avec larmes) mettant en berne sa carrière pour s'occuper de l'une de ses filles comateuse - au grand désarroi de son fils qui voudrait la voir reprendre le fil de sa propre vie ; une jeune militante pro-vie vivant une passion amoureuse aussi inattendue que lapidaire avec un jeune homme dont le frère est un farouche défenseur de la liberté (celle de choisir notamment sa façon de mourir) ; un homme politique pro euthanasie appelé par les siens (proche du Cavaliere) à voter cette loi et qui décide de se rebeller ; un jeune médecin voulant ramener à la vie une jeune droguée suicidaire... Bref des tranches de vie d'individus normaux pour montrer, ben, que tout cela n'est po si simple, qu'entre le blanc et le noir il y a le gris qui rime justement avec euthanasie...
Il faut reconnaître à Bellochio un vrai tact à conter ses histoires qui pourrait lamentablement tomber dans le pathos (j'aime bien Huppert mais elle est quand même pour le coup limite limite à ce sujet...) ; des instants joliment filmés avec une caméra très caressante qui laisse parfois la place à de soudaines envolées de violence ou de colère (le jet du verre d'eau, la colère de l'homme dans l'hôpital, la suicidaire se vidant les veines...) soutenu par un montage et une musique souvent efficaces ; on pénètre progressivement dans l'intimité de ses êtres qui doivent faire face à des choix éminemment cruciaux. Bellochio réussit quelques séquences relativement envoutantes - la très belle scène de l'homme politique dans le sauna, l'homme qui joue du piano au chevet de cette morte-vivante aux allures de Belle au Bois dormant, la passion fougueuse entre ces deux jeunes gens un peu coincés en apparence... - mais (le problème c'est toujours ce salopiot de "mais") malgré un certain sens de la retenue, de la pudeur, certaines histoires flirtent un peu trop avec les clichés : les deux frères ennemis grossièrement dessinés, l'Huppert butée et enfièvrée, la droguée ressuscitée par cet homme empli de foi en l'humain... et dont elle finit par "bénir" les pieds (un retournement de situation, sur le fil, méchamment facile...). Du coup entre la maline idée de départ, son traitement parfois inspiré et les faiblesses du scénar, on reste un peu le cul entre deux chaises - certes, cela tombe bien vu la thématique (l'euthanasie, un choix difficile, vi) - mais on attendait de la part de Marco un peu plus d'originalité dans ses récits par trop prévisibles dans leur déroulement... Un oeil éveillé, l'autre avec la paupière tombante...
LIVRE : Danse noire de Nancy Huston - 2013
J'aime bien Nancy Huston, généralement, mais cette histoire qui conte le destin des moutons noirs d'une famille sur trois générations n'est jamais vraiment parvenue à me captiver ou à vraiment m'émouvoir - même les retrouvailles sur la fin entre Milo et (...) sonne un peu plat. Faut dire que la gâte Nancy n'y va pas avec le dos de la cuillère au niveau du glauque : Milo fut un gamin abandonné, trimballé de famille en famille, et bien souvent battu (youpi !), Neil un activiste irlandais au début du siècle qui vit son meilleur ami se faire abattre sous ses yeux avant de s'exiler au Canada et vivre chichement sa vie d'écrivain raté (hip hip hip !) et enfin Awinata, jeune pute indienne malmenée (y'a de la joie !). Bref si vous êtes chômeur en fin de droit et que votre femme vient de vous quitter, c'est pas vraiment le bouquin que je vous conseille pour vous remettre en selle... Pauvreté, violence, déracinement, douleurs, drogue, exploitation... nos trois libres penseurs / libres viveurs auront bien du mal à trouver le chemin du bonheur... Nancy Huston nous fait traverser tout le siècle, nous emmène de l'Irlande au Canada, nous fait côtoyer deux grands auteurs très souvent cités (Yeats et Joyce) mais peine à donner un vrai souffle à ce roman "choral". Le problème étant peut-être cette constante volonté de, littéralement, "mettre en scène" ces différentes aventures (l'idée étant au départ de mettre ces trois destins sous forme de film) avec ces multiples indications "filmiques" qui nous font sortir de la trame à de nombreuses occasions - sans avoir en plus vraiment d'intérêt. On voit bien que chaque individu se doit d'affronter, quel que soit le lieu, l'époque, son lot de misère avant de pouvoir grappiller quelques secondes de bonheur (Awinata avec son amant (au moins au début), Milo grâce à la danse et ses aventures bisexuelles, Neil au travers de la littérature) mais tout cela a un petit air de déjà vu/lu (la pute indienne bafouée, le gamin battu, l'Irlandais écrasé coupé ensuite de ses racines... ouais, manquent le boucher d'extrême-droite et le garagiste fourbe - je plaisante, allons). Un petit Huston, à lire sur la pointe des pieds, qui n'est guère parvenu à me convaincre. Danse un tantinet macabre...